Alternativo · Noise · Indie · No Wave

Reedición de lujo con motivo del 20 aniversario del primer disco de Fun Lovin' Criminals.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges (Festival de Sitges para abreviar) publica este año como libro oficial una obra de nuestro periodista (y sin embargo amigo) Pacus González Centeno, de título "Tres piezas para el asesino: Jazz, rock y electrónica en el cine criminal y de terror", en el cual analiza de forma cronológica, década a década, la relación entre los estilos de la música popular y los principales estilemas del cine de género de la 2ª mitad del siglo XX.
Pacus tuvo la brillante (y descabellada) idea de complementar la edición del libro con un disco de versiones de algunos de los temas desgranados en el libro ejecutadas por bandas de nuestra escena underground actual, y planteó la propuesta a Family Spree Recordings, con el objetivo de colaborar en la selección de los temas, enrolamiento de las bandas y coordinación de todas las actuaciones necesarias para que el proyecto vea la luz.
La idea fraguó en forma de doble LP y con el título "Kong'n'roll - 26 rock'n'roll bands tribute to the Sitges Horror Film Festival" y cuenta con la participación de 26 bandas ejecutando de forma magistral temas incluidos en alguna de las películas que formaron la banda sonora de alguna de las películas seleccionadas.
Y su edición se llevará a cabo bajo el sello nuevo "Sawyer Family Party", para inaugurar una saga de proyectos futuros en línea diferente a la de su sello matriz.

Edición de lujo con portada gatefold, póster y dvdgrabado en directo en el palast Der Republik de Berlin el 3 de novimbre de 2004.

Edición de lujo en vinilo doble de 180 gr. de su último disco publicado en 2017 que incluye 14 postales en edición limitada.

Edición limitada en vinilo de color. Grabaciones en directo en KAOS Community Radio en Olymjpia el 5 de junio de 1987 y en Pat O'Brien Pavilion Del Mar de fairground, California, el 28 nde diciembre de 1991.

Reedición de su álbum publicado en 1985.

Gala Mill es el tercer álbum de estudio de la banda australiana The Drones, que se lanzó en septiembre de 2006. Grabado en un molino abandonado en Tasmania, fue su último álbum con el miembro fundador Rui Pereira y el primero con Mike Noga en la batería. La música, que da "un salto épico más allá del garage rock", añade influencias del folk rock y la música folk contemporánea a su habitual estilo punk blues. Las letras de Gareth Liddiard para el álbum se centran más en la historia reciente y colonial de Australia, evidente en temas como "Jezebel", "Words From The Executioner To Alexander Pearce" y "Sixteen Straws".Al igual que su predecesor, el álbum recibió elogios de la crítica de fuentes tanto dentro como fuera de Australia, y gran parte se centró en el estilo musical crudo del álbum y el lirismo oscuro de Liddiard.

Los veteranos Black Lips presentan su décimo álbum de estudio. A lo largo de los años, su estética se ha mantenido basada fundamentalmente en el rock de garaje, pero ha girado de diversas formas para abarcar el dream pop y el country. Esto se anuncia a sí mismo, según la cantante Zumi Rosow, como un "disco de baile extraño", que atraviesa el goth, el punk y el pop retro-futurista en una explosión entretenida.

Segundo volumen dedicado a la música synth hecha en España durante los años ochenta. Del tecno pop que flirteó con las listas de éxitos al underground experimental, estos 20 temas son el reflejo de una década y escena musical en constante y rápido movimiento. Muzak, Diagonal, TV Soviética, Orfeón Gagarin, Esplendor Geométrico, Logotipo, Jan, Claustrofobia, De Picnic, Fanzine, Q, Demian, Flash Cero, Flácidos Lunes, Betty Troupe, Manía, Minuit Polonia, Heroica, V Generación, Programa. Ambos formatos incluyen un extenso libreto con texto de Sergio Sánchez (Jazznoize), fotos de los artistas y memorabilia.

A principios de los años ochenta existió una música futurista que anticipaba otra época musical de forma triunfante para algunos proyectos que funcionaron en los circuitos alternativos. Tradición, trayectoria y futuro: esas son las tres palabras que podríamos condensar en este escrito cuyo cometido es el de continuar con la descripción de un movimiento castrado en su nacimiento que intentaba aportar pluralidad y matices a una monolítica escena cultural demasiado previsible, comercial y rancia. El tejido musical del synth pop, la electrónica experimental y el incipiente sonido industrial primitivista de grupos como Esplendor Geométrico u Orfeón Gagarin se topó con una inexistente participación social que garantizara una cultura de base amplia y de carácter popular. El alma viva de aquellos pioneros se extinguió para siempre, y ahora es el momento de recuperar sin tibiezas las composiciones de parte de esos grupos incomprendidos. Interferencias aporta su grano de arena en la odisea difusora del patrimonio musical de lo raro de aquella década de los ochenta, ya sin dictadura. Eran nuevos tiempos de lucha entre los que proponían ruptura y los que deseaban un camuflaje de alto diseño. En esta segunda parte de Interferencias continuamos con el interés y la atracción hacia aquellos nuevos sonidos, una especie de necesidad apremiante para estos gurús embrionarios del tecno pop, que se aferraban a sus instrumentos de nueva generación como si fueran símbolos de la avanzadilla del post franquismo. Aparecieron en plena Transición, como grupúsculo extraño, pero con popularidad entre las minorías al margen del sistema artístico dominante y oficial. Esa novedosa corriente estaba ungida por una idea fundamental, la del abandono de la discriminación en el uso de sintetizadores como elemento reproductivo de emociones. Con ciertos ribetes modernos, alternaron al margen de las discográficas principales pero con una mirada puesta en los medios de comunicación que ya se iban haciendo eco de sus propuestas, como por ejemplo en las esporádicas apariciones en programas de televisión como Musical Express o La Edad de Oro. Era posible presenciar el impulso de estos grupos que estaban dominados por las estéticas musicales foráneas. Interferencias cierra esa búsqueda analítica de nuestro patrimonio musical más sintético y minimalista, siendo un artefacto respetuoso, escrupuloso con la historia, heterodoxo y nada dogmático. Este tipo de sonidos encarnan la perplejidad, la paradoja y la confusión del momento, que al innovar en el lenguaje y en su discurso sonoro causaron tanto desconcierto y falta de comprensión como entusiasmo por una parte del público. Con algunos de los grupos incluidos aquí podemos descubrir un universo repleto de estímulos y significados, una materia viva capaz de liberar la energía necesaria para insuflarnos nueva vida y darnos elementos sustanciales para reinterpretar y comprender el mundo de la música popular acaecida en las últimas décadas. Queda mucho por recuperar, o mejor dicho, mucho por explorar en esa historia paralela de misterio subterráneo que estuvo oculta para la gran mayoría y que por diversos motivos se vio privada de convertirse en un verdadero germen electrónico popular nacido en España con talento y rebeldía, llegando sin embargo hasta territorios verdaderamente ignotos y desconocidos por miles de jóvenes de aquel tiempo. En ocasiones el canto más bello es el de una lengua desconocida, y ocurre igual con los sonidos. Por ello, invito a disfrutar y participar con la escucha de este banquete donde los manjares sónicos más suculentos no siempre están necesariamente a la vista. Interferencias conforma una espléndida banda sonora que nos guía por los callejones de la memoria y el olvido, sabiendo muy bien que, a veces, los recuerdos valen su peso en oro.

Sergio Sánchez

Un disco que recuerda a Serge Gainsbourg borracho de blues o un Lee Hazlewood post-punk. «Femina» es su último trabajo tras tres exitosos álbumes: «Naked Blues» (2001), «Fuck Christmas, I Got The Blues» (2003) y «Masquerade» (2006). Todos con distribución internacional. Asia Argento, Peaches, Lisa Kekaula, Becky Lee, Phoebe Killdeer, Cibelle, Rita Redshoes, Claúdia Efe, Mafalda Nascimento, Dorit Chrysler, Maria de Medeiros, Rita Braga y Cais Sodre Cabaret también son dueñas y autoras del LP. Doble Lp con carpeta abierta en edición limitada de 1.500 copias.
Cuarto álbum de este artista portugués que transforma la tradición del blues del Mississippi con el añadido de samples, beats y loops.The Legendary Tigerman (Paolo Furtado: ex-Tédio-boys,Wraygunn) es el hombre a cargo del chaston, kazoo y la guitarra, acompañado en esta ocasión por varias artistas del ámbito musical. duets, but not as you know them. En el siglo XXI Paulo Furtado se convirtió en The Legendary Tigerman. Siguiendo la tradición de los viejos artistas del blues, este «hombre orquesta» se lanzó desde Coimbra, Portugal al mundo.Tigerman tiene raíces profundas que al mismo tiempo combina con nueva tecnología (samples, beats, loops), dotando a su música de un carácter único y tocando él mismo todos los instrumentos en directo. El resultado explosivo de esta mezcla le ha hecho famoso en Europa, Estados Unidos, Brasil y Japón. Al ser un hombre orquesta, es difícil imaginarse un directo potente, pero los shows de Tigerman son arrolladores. Hay cierta actitud punk en sus actuaciones. El blues vive en la música que toca. Pero siempre está latente cierta sensación de que algo está a punto de explotar, producto de la tensión que provoca en el escenario. Ahora es el turno de «Femina», el cuarto álbum de The Legendary Tigerman. Esta vez, sólo las mujeres están invitadas a su particular mundo. Tras tres discos donde, de manera explícita o no, las mujeres habitaban sus canciones, el solitario Tigerman ya no está solo. Como un Serge Gainsbourg borracho de blues o un Lee Hazlewood post-punk,The Legendary Tigerman ha creado un álbum donde dos mundos chocan y el resultado es un disco de duetos diferente de lo habitual.
En el siglo XXI Paulo Furtado se convirtió en The Legendary Tigerman. Siguiendo la tradición de los viejos artistas del blues, este "hombre orquesta" se lanzó desde Coimbra, Portugal al mundo. Tigerman tiene raíces profundas que al mismo tiempo combina con nueva tecnología (samples, beats, loops), dotando a su música de un carácter único y tocando él mismo todos los instrumentos en directo.

Primer volumen dedicado a la música synth hecha en España durante los años ochenta. Del tecno pop que flirteó con las listas de éxitos al underground experimental, estos 20 temas son el reflejo de una década y escena musical en constante y rápido movimiento. TodoTodo, Oviformia SCI, Última Emoción, WAQ, Justine, Séptimo Sello, Líneas Aéreas, MD, Lavabos Iturriaga, Vocoder, Metal y Ca, La Mode, Aviador Dro, Kalashnikov, Tomates Eléctricos, Metropakt, El Humano Mecano, Diseño Corbusier, Los Iniciados, Bola/Banda Electrónica. Ambos formatos incluyen un extenso libreto con texto de Sergio Sánchez (Jazznoize), fotos de los artistas y memorabilia.

Algunos visionarios intentaron mostrarnos lo que teóricamente iba a ser el futuro. Desde su reducto marginal abrieron sus puertas a una música electrónica, tanto en su melodía como en su armazón rítmico y bailable. Las nuevas vías expresivas que otorgaba el establecimiento en España de un modelo de transición a la democracia permitieron el incendio de la música tradicional de aquel momento. El synth pop se instaló en la península en los centros urbanos de las principales ciudades, dando inicio febril a una de las pocas etiquetas que podríamos denominar como autóctonas; el tecno pop: versión ibérica de aquel sonido minimal synth que causó furor a finales de los años 70 y principios de los 80, que a su vez abarcaba toda una serie de subgéneros. El mimetismo inicial era total, y sus referentes eran los discos de Cabaret Voltaire, Heaven 17, Brian Eno, Depeche Mode, Japan, Human League, Soft Cell, DAF, New Order, The Residents, Ultravox o Devo. Pero también el cine, la poesía y la moda eran claras influencias que se reflejaban en las canciones de aquellos incipientes grupos. Muchos tuvieron que sobrevivir en las catacumbas del underground y nadar en los mares maqueteros, sin publicar disco alguno, víctimas de la incapacidad de los sellos discográficos que no comprendían lo que se estaba gestando en el país, aunque poco después el filón sería explotado de tal manera que grupos con dos o tres actuaciones firmaban contrato con un sello. Cuando las grandes discográficas intentaron hacer caja tres años después del estallido cultural, para algunas bandas ya fue demasiado tarde, estaban bailando otra guerra. Este recopilatorio intenta paliar la escasa repercusión que algunos de estos grupos tuvieron en unos medios que no querían interiorizar ese cambio de rumbo de la historia, pues se estaba produciendo en lo cultural un pequeño salto adelante. Solo algunos programas de radio, de televisión y ciertos gestores de salas de conciertos apostaron por unos grupos cuyas grabaciones fueron lucientes testigos de una época, determinantes símbolos para entender la evolución de nuestra propia música contemporánea y popular. Esos grupos publicaron discos a la altura de algunas obras de fuera, a pesar de tener menos medios técnicos y menos conocimientos musicales. Esa nueva generación quiso romper, algunos de forma más consecuente que otros, con los eternos tiempos rancios y el totalitarismo. El entusiasmo y energía desbordante consiguieron finalmente implantar esa nueva ola cargada de rítmica sintética donde las guitarras cedieron protagonismo a sintetizadores de diverso pelaje y a las cajas de ritmo. En aquella España que aún negociaba al más alto nivel para ser aceptada por la Comunidad Económica Europea, la mayoría de proyectos no tuvieron la difusión que merecían. Muchos optaron por malvivir en la marginalidad, fichando por pequeños sellos o creando el suyo propio. Aquel espíritu do it yourself que pregonaba el movimiento punk se había convertido en una seña de identidad para la primera generación sin domar en cuarenta años. No todos los grupos estaban comprometidos políticamente, aunque de aquello surgieron propuestas interesantes porque aún no había llegado el tiempo de la creciente espiral de docilidad y tragaderas que después se implantó tras los primeros años de democracia. Interferencias brinda la oportunidad de descubrir unas propuestas que no siempre tuvieron eco y que fueron abandonadas para perderse en la memoria de unos pocos. El disco no es una suma de reliquias del pasado, sino algo viviente que nos permite comprender, desde ese pasado cercano, nuestro mundo actual. El surtido de grupos aquí reunidos impone, y las canciones seleccionadas son sugerentes y honestas propuestas donde se derrochan kilos de coherencia en temas repletos de melodías infecciosas y ritmos pegajosos y aritméticos. Son canciones reflejo de una década.

Tras doce años sin canciones nuevas presentamos ALLES IN ALLEM, el nuevo disco que marca la quintaesencia del grupo de BERLIN.Cuarenta años de experimentación por un grupo de artistas alrededor de BLIXA BARGELD y sin dormirse en los laureles. Blixa Bargeld, N. U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit y Rudolph Moser meten en la batidora Sonsoles sonido industrial, sus beats de los 90 o su trabajo más complejo de la última etapa en el cual alrededor de la versatilidad del año de la Rata, en el horóscopo chino, crean un elenco de canciones genuinas que define toda categoría para crear un género en si mismo.

DE LA CUNA A LA TUMBA pone punto y final a su andadura con La tumba, re-edición de lujo en vinilo de su breve pero intensa discografía vía Spinda Records y The Braves Records, y de la que el pre-order está ya abierto. Hace unas semanas la formación andaluza rompió su silencio con la publicación en sus redes sociales de una serie de enigmáticas imágenes y agrupadas bajo #imágenessinnombre, que inmediatamente crearon cierta expectación entre sus seguidores más fieles, así como algunos fragmentos del DVD en directo Cenizas y cintas de vídeo.
Formados a finales de 2014 entre Sevilla y Málaga, De La Cuna A La Tumba aunaba la experiencia y el amor por la carretera de J.A. Soler «Kantz» (antes en Tenpel y Coilbox; ahora en Habitar La Mar) y los miembros de Catorce (Jaime Ladrón de Guevara, José Miguel Ocón y Luis Manuel Terán).
En 2016 lanzan su debut homónimo, que les lleva a recorrerse gran parte de la península, colgando incluso el cartel de «no hay entradas» en la mítica Sala Sirocco madrileña. Un año después, en 2017, lanzan su segundo y último trabajo de estudio, [algo sin nombre], que vendría acompañado por el DVD Desdibujados [Cenizas y cintas de vídeo], directo grabado entre ambos álbumes. DE LA CUNA A LA TUMBA en muy poco tiempo se convirtieron en todo un referente nacional del post-hardcore y el post-rock alternativo; una banda que supo romper moldes a pesar del escaso material editado.
Tras la correspondiente gira de presentación, la formación entró en un hiato de tiempo, desapareciendo sin apenas hacer ruido y habiendo puesto patas arriba la escena nacional en algo menos de tres años. Sin embargo, algunas cosas quedaron por decir y/o por hacer: una despedida oficial y la edición de sus trabajos en vinilo. DE LA CUNA A LA TUMBA se despiden ahora con La tumba, un recopilatorio de sus dos únicos álbumes de estudio, grabados por Koke Díez en Manufacturas Sonoras (Madrid) y masterizados por Brad Boatright en Audiosiege (Portland, EE.UU.), y con artwork de The Braves Church.
La tumba verá la luz en verano de 2020 en tres ediciones limitadas a 100 unidades numeradas a mano y prensadas en doble vinilo de 180g a 45RPM, montadas en carpeta abierta gatefold y con código descarga que incluye también el audio de los 5 temas en directo de ‘Cenizas y Cintas de Video’. Opción 1: LP Black in Clear Red + LP Black in Clear Crystal / White. Opción 2: LP Clear Red + LP Clear Crystal / White. Opción 3: LP Black + LP Black. El pre-order está ya abierto en spindarecords.com y thebravesrecords.com, así como en el Bandcamp de Spinda Records, y en los próximos días se comunicará la fecha oficial de lanzamiento.

(Metalkorner.com)

¡Llamando a todos los fans de BEASTS OF BOURBON! Al igual que con THE CRAMPS y THE FUZZTONES, se lanza en vinilo doble una recopilación de todas las canciones originales que versionaron. ¡Todas las canciones que BEASTS OF BOURBON versionaron a lo largo de los años! Los originales de todos los artistas como Hound Dog Taylor, Max Roach, Hank Williams, Standells, Electric Eels, Pretty Things, Howlin'Wolf, Nobody's Children, Leon Payne, etc, etc, etc ¡¡¡Todos!!!! Edición extremadamente limitada de 250 copias con sobrecubierta e información completamente detallada, todos los fanáticos de LAS BESTIAS DE BOURBON, corran por su copia!!!!!!!!!

"Wait Long by the River and the Bodies of Your Enemies Will Float By" es el segundo álbúm lanzado por los Drones. El álbum tiene influencias de artistas como Neil Young y The Birthday Party, aunque ha sido descrito por el mismo cantante y guitarrista Gareth Liddiard como un álbum de punk rock. La letra, escrita por Liddiard, trata temas como la muerte, la depresión y el alcoholismo en su descripción de la vida de la clase trabajadora australiana. El álbum recibió elogios de la crítica tras su lanzamiento, considerado más tarde como la "ruptura" de la banda y uno de sus lanzamientos más populares. La canción "Shark Fin Blues", en particular, se convirtió en un elemento básico de los conciertos y fue votada por los compositores australianos contemporáneos como la mejor canción australiana de todos los tiempos en octubre de 2009. El álbum en sí se interpretó en vivo en su totalidad muchas veces, incluso como parte de la aclamada serie de conciertos Don't Look Back. En 2008, The Age lo clasificó como el mejor álbum australiano del siglo XXI. Tres años más tarde, los contemporáneos de la banda y los "expertos de la industria" lo votarían como el 24º mejor álbum australiano de todos los tiempos.

El anterior LP, Sadness Makes Me Less Unkind, podía encuadrarse dentro del alt country y el folk de bandas como The Sadies o Mark Lanegan, a la vez que se nutría de influencias tradicionales de Johnny Cash a Townes Van Zandt. Si bien estas influencias siguen permeando la música de Pale Preacher, Hanged, Drawn, Quartered…, es, en general, un disco más denso y oscuro, con angulosos arreglos de guitarra eléctrica, más cercano en algunos momentos a los primeros Bad Seeds o a Kim Salmon y sus respectivas revisiones de la música de raíces.
El disco se inicia con la aparente sencillez de “Big Nose George Parrott”, en el que las guitarras acústicas y el banjo nos introducen en la grotesca historia de este salteador de caminos que fue linchado, descuartizado y partes de su cuerpo convertidas en objetos. Prosigue con “So Sad, Very Sad, So Sick and Mad”, que contrasta con la anterior por la contundencia de su sonido, en la línea de bandas como 16 Horsepower. Es un tema sobre el dolor y la tristeza producidos por las pérdidas y rupturas, una constante a lo largo del disco. Con “Hang Me Down” se repite uno de los aciertos del trabajo anterior, la colaboración con Victoria Villa, cantante de Evildog. Aquí la dulzura de la música, una balada con arreglos de cuerda, choca con el cinismo de una letra en la que dos ex-amantes se prometen odio eterno. “Hallowed Winds”, también con Victoria Villa acompañando a Francisco, cierra la cara A: estrofas dulces y estribillos de intensidad creciente hasta el tormentoso final, con guitarras que podrían recordarnos a Rowland S. Howard. La cara B comienza con “Goddamn Tree”, de nuevo un tema en el que prima la electricidad de las guitarras, con un estribillo pegadizo, en el que también escuchamos a Álvaro Gastmans (Gastmans, The Hairy Nipples) en los coros. “Murky” es una canción desgarrada y confesional, que comienza casi como un homenaje a las bandas sonoras de Ennio Morricone para terminar con un intenso reprise eléctrico. “I Wonder How Long”, es punk blues espasmódico en el que colaboran Juanillo Basura (The Hairy Nipples, Tupelo Bound…) a la batería e Israel Calvo (The Hairy Nipples, Betamax…) a la guitarra, así como Máximo RB -coproductor del disco- con la armónica. El disco termina con “Hellbuilder”, country gospel festivo para pecadores e incrédulos, con Damián Fernández batería de Trío Mudo y todos los colaboradores del disco a los coros.
…And Forgotten es el EP que acompaña a Hanged, Drawn, Quartered… y en el que Pale Preacher confiesa sus filias musicales, rindiendo tributo a algunos de sus artistas favoritos. Las cuatro versiones ahondan en la temática del LP y también conectan musicalmente Hanged Drawn, Quartered… con su anterior trabajo, Sadness Makes Me Less Unkind.“Saint John The Gambler” es una sentida interpretación, de nuevo con arreglos de cuerda de José Ojeda, de uno de los temas más conmovedores de Townes Van Zandt, sin duda un referente en la carrera musical de Francisco J. Galacho. “The Spectre” si cabe, es más inquietante que la original de Jackson C. Frank, un cantante folk tan talentoso como desafortunado.
“Alone And Forsaken” es una interpretación personalísima y de atmósfera industrial del clásico de Hank Williams. “The End”, original de Sybille Baier, cantante alemana redescubierta hace pocos años, cierra este trabajo. En esta ocasión Francisco opta por ceñirse al original, cantando y tocando la guitarra acústica en una grabación de ambiente casero.

Música original de la película, compuesta e interpretada por PJ Harvey.

99.00 DUB MANIFEST (Esan Ozenki records 2000), es el título del segundo álbum en solitario de Fermin Muguruza. Ahora, cuando se cumplen 20 años de su publicación, os presentamos una cuidada edición en vinilo doble, formato en el que no se editó originalmente.
Este disco se grabó con la banda que le ayudó a presentar su aclamado Brigadistak Sound System en directo y con la llevó a cabo una gira durante 2 años. El álbum tiene 3 remix extra: Javi P3Z y Xabi Pery remezclan Big Beñat y Rude hace lo propio con Dub Manifest. Todos a bailar!

My Lover The Killer es la colaboración más reciente entre Lydia Lunch y Marc Hurtado. Su primer trabajo conjunto fue el tema ‘Sexodrone’ del álbum de Etant Donnés’s Re-Up, en 1999. Con la participación de Terry Edwards (Gallon Drunk), Ian White (Gallon Drunk), Mark Cunningham, We Are Birds of Paradise y David Lackner.

My Lover The Killer es un proyecto colaborativo con Marc Hurtado. Lo que empezó como un concepto musical sin definir en el verano de 2012 se convirtió en una profecía escrita en sangre en noviembre de ese mismo año. My Lover The Killer es un confesionario oscuro y nocturno. Siniestra, sexy y misteriosa, la música se desliza, surge y acaricia la cautivante voz que narra retorcidos relatos llenos de insinuaciones, promesas y amenazas. El texto se basa en el asesinato/suicidio de un ex amante con el que había contactado recientemente por primera vez en más de una década. Camino de Los Ángeles, tras un huracán a principios de otoño que afectó a la costa este de Estados Unidos, le envié una invitación sugiriendo que nos viésemos para tomar unas copas. Dos días después, durante una pelea regada con alcohol entre él y su novia debida a su intención de venir a verme, la mató de un disparo, llamó a la policía y se apuntó a sí mismo. Murió al día siguiente, el día que cumplía 55 años. Cada canción de My Lover The Killer es una reflexión sobre esta tragedia, los aterradores efectos de un amor insano fuera de control y los obsesionantes retazos de un amante que todavía acecha desde más allá de la tumba. Lydia Lunch

Lydia Lunch es una nómada en constante cambio que ha desplazado su vida 20 veces en los últimos 35 años para nutrir su arte. Música, escritora, fotógrafa e intérprete, se dio a conocer en la escena musical de Nueva York en 1977 con su seminal grupo de no wave Teenage Jesus and The Jerks. Tanto en busca de inspiración como para trabajar con una amplia variedad de colaboradores, que incluyen a Karen Finley, Hubert Selby Jr, Nick Cave y Virginie Despentes, ha vivido en Nueva York, Nueva Orleans, San Francisco, Pittsburgh, Los Ángeles y Londres. Ha viajado a más de 600 ciudades interpretando música y espectáculos de spoken word en locales, teatros y museos. Durante los últimos ocho años ha residido en Barcelona, desde donde busca inspiración en el desierto y los cientos de pueblos abandonados, sobre todo las inmensas ruinas de la batalla de Belchite de la Guerra Civil. Marc Hurtado es un músico, intérprete, poeta, pintor y cineasta que creó el dúo francés Etant Donnés junto a su hermano Eric en 1977. Ha publicado más de 30 álbumes y realizado más de 500 conciertos, incluyendo actuaciones en The Kitchen (Nueva York), Fundación Cartier y Centro Pompidou (París), Sonar Festival (Barcelona), Atonal Festival (Berlín) y Transmusicales (Rennes). Además de dicho dúo y su proyecto en solitario Sol Ixent, ha colaborado con muchos artistas de culto como Alan Vega, Genesis P Orridge, Michael Gira (Swans), Gabi Delgabo (DAF), Z'ev, Philippe Grandrieux y Vomir. Su última película, Jajouka, Something Good Comes To You, ha sido adquirida para formar parte de la colección del museo MoMA de Nueva York. Sus instalaciones y cuadros han sido expuestos en Documenta de Kassel, la Bienal de Lyon, la Gallerie du Jour de París, el Museo Stededelijk de Ámsterdam, el Cultural Arts Council de Houston y la Mattress Factory de Pittsburgh.

A lo largo de los últimos años de encierros y silencio y de tener demasiado tiempo para pensar, Tex Perkins siempre encontró consuelo en la compañía de la canción. Con su amigo Matt Walker como coguionista y conspirador, Perkins se deleitó con la experiencia que impulsó la formación y grabación del primer álbum de Fat Rubber Band en los Stovepipe Studios de Walker & #39 con el bajista Steve Hadley, el baterista Roger Bergodaz y el percusionista Evan Richards. . Después de una experiencia tan positiva y creativa, Perkins estaba ansioso por comenzar a trabajar en lo que se ha convertido en el segundo álbum de la banda, Other World. “El primer álbum de Fat Rubber Band fue deliberadamente un poco irregular. Un poco borroso en los bordes”, dijo Perkins. “Hay una cierta madurez que ahora poseemos donde las ideas se pueden realizar y tomar forma muy rápidamente. Nos hemos convertido en una verdadera banda. Creo que lo que escuchaste en el primer álbum es la formación de la banda”. Si bien ha tocado con muchos músicos, encontrar verdaderos colaboradores es algo que Perkins atesora. Durante los cierres, se preguntó si alguna vez volvería a tener esa experiencia musical cotidiana. Con The Fat Rubber Band no es solo otro grupo de músicos que tocan música juntos, sino una reunión que tiene mucho que ver con la cabeza, el corazón y el alma y algo por lo que está claramente agradecido. “Roger Bergodaz estuvo increíble. ¡Su kit de batería estaba en la sala de control y él diseñó el disco y tocó la batería prácticamente al mismo tiempo! Constantemente creó el entorno donde siempre prevaleció una atmósfera entusiasta y positiva. Nunca salimos con las manos vacías. Me encantó hacer este disco”, dice Perkins, “porque ocurrió la puta magia. Sí, así es, ¿magia o qué tal alquimia? (Una ciencia medieval con un proceso misterioso que busca convertir los metales básicos en oro.) Bueno, no sé sobre el oro, pero fui testigo de ideas, pensamientos, caprichos e imaginaciones transmutadas casi sin esfuerzo en canciones vivas que respiran con alma y un latido del corazón e incluso su propia historia privada cada vez que entramos al estudio para esta grabación. En realidad, no, la magia es mejor.” Perkins explica: “Esta magia surgió con la ayuda de más de 40 años de experiencia de cada uno de los miembros de la banda Fat Rubber. Todos son realmente grandes jugadores y todos son colaboradores muy generosos, así que supongo que lo que estoy diciendo es que no importa lo que pase a partir de aquí. Soy muy consciente en estos días, con cientos de nuevos lanzamientos cada semana, es más difícil que nunca hacer que a la gente le importe una mierda un nuevo álbum de alguien, y mucho menos de un grupo de tipos peludos de Australia en sus 50 liderados por un amigo que ha existido desde principios de los ochenta llamado Tex. En realidad, ¡no puedo creer que todavía estés leyendo esto! Pero sabes que en realidad no importa, he visto la magia”.

Reedición de este álbum de 1999 del dúo francés Étant Donnés, una de las principales formaciones de la escena industrial/expérimental europea desde finales de los años 70. Presentado con un diseño nuevo y disponible en vinilo por primera vez, esta banda sonora para exploradores sensoriales está repleta de crujidos y zumbidos y cuenta con la participación vocal de Alan Vega, Lydia Lunch y Genesis P-Orridge, más las colaboraciones de Mark Cunningham y Bachir Attar, líder de The Master Musicians of Jajouka. Incluye un remix de Marc Hurtado como tema extra.
Para este disco de 1999, Étant Donnés, dúo francés formado por los hermanos Eric y Marc Hurtado, contaron con Alan Vega, Lydia Lunch y Genesis P-Orridge a la hora de escribir letras y aportar voces. Vega aparece en los cuatro primeros temas, uniendo su personal voz con los latidos y crujidos analógicos de ‘Shadows Lights’, respondiendo al palpitar rítmico y el sintetizador quebrado del tema titular, participando en un tema escrito originalmente por él y Martin Rev en la versión de ‘Ghost Rider’ de Suicide, y en la épica ‘Brutal Piss Rods’. Lydia Lunch aparece a continuación en ‘Sexodrone’, un tema largo donde su respiración y su fría interpretación vocal se baten en duelo con la trompeta tratada de Mark Cunningham. Genesis P-Orridge aporta un ambiente diferente con su spoken word en los últimos tres temas: entre los gongs metálicos y ráfagas de sintetizador de ‘At Last’, la pieza complementaria ‘Angel With Iron Wings’ y ‘Secret Tear’. En este último tema participa también Bachir Attar, líder de The Master Musicians Of Jajouka, tocando la ghaita; P-Orridge y Attar concluyen este viaje con un vigoroso diálogo entre voz e instrumento. Es la banda sonora perfecta para exploradores sensoriales. El bonus track es un remix de ‘Ghost Rider’ a cargo de Marc Hurtado que parece querer transportarnos al centro de una guerra intergaláctica.

Reedición, por primera vez en vinilo, de su álbum de 1997.

Versión extendida de esta fabulosa grabación a cargo de Jeffrey Lee Pierce & Cypress Grove. Puro Blues acústico, grabado en Eslovenia en 1994 para un programa de radio. Jeffrey Lee se había tomado un descanso de Gun Club para enfocarse en su pasión por el Blues tradicional. Contiene canciones inéditas hasta la fecha. Para completar una edición de lujo, se añaden notas del propio Cypress Grove. Por lo que sabemos, éstas fueron las últimas canciones grabadas por Jeffrey Lee... y suenan brutales!!!

El grupo vasco Billy Bao viajó a la antigua capital de Nigeria para grabar una oda en cuatro partes a la ciudad ... Son collages de sonido que toman fragmentos del trabajo de la artista sonora local Emeka Ogboh, el ex compañero de Fela Duro Ikujenyo y el saxofonista de afro jazz Orlando Julius, y fusionándolos toscamente con el respaldo ambiental ... Billy Bao y sus compañeros logran capturar el amor, el afecto y la frustración inevitable (inconfundible) que evoca Lagos ". Lanre Bakare, The Wire "Lagos Sessions" con: Billy Bao, Ambido, Diana Bada, Duro Ikujenyo, Mark Ido, Oduyomi Isaiah Oluseye, Joel Isioma Okoh, Orlando Julius, Mendo, Emeka Ogboh. Presentado en portada desplegable con notas de Kunle Tejuoso y Ed Emeka Keazor.

Edición limitada en vinilo de su ábum de 2015.

La voz y la guitarra de Ben Vaughn se filtran a través de su peculiar sentido del humor, lo que da como resultado una colección de letras inteligentes y melodías pegadizas perfumadas con aroma vintage.
Cuando “The Many Moods Of Ben Vaughn” se publicó 1986, el Combo tenía literalmente el mundo a sus pies. Muchos de los éxitos que hoy le puedes escuchar a él (y su quinteto) ya se encontraban en este disco.
¡Suena tan fresco hoy como resultaba en su momento y ahora lo reeditamos por primera vez en 35 años!

El Ben Vaughn Combo abrió el camino para la música americana que resultaba retro en comparación con la de sus contemporáneos. Su sonido de influencia Tex-Mex supuso una gran sensación y su reputación como banda de directo no dejó de crecer con cada concierto que daban. Lo suyo era todo un giro en las raíces del rock fuera de los estándares de los 80. Y aquello que tiende a quedar fuera de la historia a pesar de ser atemporal, no encaja fácilmente en ninguna narrativa oficial.
Cuando “The Many Moods Of Ben Vaughn” se publicó 1986, el Combo tenía literalmente el mundo a sus pies. Muchos de los éxitos que hoy le puedes escuchar a él (y su quinteto) ya se encontraban en este disco. Descatalogado desde hace mucho tiempo y con cierta demanda, esta fue la primera vez -aunque no la última- que la maquinaria perfectamente engrasada de Ben se escuchaba en un álbum.
‘I Dig Your Wig’, de inspiración Andy Shernoff, suena a The Cramps con un toque a lo Doug Sahm. El arma secreta aquí es el acordeón. Poco utilizado en el rock 'n roll y, a menudo, objeto de burlas, permite a estas canciones un escenario que su instrumentación convencional simplemente aplanaría. En la info de la carpeta se puede leer “Dedicated to the Geator”, un guiño al legendario DJ de Filadelfia que fue una inspiración decisiva para que Ben Vaughn desarrollara este sonido. Tan fresco ahora como resultaba en su momento.
¿Quizá eras demasiado joven cuando este disco se publicó por primera vez? ¿o puede que ya hayas desgastado 3 copias? Sea cual sea tu historia, este disco es de los que te va a lograr animar en estos tiempos tan convulsos. No lo lamentes (como Brenda Lee).
Los motores de Ben Vaughn y los suyos ya se están preparando para su próxima aparición en el Surforama 2022 de Valencia, así como algunos conciertos más por la península a finales de mayo/comienzos de junio. Seguro que será un buen momento para que muchos se lancen en los brazos de este estupendo álbum.

Martin Rev y su cuarto album siguió el album de Why be blue de Suicide de 1992. Editado por el sello Roir, dieciseis canciones con esquejes de melodías en lugar de estructuras definidas, donde se aprecia el poderío de R&b destilado a través de un teclado y con el mismo tono sentimental o poético que las grabaciones de Jonathan Richman o Chet Baker . Un retrato nostálgico de NYcon energía romática sobre, por y para la metrópolis.

El segundo álbum de la banda de Kim y Kelley Deal la aupó a convertirse en uno de los grandes nombres del rock alternativo de los noventa gracias a un puñado de grandes canciones.

El quinto álbum en solitario de Martin Rev fue creado en la cúspide del milenio. Música furiosa y eléctrica, condensado en los recuerdos del doo wop que oía en el transistor en su infancia. Cerca de Panasonic , concretamente de Mika, la edición original se llevó a cabo en el sello finés Puu, con trazas de música contemporánea y de electrónica de pista con loops rítmicos y la voz de Rev en modo salvaje e hipnótico.

El líder de The Gun Club, Jeffrey Lee Pierce, grabó en 1992 este su último disco en solitario, junto a Cypress Grove y Willie Love. En esta ocasión Jeffrey Lee Pierce decidió volver al sonido original y de raíces del Blues del Delta del Mississippi. Finalmente reeditado en vinilo, Bang! Records presenta este disco en versión extendida con todas las grabaciones incluyendo siete canciones que no se habían editado anteriormente en vinilo. Esta edición está presentada en edición de lujo de carpeta doble abierta con 2 Lps y fotografías inéditas, así como textos por parte de Cypress Grove y Willie Love hablando acerca de la grabación así como sus aventuras junto al difunto Jeffrey Lee Pierce. Editado por Bang! Records bajo licencia de Creeping Ritual Productions.

Martin REV, mitad del seminal duo Suicide editó en solitario este disco en 1985 ( New Rose ). SU proceso de creación entre la minimal forma del lenguaje y la electrónica dio como resultado una forma de entender la música que heredaron Air, Daft Punk o Aphex Twin. Clouds fue compuesto del 81 al 84 y tuvo lugar en las horas muertas de estudio que se iban acumulando. Visiones e ideas que evocan la solemnidad de la música religiosa en un tono meditativo. Un lugar mágico en algún lugar de su viaje personal.

Alternative Rock & Post-Hardcore desde Alicante.

La unión de la desunión, el orden entre el universo progresivo, la fábula de reinar en un laberinto prodigioso. Un millón de ocurrencias para volver a disfrutar de unos músicos, únicos en su especie; “Cró!. El nuevo “Buah! Vuelve a imperar en ese motor gravitacional que es su compleja temática, llevándonos por desarrollos prósperos, llenos de multitud de giros de guion, bajo el uniformado contorno al cosmos que proyecta en esta nueva aventura del combo de 4 piezas. Otra nueva alucinación que abre sus ojos ante un tiempo comedido, sin largos pasajes, pero compactado desde una fórmula maestra para que en tiempos de duración estándar, brille su mejor rúbrica sonora.
Todo esto con ese elenco de detalles e innumerables elementos que rondan un sinfín de instrumentos protagonistas. Con la mezcla y máster final de Pablo Iglesias en Radar Estudios de su Vigo natal, y la cubierta exterior obra de Joseba Muruzábal sumado al diseño de Monte Piñeiro, abrimos las puertas de este nuevo encuentro con Cró! cargado de una experimentación hacía el surrealista firmamento psicodélico progresivo de los gallegos. Dignos de mención desde este planeta turbulento, lleno de alteraciones y desvaríos mentales, pero también ponderado de ideas vanguardistas que llenan aún más la eterna innovación en cada propuesta que les lleva a una nueva parada en su discografía esencial.
Diversidad de cambios de tiempo, en una unión cósmica de técnica y destreza para el abarque expansivo de un álbum como “Buah!” Sus muchas disparidades nos pueden llevar a sus lugares tan recónditos como el jazz o los tramos más frenéticos de la psicodelia. Una banda no exenta de sorpresas, exploradora de sus muchas ideas, y nuevamente llevándolos al límite de sus posibilidades en este nuevo encuentro aferrado a una nueva síntesis acorde a sus más estrictos principios musicales.

(La Habitación 235)

Moura conjugan el folklore tradicional de su tierra [...] con la psicodelia y el rock progresivo obteniendo como resultado unas composiciones mágicas y ensoñadoras [...] No se pueden comparar a nada ni a nadie, su personalidad es única, los gallegos son agua, tierra, fuego y aire hechos canción. Música orgánica y libre que ofrece en este segundo disco un mundo nuevo más que visitar, un universo de sensaciones en el que quedar atrapado para toda la eternidad.

(Ruta 66 Magazine)

La familia de Cuneo crece, se llena de ambición y en la otra mano se agarra al experimentalismo para unir de todas las piezas en su nuevo “Celestines”, un disco que reúne hasta 7 componentes repartidos en otros proyectos como Habitar La Mar, The Wax, Delobos, Virgen, Zombies & Diamonds, Galgo o Turbian.
El paso es firme, notable y sobre todo abierto a la evolución y la búsqueda de nuevos territorios para la banda. Observando el bagaje de sus músicos y la reputación que les precede, el simple hecho de verlos unidos en un mismo proyecto, ya es toda una atracción que rápidamente se balancea en nuestras emociones, asaltando rápidamente nuestra alma, nuestro corazón y la conexión con las imaginaciones de nuestro cerebro cuando pasan los minutos y estamos absortos en un disco para la memoria de este 2022 como es “Celestines”.
Su debut homónimo estableció unas direcciones en la banda, a veces por los derroteros más vertiginosos del post hardcore, pero siempre con esa conexión atmosférica derivada en el post rock. Este último atributo aquí se agranda mucho más que su hermano y se presenta como un disco mucho más experimental, pero sobre todo cautivador en los momentos de intensidad melodiosa. Hay un contexto claramente alternativo en el mismo, rezuma esa sensación de mediados de los 90 que respaldan lo que hoy en día se conocen como grandes clásicos del género, y en este caso, Cuneo nos da ese baño de nostalgia para caer rendidos a su magia.
La evolución de los músicos lleva una mecánica constante, tanto es así que las partes con el progresivo tampoco se dejan de lado y las colaboraciones, más allá de las 7 cabezas pensantes que conforman los esquemas de “Celestines”, también llegan desde otros proyectos como Violencia Lírica o Los Manises. El ver crecer en números un proyecto como Cuneo, es de entender que las ramificaciones sonoras se multipliquen y en esto es exactamente lo que radica en la naturaleza de “Celestines”.
Un disco abierto a la inmensidad y la capacidad creadora de todos sus componentes, para ensalzar la rúbrica de esta heroica que es “Celestines”. Un disparador de estímulos en toda regla para una vuelta triunfal de esta banda que reparte músicos por toda la geografía española, y a su vez nos da una clase maestra de hasta dónde puede llegar la imaginación de un artista desde una perspectiva que derrocha magnetismo por los cuatro costados.

(La Habitación 235)

ARTISTA: JIM JONES AND THE RIGHTEOUS MIND
TITULO: COLLEÇTIV
FORMATO: LP (gatefold)
SELLO: MASONIC RECORDS
REFERENCIA: JJRM002

Renaciendo de las cenizas de The Jim Jones Revue, el gran Jim Jones nos presenta su nuevo proyecto, bañado en Soul mutante, Gospel, Psicodelia y Rock&Roll en su forma más primitiva!

Reedición en vinilo del repertorio de Ultrasónicas, banda emblemática de la escena underground de México de finales de los 90.
Su sonido se basa en el rock and roll, el garage, el surf y el punk, junto a la influencia del movimiento riot grrrl, convirtiéndose en todo un referente tanto del rock underground como de los proyectos musicales formados por mujeres, animando a muchas otras en México a seguir su ejemplo.
Este disco presenta en vinilo por primera vez una selección de sus grabaciones editadas anteriormente solo en CD junto a prácticamente la totalidad de las aparecidas en el disco de 10”, formando una completa representación del repertorio de Ultrasónicas.

Jenny Bombo junto con Tere Farfissa forman en 1996 esta banda de Ciudad de México por la cual pasaron varios cantantes, guitarristas y bajistas hasta que llegaron Suzy Vox, Jessy Bulbo (bajo y voz) y Ali Gua Gua (guitarra). Empiezan a tocar como quinteto en conciertos memorables dentro del circuito subterráneo de México hasta que sale Tere en 1997 y se quedan como cuarteto. Su sonido se basa en el rock and roll, el garage, el surf y el punk, junto a la influencia del movimiento riot grrrl.
En 1998, con esa alineación, graban una demo en el local de ensayo con 2 micrófonos. Esto se convierte en el vinilo de 10” "Yo fui una adolescente terrosatanica (Las versiones demo)" (1999), una edición limitada de 500 copias poseedora de sonido cavernícola y mucho sentido del humor. También habían grabado otros temas en un estudio casero que se editaron exclusivamente en CD en Munster Records en 2001 (las “versiones definitivas”).
Este disco presenta en vinilo por primera vez una selección de aquellas grabaciones editadas solo en CD junto a prácticamente la totalidad de las aparecidas en el disco de 10”, formando una completa representación del repertorio de Ultrasónicas. La banda se ha convertido en todo un referente tanto del rock underground de los 90 como de los proyectos musicales formados por mujeres, animando a muchas otras en México a seguir su ejemplo.
Les damos la bienvenida a la maravillosa desfachatez y el sonido rock de las Ultras.

Ebbot Lundberg (líder de las legendarias bandas suecas The Soundtrack Of Our Lives y Union Carbide Productions) edita este alucinante doble Lp que incluye sus facetas eléctrica y acústica. Una amalgama de sonidos donde la música psicodélica expone melodías que parecen prestadas del "Sargent Pepper's" de The Beatles o del "Pet Sounds" de The Beach Boys, todas ellas pasadas por el filtro y visión personal y única de su firma que nos lleva a los momentos más álgidos de TSOOL. El primer Lp es eléctrico y el segundo acústico, y se trata sin duda de una edición obligada para los amantes de la música. Presentado en edición de lujo con carpeta abierta, fotos inéditas, y fundas interiores con todo lujo de detalle.

Edición limitada de 250 copias en vinilo transparente.

‘SANGRE DE OTROS MUNDOS’ supone el fin de cinco largos años de espera desde que la banda asturiana publicó su anterior álbum ‘II’ en 2.015. Ahora, bajo los auspicios del sello gaditano Spinda Records, ve la luz el trabajo más experimental, variado, y colorista de ACID MESS. Con la incorporación a los teclados de Juan Villamil de manera permanente a la banda, ACID MESS ha ganado en texturas y en espacio sonoro. Con éste nuevo álbum amplían el horizonte de público al que puede llegar una banda que hasta ahora nos había ofrecido grandes momentos psicodélicos. Pero aquí, sin renunciar a la psicodelia, las atmósferas progresivas herederas del rock español de los 70’s, cobran una nueva dimensión. No en vano las referencias a bandas como Triana están presentes, enriquecidas con las colaboraciones de Sergio Pevida (percusiones y palmas), así como Aurora Salazar y Débora Hernández a las voces y ‘quejios’, lo que le da un aire más flamenco al sonido de alguna de las canciones. También encontramos coqueteos con los ritmos latinos, así como incursiones ea los sonidos del Mediterráneo oriental que aportan un atractivo toque exótico. Pudiera parecer que la banda suaviza su sonido, pero sin duda, vemos aflorar de las profundidades de alguna sucia alcantarilla ese espíritu juvenil y alternativo del rock más underground de los 90’s. Todo un cóctel de sonidos en un álbum que nunca nos señala el camino y que nos sorprende con giros inesperados en cada uno de sus cortes. Temas oscuros que contrastan con otros llenos de color y ritmo que nos aportan fragancias seductoras así como olores agresivos a través de la rabia contenida que muestran algunos de sus temas. Nada parece dejado a la improvisación, pero por el contrario, la banda no pierde un ápice de frescura. Sus elaborados y precisos arreglos hacen que cada tema fluya libremente, sin ataduras ni prejuicios, algo que sin duda merece todos los halagos y reconocimiento por parte de un servidor. Sin renunciar los temas heavy-psych tan habituales a lo largo de su trayectoria como banda, el ahora cuarteto, explora vibraciones de distinta procedencia para ofrecer un trabajo brillante, elegante y lleno de una rabia seductora.  Psicodelia, jazz, rock andaluz, ritmos latinos, aromas de oriente, riffs alternativos más propios de los 90’s, y sobre todo una vocación progresiva, hacen de ‘SANGRE DE OTROS MUNDOS’ un álbum sobresaliente que a buen seguro marcará un antes y un después en la vida de la banda. Sus delicadas melodías se cuidan en cada uno de los detalles en busca de un equilibrio entre lo pesado y lo liviano, algo que consiguen con gran maestría. Desde las texturas más sedosas hasta las telas más rugosas, entrelazan con acierto un cuadro multicolor digno de la mejor pinacoteca. Por muchos cruces de caminos que tengan su ruta, nunca pierden la brújula para llegar al punto exacto que quieren llegar. A pesar de los múltiples y variados senderos que toman, el fin del camino de cada canción lo tienen claro, por lo que el viaje resulta de lo más atractivo y sugerente. Las palabras en esta ocasión sobran, lo verdaderamente importante está en los surcos de ‘SANGRE DE OTROS MUNDOS‘.

(denpafuzz.com)

Después de la desaparición de Teenage Jesus and the Jerks, Lydia Lunch lanzó su carrera en solitario con Queen Of Siam, posiblemente su mejor LP. Al más puro estilo No Wave, el álbum es una mezcolanza de temas irritantes, pero su paleta es mucho más amplia aquí, oscilando entre lentos cantos fúnebres, excesivas exhortaciones feministas y estridentes purgas personales hasta un toque de exotismo de la música disco y lounge, como lo evoca el guitarrista de Voidoids/ Lou Reed, Robert Quine, el bajista de Contortions, Jack Ruby, y el baterista de John Cale, Douglas Browne. Enérgicas, sorprendentemente amplias y desafiantemente disonantes, las densas capas de Queen Of Siam fueron diseñadas para provocar e inflamar. Escuche atentamente para decodificar por completo.

Sexto álbum de The Legendary Tigerman (Paulo Furtado), su primera grabación en formato trío con Paulo Segadães (batería) y João Cabrita (saxo barítono). Grabado en Rancho de La Luna, situado en el parque de Joshua Tree, y producido por Johnny Style (The Savages, John & Jehn) y Paulo Furtado.
Para Tigerman lo importante son las raíces, la esencia de las cosas, la autenticidad, cruda y honesta. De 2001 a 2006 grabó tres discos que lo convirtieron en uno de los secretos más preciados de Europa, actuando en festivales desde Japón a Brasil. En 2009 publicó Femina, un disco dedicado a las mujeres con invitadas especiales como Asia Argento, Peaches, Lisa Kekaula, Becky Lee, Phoebe Killdeer, Cibelle, Maria de Medeiros… Poco después el álbum se convertía en platino en Portugal y era elegido como uno de los discos del año en publicaciones como Les Inrockuptibles, Rock & Folk, Telerama y El País, entre otras. Conciertos con las entradas agotadas, festivales, alabanzas de la crítica… El secreto estaba desvelado. En 2014 ve la luz True, aunque es una luz más oscura, más compleja. Es rock & roll pero con orquestas, vientos y batería, con honestidad brotando de cada esquina y sonido de este espectacular disco. Como dijo Lindsay Hutton, contiene el tipo de música que puede llegar a salvar almas. Amplias giras llevaron el potente directo de The Legendary Tigerman por Europa, Brasil, México o China pero no ya como un one-man-band sino tocando en formato trío con batería y saxo barítono. La historia del esperado sexto disco de The Legendary Tigerman, Misfit, empieza con una road movie, How To Become Nothing, un proyecto a tres bandas de Paulo Furtado, Rita Lino y Pedro Maia. En mayo de 2016 el trío aterrizó en Los Ángeles para grabar una aventura psicodélica con forma de road movie entre Los Ángeles y Death Valley, sobre el viaje filosóficamente perturbado de un hombre intentando convertirse en nada. Durante dos semanas de viaje, Paulo Tigerman Furtado pasó los días escribiendo los diarios de este hombre imaginario, actuando, mientras que por las noches, en habitaciones de moteles del desierto californiano y provisto de una Gibson SG, empezó a componer las canciones de Misfit. El álbum se grabó en Rancho de La Luna, el mítico estudio de Dave Catching en Joshua Tree, en pleno desierto del Mojave, y Johnny Style (The Savages, John & Jehn) lo mezcló y coprodujo en París en los estudios Pop Noire.
En el siglo XXI Paulo Furtado se convirtió en The Legendary Tigerman. Siguiendo la tradición de los viejos artistas del blues, este "hombre orquesta" se lanzó desde Coimbra, Portugal al mundo. Tigerman tiene raíces profundas que al mismo tiempo combina con nueva tecnología (samples, beats, loops), dotando a su música de un carácter único y tocando él mismo todos los instrumentos en directo.

Un disco conceptual que se presenta como un monográfico sobre el ego tanto en sus manifestaciones personales como sociales. Algo menos de dos años de vida y con algún cambio en la formación, la  banda se adentra en el mestizaje de distintas vibraciones alternativas como el post-hardcore, el noise o el math-rock, así como una evidente vocación punk. Crudos y descarnados sus sonidos metálicos tratan de crear la atmósfera propicia en cada uno de los temas llenos de rabia que contiene su interior. Filosofía y ruido, mucho ruido,  que les sitúa en el espacio mas mugriento y oscuro dentro de la escena alternativa nacional. Un caos controlado, o no, pero ciertamente un caos en el que se desenvuelven como peces en el agua y se muestran incluso más experimentales que en su anterior trabajo «REALISMO HISTÉRICO».

Reedición de esta colaboración de 1999 entre Etant Donnés (Eric & Marc Hurtado) y Michael Gira (Swans), con la participación de Mark Cunningham (Mars) and Saba Komossa (Delkom). El album se basa en el texto «Offenbarung und Untergang» («Revelación y caída»), escrito por el poeta expresionista austriaco Georg Trakl en 1914. Los hermanos Hurtado crean un fondo sonoro inquietante, sombrío y desolado para que Gira interprete en alemán el texto de Trakl, igualmente sombrío.
Reedición de esta colaboración de 1999 entre Etant Donnés (Eric & Marc Hurtado) y Michael Gira (Swans), con la participación de Mark Cunningham (Mars) and Saba Komossa (Delkom). El album se basa en el texto «Offenbarung und Untergang» («Revelación y caída»), escrito por el poeta expresionista austriaco Georg Trakl en 1914. Trakl sirvió como farmacéutico durante la I Guerra Mundial y se convirtió en un adicto a las drogas debido al enorme sufrimiento que tuvo que presenciar. A principios de noviembre de 1914, con 27 años, se quitó la vida con una sobredosis de cocaína en el hospital militar de Cracovia. Los hermanos Hurtado crean un fondo sonoro inquietante, sombrío y desolado para que Gira interprete en alemán el texto de Trakl, igualmente sombrío. La música se llena de drones, ruidos, retazos de percusión, la fascinante y profunda voz de Gira, las sensuales intervenciones de Komossa y la trompeta marcial de Cunningham. Desde el primer momento el oyente se encuentra con texturas musicales misteriosas y amenazantes y la voz de Michael Gira, lenta, extraña, indiferente, como bajo la influencia de potentes narcóticos. «Offenbarung und Untergang» es uno de esos singulares discos que hace que uno no se sienta exactamente igual tras escucharlo. La atmósfera musical y el poder hipnótico de las voces convierten a este álbum en una intensa y profunda experiencia, tan extraña como irreal.

De la unión de Txetxu Brainloster, conocido por haber sido guitarrista y cantante de Mermaid o Green Manalishi, y Biscuit, uno de los mejores y más respetados grupos de R&R del país surge esta gran colección de canciones en castellano.
Brainloster se puede considerar como un viaje por el dial que discurre desde el sonido de raíces americano hasta el power pop setentero que fijaron Big Star. El grupo dispara en múltiples direcciones y logra impactantes dianas en forma de ritmos trotones, efluvios country y riffs afilados.

Reedición que incluye insert con las letras, créditos y fotos.

"Hung Far Low" es el quinto y último álbum de estudio de la banda de noise rock neoyorquino The Honeymoon Killers, lanzado originalmente en 1991 y ahora remasterizado para lograr el sonido extremo deseado por esta banda. The Honeymoon Killers grabaron este álbum recogiendo 2/3 de la incipiente Jon Spencer Blues Explosion y significó una evolución del sonido para la banda en la forma de conseguir el sonido original de Honeymoon Killers añadiendo toques de Pussy Galore y The Blues Explosion. La banda: Jerry Teel: guitarra, armónica, voz (The Chrome Cranks, Knoxville Girls, Big City Stompers, etc.). Jon Spencer - guitarra y voz (Blues Explosion, Pussy Galore, Five Dollar Priest, etc.). Russell Simins - batería (Blues Explosion, etc.). Lisa Wells - bajo.

VILLAGES ha logrado una hazaña poco común. El segundo LP del trío indie/postpunk "Excessive Demand" consigue crear un sonido absolutamente pegadizo y cautivador a partir de componentes complejos.

Por fin! Los primeros cuatro EPs de THE TELESCOPES son recopilados a fin de reeditar sus grabaciones de estudio del periodo 1989-90. No sólo eso, sino que además han sido remasterizados a fin de alcanzar el merecido sonido de esta legendaria banda inglesa que lideró el sonido "shoegaze" a finales de los 80s y primeros 90s junto con The Jesus and Mary Chain, entre otros. The Telescopes, con su líder Stephen Lawrie, grabaron estos EPs en el mismo periodo que su primer y legendairo album "Taste". Y eso mismo es lo que hay, toneladas de guitarras ruidosas y distorsión cubriendo preciosas melodías pop. Un disco imprescindible para entender todo el sonido indie que vino después desde Inglaterra y el resto del mundo.

Por primera vez en LP de vinilo aquí está esta rareza maravillosa de Hugo Race grabada en 1994. Se trata de Hugo Race solo en el estudio de grabación llevando a cabo las grabaciones más crudas, oscuras y pantanosas de su carrera. Este disco fue editado únicamente en CD en su día y en edición limitada. Así que por fin está disponible para todos los fans de este músico de culto. Así mismo es una referencia mandatoria para todos los fans de The Beasts of Bourbon, Nick Cave and the Bad Seeds, The Drones, The Chrome Cranks, The Gun Club, The Kill Devil Hills.

Atom Rhumba vuelven del pantano tras 7 años de silencio. Los bilbaínos se incorporan a El Segell del Primavera con un nuevo disco, Cosmic Lexicon, que supone el retorno de una de las bandas más míticas del rock de este país. Cosmic Lexicon, el séptimo disco de Atom Rhumba, lleva peligro. En su sonido hay amenazas en las sombras y tentaciones de las que desaconsejarían 9 de cada 10 madres. ¿No era esa la idea inicial del rock’n’roll? Ponerle banda sonora al placer de vivir con riesgo. Aunque esa idea, como demuestran los bilbaínos, tampoco es un coto privado del rock. Este disco de regreso tras siete años de silencio podría ser un tesoro oculto del pop sixties (Pompas de sangre y miel), del post-punk (Tumba gris), la canción de autor tormentosa (Tejedor de misterios, con letra de Nacho Vegas) y hasta del surf retorcido (Voy cableado). ¿Oculto? ¿Oculto por qué? Porque a la gente de orden nunca le interesaría que viera la luz un disco así. Invita demasiado a sentir la atracción de lo prohibido. Invita a descargar adrenalina. Invita al peligro.

Grabado en Seattle en 1999, se reedita ahora este fantástico disco remasterizado por Jack Endino. Toma nota de los componentes de la banda: Mark Arm (Mudhoney, Bloodloss), Steve Turner (Mudhoney), Tim Kerr (Big Boys), Tom Price (Gas Huffer, U-Men) y Martin Bland (Bloodloss, Lubricated Goat). El resultado es un álbum mucho más eléctrico y duro que su debut.

Drone procedente de algún lugar entre Seattle (USA) y Sevilla. Edición limitada en vionilo de color.

Recopilación de bandas de este sello francés: Magnetix, Bikini Gorge, Charm Bag, King Automatic, Ben Vaughn...

El quinto larga duración del cuarteto de Chemnitz/Alemania se basa inicialmente en el sonido de sus predecesores: una red finamente tejida de diversas influencias indie y post-lo que sea, que, a pesar de toda su complejidad, parece bastante simple y orgánica. La "reducción a lo esencial", como dice el bajista Matthias, esta vez ha sido aún más consistente. Grabado en vivo en estudio y sin sobregrabaciones instrumentales ni efectos adicionales en la mezcla. "Es el sonido puro de los instrumentos, nuestros pedales y la sala de grabación".

¡Al final! Editado originalmente sólo en CD en 1993, aquí se presenta esta obra maestra de los artistas de culto australianos Louis Tillett y Charlie Owen (de The Beasts of Bourbon). Se trata de un disco acústico basado en piano y guitarra donde Louis Tillett imprime su faceta más íntima, oscura y emocional, en la forma de preciosas melodías apoyadas por Charlie Owen. Es un disco absolutamente obligado para todos los fans de Louis Tillett y de The Beasts of Bourbon. Estate alerta porque se trata de una edición super limitada de 300 copias únicamente! Indudablemente era necesario editarlo en vinilo.

Álbum de debut de The Japanese Girl, un disco hipnótico que sitúa a este grupo de Oporto a la cabeza de la escena psych-rock europea.
The Japanese Girl es una banda portuguesa creada a finales de 2013 por Bruno Sousa, Corinna Sousa y Emanuel Cunha. Con una formación inicial compuesta por dos guitarras, órgano y viejas cajas de ritmo, muy pronto forjaron un sonido potente y crudo entre el garage y la psicodelia lo-fi. Recientemente también han contado con la presencia del batería Carlos Nemeth aporreando a través de las capas opiáceas de reverb. En sus intensos y ruidosos conciertos se acompañan de elementos visuales, y además de sus propios directos el grupo también ha tocado con Jacco Gardner, The Wand, Girls Names y como parte del Reverence Festival Party. A principios de 2015 grabaron en cinta analógica Sonic-Shaped Life, su álbum de debut, con Cláudio Tavares y João Brandão en los estudios Sá da Bandeira de Oporto. Miguel Pinheiro Marques de SDB Mastering llevó a cabo la masterización. El primer single, ?You Should Have Switches’, publicado en septiembre, dio las primeras pistas sobre el rock hipnótico que practica el grupo, donde una pulsante psicodelia, garage con querencia por los drones y pop tripioso proporcionan el ambiente para canciones inquietantes pero pegadizas y melodías que cautivan. A lo largo de diez temas, The Japanese Girl suenan imponentes en los pasajes más oscuros o arrebatos más desbocados y brillan en los momentos más luminosos y coloridos, mientras la cuidada progresión del álbum produce un disco totalmente deslumbrante.
The Japanese Girl es una banda portuguesa creada a finales de 2013 por Bruno Sousa, Corinna Sousa y Emanuel Cunha. Con una formación inicial compuesta por dos guitarras, órgano y viejas cajas de ritmo, muy pronto forjaron un sonido potente y crudo entre el garage y la psicodelia lo-fi, y recientemente han contado con la presencia del batería Carlos Nemeth aporreando a través de las capas opiáceas de reverb. En sus intensos y ruidosos conciertos se acompañan de elementos visuales, y además de sus propios directos el grupo también ha tocado con Jacco Gardner, The Wand, Girls Names y como parte del Reverence Festival Party

¡¡¡Existe!!!! "The Loved, The Lost & The Last" es el sexto y último álbum de estudio inédito hasta ahora de la banda neoyorquina de noise rock The Honeymoon Killers, grabado originalmente en 1991. Aquí The Honeymoon Killers grabaron este álbum recogiendo a los 3 miembros del naciente Jon Spencer Blues Explosion y significó una evolución sonora para la banda en el camino para obtener el sonido original de Honeymoon Killers agregando slicks de Pussy Galore y The Blues Explosion, e incluye versiones de Ramones y The Scientists. Obra de Pauline Teel (Big City Stompers).

Resulta una sensación agridulce... Por un lado estamos felices y orgullosos de editar este disco. Y por otro lado nos llena de tristeza que este sea el disco póstumo de nuestro querido amigo y admirado artista Brian Hooper. Entrando en materia, ¿puedes imaginar cómo sonaría un nuevo álbum de Brian Henry Hooper (The Beasts of Bourbon, Kim Salmon and the Surrealists, Rowland S. Howard) con Gareth Liddiard de The Drones? Visualiza a Syd Barrett perdido en Australia y ahí lo tienes. Es un disco absolutamente personal y lleno de magia, desbordante de identidad y que expone abiertamente la genialidad de Brian Hooper (D.E.P.) Nota: Incluye texto interior de Kim Salmon.

Lo que aquí nos encontramos es una nueva visita a ese último trabajo con rostros conocidos haciendo sus propias versiones, remezclas, adaptaciones, duetos o freestyles. Cada uno es de su padre y de su madre y las nuevas versiones de las canciones de «Triángulo» que conocimos el año pasado ahora aparecen con disfraces tan dispares como el rap, el kraut, el ambient, el synth-pop o el pop de cámara. No hay más nexo común entre todo esto que la canción de partida.

(Janesaispop.com)

Editado originalmente en 1985, por fin este disco se reedita, remasterizado, con fotografía añadida, letras y 2 temas extras no incluidos en la edición original.Obra máxima de su trayectoria en solitario, Jeffrey Lee Pierce, el líder de THE GUN CLUB grabó esta maravilla a mediados de los 80s y siginifcó el hiato en media de la carrera de la mítica banda. Y en realidad suena totalmente a THE GUN CLUB!. Composiciones complejas interpretadas con maestría que, una vez más, colocan a Jeffrey Lee Pierce como uno de los artistas más importantes e influyentes de los 80s y 90s.

The Stars Are Ours es el álbum de debut de Voolva, la primera ópera rock en el espacio exterior. Narra las aventuras de una bella y alocada pareja durante su imprevista misión para salvar el mundo sin querer. Los variados estilos tejen una tela de retazos que desafía cualquier categorización, donde se pueden escuchar ecos de pop, rock, punk, reggae, funk, electrónica entre influencias dispares como Frank Zappa o los Kinks y guiños a Hiroshi Sato, Jean-Jacques Perrey, King Crimson y Oskar Sala. La tarjeta de descarga incluye un guion de más de 100 páginas.

The Stars Are Ours es la primera ópera rock en el espacio exterior, grabada en sonido estereofónico retro. Compuesto como si fuera un musical, el álbum narra el (moderadamente) épico viaje de Linda y Toto, una joven y bella pareja que tras una desafortunada (aunque predecible) situación en un casino son secuestrados por una nave espacial extraterrestre. Con los niveles hormonales disparados según cualquier estándar galáctico, los dos humanos se verán sometidos a cirugía en gravedad cero, visitarán garitos alienígenas de mala reputación, lucharán contra amenazadores pero elegantes robots y disfrutarán de asientos VIP en la nave-planeta Absurdia. Ayudados por una cohorte de compinches extraterrestres bailarines y cantarines, nuestros confundidos héroes salvarán, sin darse cuenta, al cosmos de un malvado gobernante supremo al que le falta poco para acariciar gatos de Angora. Musicalmente, los variados estilos tejen una tela de retazos que desafía cualquier categorización, donde se pueden escuchar ecos de pop, rock, punk, reggae, funk, electrónica entre influencias dispares como Frank Zappa o los Kinks y guiños a Hiroshi Sato, Jean-Jacques Perrey, King Crimson y Oskar Sala. ————– Rafael Merino es un músico español que reside en París en la actualidad. También ha vivido en Nueva York, Boston y Londres, lugares en los que sus abogados declaran con rotundidad que no tiene ninguna causa judicial pendiente. Tras su paso por bandas como Orgasmical, Motherglue o Payola Victims, es una figura conocida dentro de la escena underground madrileña de los últimos 20 años. VOOLVA cuenta con la presencia de magníficos músicos españoles y la participación de célebres estrellas invitadas internacionales como el maestro del Theremin Dorit Chrysler o Thomas Suire (del combo francés Infecticide). Este inusual proyecto también ha despertado el interés de otros conocidos artistas como Tim Blake (Gong, Crystal Machine), quien contribuyó con diversos consejos, y Chris Moore, famoso ilustrador de ciencia ficción, que ha aportado el espléndido arte que ilustra el disco. El álbum ha recibido el primer premio del Festival des Idées de la Universidad de la Sorbona de París.

El sonido de Motoharu Okamura está dominado por las guitarras, obviamente, pero cubre un espectro más amplio que Automatics. En su debut recorren la psicodelia ruidista desde Loop a Black Rebel Motorcycle. Incluso miran atrás (la pegadiza “Ya somos tres” comparte ecos del post-punk más oscuro y encanto pop con los primeros The Cure) y se zambullen en el shoegazer más contundente con preciosas melodías y voces susurradas. La segunda parte del álbum, tras el interludio instrumental de “Arena”, brilla alternando hits adherentes que arrollan (las contagiosas “Kaku” y “Sangre en su fiesta”) y arrullan (los ensoñadores estribillos de “No vuelvas a creer” y “Calígula”), dejando abundantes regalos a fans de la electricidad volcánica de Swervedriver o Ride y las nebulosas incandescentes de Curve o Cranes.
Presiden el disco las melodías (siempre esa habilidad pop), pero lo domina una lluvia de riffs pegadizos y abrumadoras guitarras que suponen el cénit creativo de Manuel y Poncho. Su combinación es siempre espectacular, desde lo dinámico (“Metal Baby” y “Piel y hueso” son hits de alto voltaje) a lo atmosférico (“Lluvia de ángeles” planea autopistas espaciales, “Imposible aquí” envuelve con armónicas narcóticas y un banjo lisérgico y “Filofofia” cierra el disco con las caricias del dream-pop).
Además del fantástico sonido de guitarras y la solidez compositiva, en los arreglos también brillan como nunca, dando siempre un barniz cool que más que de Automatics viene de Husband (el reivindicable proyecto posterior de Aranzana). En definitiva, se trata de una cima tras más de treinta años grabando discos. GUILLERMO Z DEL ÁGUILA

Quién haya seguido de cerca las carreras de Kantz y Raúl Fernández sabe que son dos tipos que detestan el inmovilismo. Repetir esquemas nunca ha entrado en sus planes. No era así en una banda acostumbrada a mudar continuamente de piel como Tenpel y desde luego tampoco lo es en Delobos, la banda que comparten junto a la base rítmica que forman Luis Fuentes y Nacho Romero.Lo que en un primer momento surgió de manera improvisada durante los tiempos muertos en los ensayos de Tenpel, se ha ido convirtiendo en un proyecto capaz de moldear a su antojo las bases de la música de raíces americanas. Pero tras dos discos como su debut Moon Moan y el formado por el tridente de EPs conceptuales Salt, Flesh, Smoke & The Last Mystical Beings, la formación madrileña sentía que necesitaba deshacerse de ciertos corsés autoimpuestos para seguir avanzando.
Para empezar, Raúl decidió aparcar la idea de jugar con un sonido semi-acústico para abrazar de lleno la electricidad de su guitarra. Por su parte, Kantz declinó el inglés para expresarse con mayor soltura en su lengua materna. Pueden parecer pequeñas modificaciones en su configuración, pero con ellas han conseguido plasmar en Prender su mejor álbum hasta la fecha.
Acudiendo a los Westline de Juan Blas (uno de los estudios más solicitados de la piel de toro), han desarrollado todo su potencial en una serie de canciones realmente inspiradas. ‘Maravilla De San Juan’ cumple su rol introductorio haciéndoles aún reconocibles pese a la transición en el idioma. Pero en ‘Consejo De Cuervos’ empezamos a apreciar que estos nuevos Delobos se muestran más certeros a la hora de dar con temas redondos.
Casi enlazado aparece ‘El Descenso’, un corte progresivo en el que Raúl actúa con total libertad de movimientos gracias al respaldo que le conceden Luis y Nacho al bajo y la batería respectivamente. Si a eso le sumamos un Kantz enorme a las voces como es habitual en él y una sección de vientos aportando una mayor intensidad, nos encontramos ante un temazo mayúsculo.
El asunto no decae en ‘El Rito Del Grito’ con unas dinámicas elegantes a la par que vacilonas que la convierten en otra de las favoritas. Por su parte, las percusiones de ‘Selva’ y la experimental ‘Leviatán’ sirven de lienzo para plasmar paisajes tan sugerentes como ese escalofriante relato lovecraftiano que se marca Kantz en esta ésta última.
Aunque si tuviera que quedarme tan solo con una, esa sería ‘Caídos Del Cielo’, donde además de funcionar a pleno rendimiento, cuentan con la participación de Rubén Martínez (Viven, Ànteros) y el propio Juan Blas (Caboverde, Minor Empires) para dar con otra canción perfecta antes de que la desgarradora ‘Esta Habitación’ y ‘Sacra’ echen el cierre de forma apabullante.
Con Prender Delobos deberían empezar a ser tenidos en cuenta de una vez por méritos propios y no por ser el “el-otro-grupo-de-los-ex-componentes-de”. Si eres fan de De La Cuna A La Tumba o Habitar La Mar y aún no les has prestado atención, te diría que en ellos no encontrarás otra banda de coordenadas similares, pero sí una al menos igual de buena.

GONZALO PUEBLA

Durante el verano de 2021, SÖLAR han experimentado cambios muy drásticos en su formación con la incorporación de Darío Peña a la voz y Jonny Brooks como segundo guitarra. Para dar continuidad al álbum Rompiendo esquemas, deciden meterse en agosto en el estudio de grabación con Carlos Hernández Nombela (El castillo alemán – Madrid) para dar un nuevo giro y sonido a algunos de los temas de su recientemente editado LP.
“Rompiendo Esquemas 2.0” simboliza muchas cosas, con una letra casi premonitoria, la banda, que se ha visto abocada a realizar cambios internos, se ha rehecho con la contundencia y la calidad que les caracterizan.
El tema elegido tenía que ser éste, por los cambios sustanciales que aporta y por el concepto de ruptura. Porque, todo lo que se rompe, es susceptible de ser reparado y vuelto a poner en marcha. SÖLAR también. Sólo había que creer en esta nueva era, una puesta de sol que trae consigo otro amanecer solar que sigue con energía en una escena que nunca ha abandonado.

Formidable debut en solitario del músico británico establecido en Granada, Darren Joseph Anderson (ex Sunset Riders). ‘Songs For Mystic Lovers’ (Lucinda Records, 2022) es un viaje lisérgico cargado de misticismo a través del 60’s Pop y la Psicodelia con el magnetismo vocal de Syd Barret, Ray Davies y Iggy Pop. Junto a Darren (voz y guitarras) participan en la grabación Javier Cantudo (batería), Javi Rodríguez (bajo) y Antonio Ávila (teclados).
En su regreso a la primera línea de fuego, el británico ha puesto todas sus capacidades al servicio de la canción, sin discriminar si esta adopta forma de oscuro blues o balada folk, de preciosismo acústico o de potencial single pop, dando forma a una obra compleja y bella, tan atemporal que huele a clásico a la legua.
(Ruta 66)

Una recopilación de bandas galegas actuales de punk, garage, lo-fi y rock and roll alternativo: Sr. Anido, Trajano, Carrero Bianco, Wild balbina, Fantasmage, Terbutalina...

One Man Theremin Band! Theremonial 2 es un álbum de otra galaxia donde el theremin avanza en todas direcciones como generador de ritmos, bases, armonías y por supuesto, melodías. Una erupción caleidoscópica de sonidos y texturas, una locura maravillosa, 100% disfrutable y bailable!

Os presentamos el nuevo álbum de la banda barcelonesa Los 4Señores, “De Tuset a Las Ramblas”, grabado en los estudios “Sol de Sants” entre el 19 y el 24 de junio y producido por Mike Mariconda.
Se trata del segundo álbum de Los 4Señores, banda con curtidos miembros forjados en la escena barcelonesa de los 80 (Kamenbert, Killwatts, Wom! A2, Brighton 64) y en esta ocasión asistimos al sonido de un grupo en clara evolución y progresión del sonido r&b y garajero de su primer LP hacia nuevos registros, siempre dentro de su sonido característico, a base de guitarras poderosas y una sección rítmica potente y contundente.
“De Tuset a Las Ramblas” contiene 10 temas propios y una versión del “Bebiendo y Bailando” de la mítica banda Mermelada. La paleta de sonidos de estas composiciones incluye influencias del rock 70’s, pub rock, tintes psicodélicos, country o destellos rockabilly, sin que Los 4Señores hayan pretendido hacer ejercicios de estilo. Estas influencias salpican los temas con naturalidad, porque así surgieron durante el proceso creativo de su composición.
Sin haberlo premeditado “De Tuset a Las Ramblas” es un álbum conceptual. Todos los temas de sus letras aluden a la ciudad, en este caso Barcelona aunque podría ser cualquier otra, a lugares concretos de su paisaje, y a las personas que en ella viven. En ese marco ciudadano, vemos los problemas y alegrías cotidianas de gente común, que se relacionan en sus calles, bares, o estaciones de metro.
Vidas que transcurren sin estridencia, cada una con sus íntimos problemas y alegrías. “Tarde otoñal”, “Sin Llorar”, “Tus delicias”, “Mejor, peor”, “Contra Manuel Crespo”, “Volverás”, “Sonó aquella canción (y yo bebí)” “Gente normal”, “Sagrados días”, “Puedo perdonar” y ”Bebiendo y bailando” son los temas de “De Tuset a Las Ramblas”: un caleidoscópico viaje a través de las calles de la ciudad y de la gente que la habita guiados por unos 4Señores que se muestran en plena forma y madurez.

Ya tenemos aquí El fuego, el segundo larga duración de LOS MEJILLONES TIGRE.
Este nuevo disco es la confirmación de que la banda jiennense es única en su especie, y que han hecho del eclecticismo bandera: cumbia, sicodelia, garage, boogaloo, guajira… en este trabajo siguen ampliando miras en un conglomerado al que ellos llaman Garage Tropical. No parece casual el título del álbum, ya que la mayoría de los temas están relacionados directa o indirectamente con el elemento que los antiguos griegos asociaban a la inmortalidad.
Si Tropical y salvaje (Clifford, 2020) era su puesta de largo, este puede ser su trabajo de consagración. Siguen manteniendo la frescura de su debut pero enriqueciendo el resultado final con un mayor cuidado en los arreglos y voces, y un sonido sublime sacado del estudio de Carlos Díaz (Granada) que siempre sabe proporcionar a cada producción lo que necesita en su justa medida.
A los cinco temas de adelanto: la sabrosa y sicodélica «Sunday guajira», la pegadiza y arrebatada «Dale candela», «La fábula del promotor y el trovador» -ese tema de pop como sacado del verano del amor-, la cumbia western con alma de mambo que es «40 grados (o más)» y el más reciente lanzamiento, «Radiación», hay que sumarles otros cinco.
«Agua de fuego», que presentan como focus track, y es un incendiario tema de garage nada revisionista y muy en la esfera del panorama actual del lo-fi, con un riff que afeita. «La cumbia es el nuevo punk», tiene el título más llamativo y es toda una declaración de intenciones; «baila pogo que la cumbia es el nuevo punk baila el pogo tropical» cantan mientras hacen referencias a Ramones o Siniestro Total. En «Vacaciones en Jonestown» tratan uno de los temas recurrentes del sexteto, las sectas, esta vez sobre El Templo del Pueblo, secta creada por Jim Jones que llevó a 909 personas al suicidio en masa en 1978. El combo jiennense saca de esta historia una guajira muy del corte de los tres primeros discos de Santana. También siguen haciendo gala de sus sellos identitarios con los temas «Mejillón tigre» y «Lamento lisérgico», el primero es un boogaloo uptempo que es un verdadero rompepistas, con guitarra wah-wah y unos coros a lo Alfonso Santisteban que repiten lalalás y solo dos palabras reveladoras: mutación yeyé, que bien podría ser la definición de LOS MEJILLONES TIGRE. Y la segunda, una cumbia ácida y vacilona, pura chicha peruana que te transporta ipso facto al Amazonas.

Por fin se edita en vinilo este disco magnífico de 1993 que Hugo Race & the True Spirit editaron únicamente en formato CD. Este disco se encuentra en lo más alto del periodo de Hugo Race creando blues crudo .El sonido del disco parece moverse entre The Beasts of Bourbon "black milk" y Rowland S. Howard "Teenage snuff film". Así de crudo, blues, pantanoso y brutal. Para todos aquellos seguidores de Hugo Race, es una referencia obligada. Y para aquellos que aún no le concoen, no hay una entrada mejor a su músico. Editado con objeto de hacer justicia a este disco genial que ha sido remasterizado por el propio Hugo Race.

Tras un último concierto extremadamente emocionante con los Beasts Of Bourbon, a Tex Perkins se le ocurre la idea de meter en un estudio a todos los miembros de la banda, actuales y del pasado, sin una agenda particular más allá de simplemente hacerlo. Lo que tiene en mente va más allá de una simple celebración. Tristemente, el bajista Brian Hooper no pudo formar parte del proyecto ya que nos abandonaba una semana después de este último concierto.
Ensamblado en los Soundpark Studio unas semanas más tarde, en el proyecto forman parte Charlie Owen, Boris Sujdovic, Tony Pola, Spencer Jones, Kim Salmon y Tex Perkins. la banda no había preparado nada aparte de algunas ideas incompletas, cabos sueltos y algunas versiones. Con el tiempo limitado, la banda se decide por una serie de jams como habían hecho al grabar The Axeman's Jazz en una sesión de sólo ocho horas en 1983. Así las cosas, te preguntarás si esto suena como un álbum... ¡puedes apostar por ello! Tristemente el gran Spencer Jones sólo pudo formar parte de una de las canciones.
Con todo el respeto, éstos no son los Beasts Of Bourbon. Jones debería haber participado en todas las canciones para serlo! Pero con orgullo podemos decir: The Beasts Still Here!

En 1975 Alex Chilton entra en los Ardent Recording Studios junto al productor Jon Tiven y tras unas tumultosas sesiones de grabación el resultado son algunas gemas que darían forma al Ep The Singer Not The Song y al álbum Bach's Bottom. Take Me Home And Make Me Like It es un documento crudo de uno de los momentos álgidos en la carrera de Chilton. Aquí se recopilan ensayos nunca antes publicados y tomas alternativas que nos dan una idea de lo que fue el intenso proceso de grabación. Notas del propio Chilton y Jon Tiven y vinilo de 180 gr.

Álbum de debut de The Japanese Girl, un disco hipnótico que sitúa a este grupo de Oporto a la cabeza de la escena psych-rock europea.
The Japanese Girl es una banda portuguesa creada a finales de 2013 por Bruno Sousa, Corinna Sousa y Emanuel Cunha. Con una formación inicial compuesta por dos guitarras, órgano y viejas cajas de ritmo, muy pronto forjaron un sonido potente y crudo entre el garage y la psicodelia lo-fi. Recientemente también han contado con la presencia del batería Carlos Nemeth aporreando a través de las capas opiáceas de reverb. En sus intensos y ruidosos conciertos se acompañan de elementos visuales, y además de sus propios directos el grupo también ha tocado con Jacco Gardner, The Wand, Girls Names y como parte del Reverence Festival Party. A principios de 2015 grabaron en cinta analógica Sonic-Shaped Life, su álbum de debut, con Cláudio Tavares y João Brandão en los estudios Sá da Bandeira de Oporto. Miguel Pinheiro Marques de SDB Mastering llevó a cabo la masterización. El primer single, ?You Should Have Switches’, publicado en septiembre, dio las primeras pistas sobre el rock hipnótico que practica el grupo, donde una pulsante psicodelia, garage con querencia por los drones y pop tripioso proporcionan el ambiente para canciones inquietantes pero pegadizas y melodías que cautivan. A lo largo de diez temas, The Japanese Girl suenan imponentes en los pasajes más oscuros o arrebatos más desbocados y brillan en los momentos más luminosos y coloridos, mientras la cuidada progresión del álbum produce un disco totalmente deslumbrante.
The Japanese Girl es una banda portuguesa creada a finales de 2013 por Bruno Sousa, Corinna Sousa y Emanuel Cunha. Con una formación inicial compuesta por dos guitarras, órgano y viejas cajas de ritmo, muy pronto forjaron un sonido potente y crudo entre el garage y la psicodelia lo-fi, y recientemente han contado con la presencia del batería Carlos Nemeth aporreando a través de las capas opiáceas de reverb. En sus intensos y ruidosos conciertos se acompañan de elementos visuales, y además de sus propios directos el grupo también ha tocado con Jacco Gardner, The Wand, Girls Names y como parte del Reverence Festival Party

ARTISTA: FEE REEGA
TITULO: SONAMBULANCIA
FORMATO: LP
SELLO: HUMO
REFERENCIA: HUM-005

La melancolía cantábrica flota en Cueva y se ahoga deliciosamente en Tequila una y otra vez, para proseguir con la corrosiva y acertada redefinición de su sonido en cortes más oníricos, como Te contagie con mis sueños o Ahora das miedo. Todo enmarañado en un caos eléctrico controlado por las cuerdas de Dani Donkeyboy y Javier Bejarano (omnipresente su guitarra con arco), sumado a constantes cambios de batería muy presentes a lo largo de los surcos.

Legendaria banda de Nueva York 90s, The Chrome Cranks fueros y son maestros absolutos del ruidismo sónico y Blues pantanoso, formada por: Peter Aaron, William Weber (G.G. Allin & The Murder Junkies), Jerry Teel (Honeymoon Killers, Boss Hog, Jerry Teel And The Big City Stompers) y Bob Bert (Sonic Youth, Pussy Galore, Five Dollar Priest). En 1994 se metieron en el estudio de la radio WMBR en Boston y salieron con esta grabación de 10 canciones, de lejos la más brutal, decibélica, sónica y causante de oídos supurantes e intensa que hayan sacado hasta la fecha. Editada en exclusiva y edición limitada por Bang! Records, esta edición a todo detalle en vinilo presenta música y fotografía hasta ahora inéditas de esta asombrosa banda de desquiciados neoyorquinos.

El incombustible Kim Kix sigue al frente de POWERSOLO, con la misma fórmula, transitando durante 2 décadas por sus característicos sonidos de los años 50, 60 o incluso los 70, y canciones que nos remiten a las recopilaciones de Las Vegas Grind y Nuggets, al blues, al rockabilly, al punk, o al rhythm & blues, sumándoles ese punto de locura que le aporta mucha originalidad a unos estilos que no son muy dados a la misma.
En 2.020 se pasearán de nuevo por estos lares presentando un nuevo álbum con el título de “Seven Inches from Heaven”.
¿Qué es “Seven Inches from Heaven”? Es una parte de su historia con un nuevo envoltorio. Es una esperada colección de la basura del combo danés de surf, punk y rockabilly PowerSolo. Es una recopilación de todos sus singles publicados en ediciones muy raras y limitadas cubriendo un período de más de veinte años. Cada cual más alucinante que el otro. ¡El disco favorito para cada nueva fiesta a la que acudas!
Abundan chalados y chaladas tan increíbles que son capaces de viajar largas distancias para ver a su banda favorita de rock and roll un sábado por la noche. Ya sea en un pequeño pueblo en una montaña en España o en un prestigioso club en Los Ángeles, un calabozo en Francia o un festival en Transilvania, todos están allí por la misma razón. ¡Quieren el verdadero sonido de la diversión y la acción!
Para estos tipos, ¡la respuesta es PowerSolo!

ARTISTA: STA
TITULO: DAGA
FORMATO: LP
SELLO: HUMO
REFERENCIA: HUM-015

El último álbum publicado por esta banda de Dub de Barcelona.

Desde Melbourne, Australia, Penny ha publicado su primer disco y me atrevería a decir que estamos ante unos de los diez mejores álbumes australianos de la última década. Acompañada por miembros de Beasts Of Bourbon o Radio Birdman, se ha sacado de la manga un fabuloso trabajo de Swamp Pop con irresistibles melodías.

ARTISTA: FIERA
TITULO: ALJARAFE
FORMATO: LP
SELLO: HUMO
REFERENCIA: HUM-003

Al terminar "Aljarafe" te queda, de nuevo, una sensación rara, de mal cuerpo. No parece haber mucha esperanza en el mensaje que quiere transmitir la pareja, y aunque parece que a veces quieran quitarle hierro al asunto recurriendo al humor, otras parece que lo están diciendo totalmente en serio sin ningún tipo de filtro. Esta total sensación de libertad a la hora de comunicar tabúes sociales a flor de piel quizá sea lo más apasionante de Fiera, incluso más allá de la inquietud de su sonido, y lo que lo hace un proyecto tan excitante.

Neon Vampire es una banda gaditana que nace como la evolución natural de su anterior proyecto, Champagne, con el que editan tres discos de estudio y realizan conciertos a lo largo de toda la geografía española, actuando en festivales de renombre como Ebrovisión o
No Sin Música. El proyecto toma su nombre de un sueño de su líder del que surge la canción que da el giro al sonido del grupo.
Esta vuelta de tuerca hace que en su música se mezclen los ingredientes esenciales de las influencias que han marcado los gustos de los miembros del grupo: armonías vocales con tintes Wilsonianos, sintetizadores al más puro estilo E.L.O., guitarras atmosféricas, bases emocionantes y acústicas orgánicas que crean un sonido lleno de matices.

Grabado en directo en el Sheraton La Reina, Los Angeles el 15 de septiembre de 1990. Edición en vinilo de 180 gr.

ARTISTA: CUCHILLO DE FUEGO
TITULO: MEGAVEDRA
FORMATO: LP
SELLO: HUMO
REFERENCIA: HUM-007

Estamos ate uno de los discos de este 2017 que se acaba. Un disco que crece con las escuchas, quedando grabado en nuestra mente. Mención especial merece el arte de Carleti López Traviesa, que consigue recrear en la carpeta del vinilo todo el universo pontevedrés y sus personajes célebres: John Balan, Vladimir Dragossan, el Loro Ravachol, la estatua de Valle-Inclán teñida de rosa, Mariano Rajoy recibiendo un puñetazo, etc.

Grabado en directo en el Cabaret Metro de Chicago el 28 de marzo de 1992.

Nuevo EP "Seconda Morte" de los titanes del sludge rock español Rosy Finch.
El álbum es un viaje musical cambiante y emocionante basado en la obra literaria 'La Divina Comedia' donde Dante Alighieri atraviesa el infierno, el purgatorio y el paraíso para reencontrarse con su difunta amada Beatriz y luchar por la fe en Dios. Una colaboración entre tres sellos discográficos (Lay Bare Recordings, Discos Macarras y LaRubia Producciones), en un viaje introspectivo, diverso, cuya  ambientación engancha soberanamente.
El trío combina una mezcla ecléctica de grunge y rock alternativo de los 90 con influencias de metal y sludge. A veces meditativa e inquietante y otras veces llena de rabia, Rosy Finch combinan riffs insidiosos y muy heavys a la perfección.

Edición en vinilo de este álbum de 2012 cuya cara B la forma una Peel Sessions de 1995.

Grabado en directo el 17 de abril de 1987.

Originario de Perth y miembro fundador de los Drones, James McCann ha hecho disco que parece un compendio de toda la música australiana de su principio a su fin. Es un viaje a través del pantano que comienza con baladas folkie arrastradas, y que continúa creciendo y aumentando hasta alcanzar el lado más salvaje y sónico reminiscencia de los Scientists.

Grabado en directo en Del Mar Fairground, San Diego, el 28 de diciembre de 1991.

Existía un punto de ciego, o de fuga, ahora iluminado, entre propuestas como la de Mikel Laboa y Einstürzende Neubauten. Se trata de Serpiente, trío bilbaíno compuesto por Ana Arsuaga (voz y teclado), Beatriz Perales (bajo) y Elena Núñez (batería).

Mismas que ejercen como médium entre las exploraciones tonales que hace casi un siglo ejerció el musicólogo alemán Theodor Adorno, el post-punk más tétrico, pérfido y necroso de los años ’80, las cavilaciones hacia el surf-pop más gótico. Los guiños a propuestas como Savages o The Drums y una evidente conexión con el movimiento cultural vasco Ez Dok Amairu, que entre 1966 y 1972 se dedicó a recuperar la cultura vasca y renovarla.

Así queda patente en ‘Krisanteilu’ (Humo Internacional, 2019), nueva referencia del sello asturiano Humo Internacional (casa discográfica de Fasenuova, Pablo Und Destruktion, La URSS, STA o Balcanes, entre otros), y primer álbum largo del trío vasco. Un álbum con una clara motivación experimental, por descubrir nuevos márgenes que van más allá de los géneros preestablecidos. Y que presenta a estas Serpiente como una de las voces más inclasificables y necesarias para reconstruir tanto el post-punk como la reivindicación del folclore euskaldun.

“En el grupo intentamos componer para llegar a puntos inexplorados para nosotras, por medio de una experimentación tonal y estructural de los temas, y partiendo siempre de los pocos elementos que lo componen: batería, bajo, teclado y voz”, confiesan las bilbaínas.

De ahí que en los poco más de veinte minutos en los que se extienden las nueve canciones cantadas en euskera y castellano que componen este debut titulado «Krisanteilu». Y que llega dos años después de haber publicado su primer EP y a cuatro de que comenzasen a funcionar como banda, se abra un nuevo paradigma: la de un punk con acceso al museo, y la de un arte de vanguardia con acceso al pogo, el mosh y el slam.

El disco ha sido grabado por Urtzi Iza y Hans Krüger en Montreal Studios, mezclado por éste último, y masterizado por Vacuum Mastering, entre 2018 y 2019.

(Topgente.com)

Nuevo disco de este supergrupo de Seattle con miembros de Young Fresh Fellows, Mudhoney, Model Rockets, The Minus 5, Roy Loney’s Longshots, Neko Case y muchos más. Después de su increíble tercer álbum, "Get Young", están de vuelta con un 10 "con 6 grandes canciones. Como es habitual en esta banda, puedes encontrar en su canción el mejor Powerpop, Rock & Roll y Pubrock, con melodías pegadizas, grandes arreglos de guitarra y la potencia de una gran sección rítmica del rock & roll.

Grabado en directo en Alemania en 1990.

Describirlo resulta difícil, ... Swamp Lounge, quizás. Es sexy, decadente y bluesy. Es como tomarse una copa en la barra de un puticlub del desierto, mientras sudas y la chica de la barra danza frente a tí, con lentejuelas, entre el humo y el olor a wyskey. La banda que le acompaña está compuesta por miembros que por aquel entonces tocaban en la banda de swamp pop Luxedo. Banda que ha dejado un legado de culto en su Melbourne natal.