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Contenidos: Pearl Jam, Magnolia Electric Co., The Black Crowes, Yo La Tengo, Mott THe Hoople, The Drones, Jack Nitzsche, Dan Baird, John Martyn, Banda Trapera, Candi Staton, Spinal Tap, Eilen Jewel, Young Fresh Fellows, Rinocerose, New Christs, J. Teixi Band...

El lugar donde reina la locura es la segunda novela de Rodrigo Ratero. Basada en un guión de Jabi Subversión, recorre la infancia y juventud de un grupo de chavales en el Santurce gris y sucio de los años 80. Sin perspectivas ni futuro son arrollados por la maquinaria de la reconversión industrial, el radicalismo vasco y la lacra del caballo, emblemas de una época oscura y díficil en la margen izquierda del Nervión, donde sólo les queda la amistad y la música para sobrevivir a la degradación económica y moral de una zona olvidada de la geografía española.

Arthur Lee (1945-2006) y el grupo que lideró, Love, están ampliamente reconocidos como una de las bandas más influyentes de los sesenta, y "Forever Changes" (1967), una obra maestra que aúna psicodelia, folk y rock, aparece regularmente en las listas de los mejores discos de todos los tiempos. Lee abanderó este brillante y errático grupo a través de su convulsa historia de disoluciones y resurrecciones, y posteriormente publicó tres discos en solitario. En esta extraordinaria biografía, Barney Hoskyns (de quien ya publicamos "Hotel California: Cantautores y vaqueros cocainómanos en Laurel Canyon") compone un retrato coral de un músico que creó algunas canciones memorables pero que sin duda pudo haber alumbrado muchas más.
A partir de entrevistas en profundidad con Arthur Lee, el cantante, compositor y guitarrista Bryan MacLean, y otros personajes clave de la escena musical del Los Ángeles de la época, este fascinante relato revela el reverso oscuro del Verano del Amor: drogas, crímenes y luchas de egos, así como un recorrido por la trayectoria musical de Lee tras la disolución de Love hasta su encarcelamiento después de ser acusado de disparar un arma. Este volumen incluye un posfacio del autor escrito especialmente para esta edición.

Desde que en 1975 se publicara por primera vez, «Mystery Train» se ha consolidado como uno de los mejores, más clarividentes y fascinantes ensayos sobre la música popular en clave rock jamás escritos. Su influencia no ha dejado de crecer a lo largo de los años y su estética ha marcado el devenir de la crítica musical y cultural. Fue uno de los primeros libros que supo ver ùy que puso en evidenciaù que el rock & roll no era un arte menor, sino que algunos músicos y bandas, algunas canciones, proyectaban una imagen poderosísima e inextinguible que explicaba tan bien como el «Moby Dick» de Herman Melville o «El gran Gatsby» de F. Scott Fitzgerald la grandeza y contradicciones de América, sus miserias y su gloria, el origen y consagración de sus mitos. A partir de las canciones de seis músicos y bandas capitales, Greil Marcus traza la geografía emocional y el «Zeitgeist» de todo un continente: del revulsivo de Harmonica Frank pasando por el atormentado universo del blues diabólico de Robert Johnson; de The Band y su sueño por construir una comunidad desde el desarraigo a las fricciones y terrores que en esa comunidad estallan de Sly and the Family Stone; del talento en los márgenes de la industria y la lucha por la libertad creativa de Randy Newman hasta la ambición y talento desmedidos, debacle y resurrección de uno de los iconos más incontestables del rock y del siglo XX: Elvis Presley. A lo largo de los años, Greil Marcus ha ido ampliando la segunda sección de este volumen ùuna lección magistral de crítica musicalù, la consagrada al comentario de la discografía de los músicos anteriormente citados, que en esta edición presenta su versión más actualizada, notablemente más extensa que la anterior publicada en nuestra lengua y con añadidos del autor especialmente escritos para esta ocasión. Esta edición de «Mystery Train» es, pues, la más completa y exhaustiva publicada en cualquier idioma hasta la fecha.«Se acerca tanto al corazón y al alma de América y la música americana como el mejor rock & roll.» Bruce Springsteen «Probablemente el mejor libro jamás escrito sobre el rock.» Chet Flippo, Rolling Stone «El mejor libro jamás escrito en la disciplina de la escritura musical.» Stuart Bailie, NME «Decir que este libro trata sobre el rock & roll es como decir que "Ciudadano Kane" es una película de un tipo que dirige un periódico. Una obra maestra intemporal.» John Wilde, Blitz «No encontrarán un viaje más apasionante y penetrante al corazón del rock & roll. Es la historia de cómo empezó todo. La Biblia.» Andrew Perry, Select «Probablemente el mejor libro jamás escrito sobre la música pop.» Alan Light, The New York Review of Books, 2005 «Greil Marcus tiene la habilidad de distinguir un movimiento artístico, o un país entero, sumergiéndose en el sentido oculto de una canción.» The New Yorker, 2004 «Este libro puede recomendarse enérgicamente a casi todo el mundo. Marcus es un escritor con una inusual percepción y un pensador genuinamente innovadorà Cualquiera interesado en América o en su música debería leer este libro.» John Rockwell, New York Times «Marcus escribe crítica como Dylan canciones.» Ron Jacobs, Counterpunch, 2005 «"Mystery Train" y "Rastros de carmín" son probablemente dos de los ensayos en torno a la música más absorbentes jamás publicados.» J. Gabriel Boylan, Salon, 2006 «Inteligente, inquisitivo, fantásticamente bien escrito, el libro demostró ser ùy lo continúa siendoù poderosamente influyente, un logro fundamental en el intento por conseguir que el rock & roll sea un tema digno de la crítica cultural seria.» Anthony DeCurtis, Rolling Stone «Como uno de los padres de la crítica musical en la vertiente rock, Greil Marcus amplió la noción de qué era escribir sobre música y al mismo tiempo situó en su justo lugar a algunos artistas fundamentales. Lo hizo partiendo de sonidos y personalidades y ahondando en aquello que nos contaban acerca de nuestro pasado, presente y sentido de uno mismo como público.» Ryan Dombal, Pitchfork «Como el mejor rock & roll, "Mystery Train" es escandaloso y extravagante; como la mejor jam session, suena a la vez completamente espontáneo y completamente controladoà Marcus ha corrido riesgos de orden intelectual, estilístico y creativo en la escritura de este originalísimo y ambicioso libro sobre América y el rock & roll.» Jon Landau, Rolling Stone «El libro más distinguido escrito hasta la fecha sobre la música rock.» Clive James, Observer «Marcus escribe en un estilo tan magnético que prácticamente te succiona las órbitas de los ojos de la cabeza mientras lees. Hacía tiempo que no me sentía tan físicamente consumido por el desplazamiento frenético del texto impreso, por el intento de seguir el ritmo, tratando de no perderme nada.» Sunday Telegraph «No existe libro mejor escrito, más imaginativo, erudito, exasperante, ingenioso y regocijante sobre el rock.» Sunday Times «Greil Marcus es uno de los mejores oyentes de Américaà Su enorme fuerza como crítico nunca se ha limitado a discernir entre lo bueno y lo malo, sino que está en contarnos por qué algo es importante, sea la Declaración de Independencia o un disco de Sly and the Family Stone.» Hua Hsu, The Village Voice, 2006 «La aparición en 1975 del primer libro de Greil Marcus, "Mystery Train", supuso una explosión tan inesperada e indeleble como la de los primeros discos de Elvis Presley, casi exactamente veinte años antes.» Mark Rozzo, Los Angeles Times Book Review, 2006La obra de Greil Marcus (San Francisco, 1945) es quizá la mayor reivindicación de la cultura popular jamás escrita. Sus textos sobre el rock ùtema que le sirve a Marcus de trampolín para pensarlo y ponerlo en relación con la política, la estética, la filosofía o la historiaù se encuentran entre los más influyentes y brillantes de la literatura ensayística. Además de «Mystery Train» (1975), destaca su monumental «Rastros de carmín. Una historia secreta del siglo XX» (1989), que traza un recorrido por la cultura Occidental más heterodoxa y radical, estableciendo puentes entre los heréticos medievales, el Dadaísmo, el Situacionismo francés y el punk británico. Ha dedicado ensayos a Elvis Presley («Dead Elvis. A Chronicle of a Cultural Obsession», 1991), Bob Dylan («The Old, Weird America. The World of Bob DylanÆs Basement Tapes», 1997; «Like a Rolling Stone: Bob Dylan en la encrucijada»,2005), Van Morrison («When That Rough God Goes Riding: Listening to Van Morrison», 2010) o a The Doors: «Escuchando a The Doors», publicado por Contra en 2012. Es, además, el autor del tema rock «I CanÆt Get No Nookie», que fue grabado por The Masked Marauders en 1969 y que durante una semana ocupó la posición nº 123 del Billboard, momento en el que fue atacado por la Comisión Federal de Comunicaciones, que lo tildó de «obscenidad en el aire». También formó parte de la banda formada íntegramente por críticos y escritores, Rock Bottom Remainders, junto a Stephen King o Matt Groening, y escribe habitualmente para diversas publicaciones, actividad que combina con el comisariado de exposiciones y la docencia. Vive actualmente en Berkeley, California, con su mujer, Jenny.

LA BIOGRAFÍA DEFINITIVA DE NICO: LA ICÓNICA Y MISTERIOSA CANTANTE, SUPERESTRELLA DE WARHOL Y MUSA DE PHILIPPE GARREL, VOCALISTA DE THE VELVET UNDERGROUND E INFLUYENTE ARTISTA EN SOLITARIO Christa Päffgen nació en Colonia (Alemania) en 1938 y padeció de niña los horrores de la guerra. Su extraordinaria belleza pronto la condujo a posar de modelo internacional para los mejores fotógrafos y revistas, momento en el que adoptó el nombre de "Nico", que la acompañaría el resto de su tormentosa vida. Su fama se disparó cuando Federico Fellini le dio un papel en la mítica "La dolce vita". Poco después recaló en Nueva York, donde Andy Warhol la introdujo en el séquito de la Factory y, además de protagonizar muchas de sus películas entre otras, "Chelsea Girls" y erigirla en Superstar, la embutió un poco a la fuerza en el grupo fundado por Lou Reed y John Cale, The Velvet Underground. Con ellos grabó el que posiblemente sea uno de los mejores discos de la historia del rock, el icónico vinilo del plátano, producido por el propio Warhol: "The Velvet Underground & Nico", donde la alemana cantó en "Femme Fatale", "All Tomorrow's Parties" y "I'll Be Your Mirror" con su particular voz de contralto de fuerte acento teutón. Después inició una fascinante y oscura carrera como artista en solitario, primero con el disco de versiones "Chelsea Girl", al que le siguieron "The Marble Index" y "Desertshore", que a pesar de pasar desapercibidos cuando se lanzaron, hoy son discos de culto y de una enorme influencia. Musa y pareja del cineasta maldito Philippe Garrel, con quien protagonizó, entre otras, "La cicatrice intérieure", ambos empezaron a consumir heroína de forma regular. Una adicción cada vez mayor llevó a Nico a una espiral de degeneración que la minó física y psicológicamente, cosa que no impidió que tuviera una prolífica carrera como música, sobre todo en directo. Nico murió en Ibiza en extrañas circunstancias a los 49 años. Tras cuatro años de investigación y más de cien entrevistas, Jennifer Otter Bickerdike construye una fascinante y documentadísima biografía de una de las voces más carismáticas de la música popular cuya vida fue un cautivador enigma que "You Are Beautiful and You Are Alone" trata de desentrañar.

Según a quién preguntes, la historia del punk comenzó en Inglaterra con los Sex Pistols o en Nueva York con los Ramones, pero ¿y si, como rezaba la mítica camiseta de Kim Gordon de Sonic Youth, «las chicas inventaron el punk, no Inglaterra»? Sin entrar en controversias sobre la génesis del fenómeno, lo que sí parece claro es que la historia oficial, como suele ser habitual, ha silenciado el papel fundamental que tuvieron y tienen las mujeres en el origen y futuro de la música de guitarras más visceral. La periodista cultural y música Vivien Goldman que a principios de los ochenta grabó un single fundamental en las horas muertas del estudio de PiL escribe por primera vez una historia del punk desde mediados de los setenta hasta la actualidad en clave femenina. Goldman explora el fenómeno del punk a partir de cuatro temas fundamentales la identidad, el dinero, la vida afectiva y la búsqueda de un cambio que tienen que ver tanto con la creación musical en los márgenes de la industria como con las dificultades inherentes de la mujer en un contexto donde aún impera el patriarcado. Para ello, traza un apasionante y divertido panorama global de la música punk hecha por mujeres cuyo legado aún perdura y resuena en todos los rincones del mundo. Más allá de los nombres clave Patti Smith, Debbie Harry o Chrissie Hynde, la «catedrática del punk» excava en la historia y en los lugares más recónditos del planeta donde emergen fascinantes sheroes del punk, tanto en EE. UU. (Poly Styrene, las riot grrrls, Alice Bag o Sleater-Kinney) e Inglaterra (las Slits, las Raincoats, las Au Pairs o Skinny Girl Diet), pero también en Francia (Lizzy Mercier Descloux), Alemania (Malaria!), Japón (Shonen Knife), Rusia (Pussy Riot), Indonesia (Tika and The Dissidents), China (Hang on the Box), India (Pragaash, The Vinyl Records), Jamaica (Grace Jones, Tanya Stephens), Nigeria (Sandra Izsadore) o Colombia (Fértil Miseria), incluidas las Vulpes y su «Me gusta ser una zorra».

No se ha tomado aún suficiente conciencia de la importancia del trabajo de Charlie Watts como baterista y sostén de los Rolling Stones, verbigracia, su verdadero motor —aportación de cuya instrumental importancia siempre se hizo eco y reverencialmente subrayó el propio Keith Richards: «sin Charlie no habrían existido los Stones»—. Y no le falta razón. Hay creadores póstumos, músicos cuya obra solo revela su significado décadas después de haber poblado los surcos de incontables grabaciones.He aquí la tardía reivindicación —con nocturnidad e idolatría; no en vano, este libro nace de una inquebrantable y muy docta devoción, y al más puro estilo gonzo— del acaso más incomprendido baterista de la historia del rock. Semblanza cuya lectura agradó sobremanera a un Charlie Watts —reacio, por principios, al vertido de elogios sobre su persona— pocos meses antes de dejar este mundo. No alcanza a ocultar el autor, en ningún momento, su incondicional adhesión al arcano arte de este simpar baterista, y nos invita, por medio de una accesible y cabal reflexión, a comprender la —nunca suficientemente bien ponderada— razón por la cual «la banda de rock ‘n’ roll más grande de la historia» necesitaba hacerse con los servicios «del mejor baterista de rock ‘n’ roll».A lo largo de cinco décadas, a Watts le cupo el privilegio de disfrutar de la mejor localidad para gozar del espectáculo. Estrella antirroquera por antonomasia, fue testigo y protagonista destacado de una época irrepetible. Han pasado los años y han cambiado las técnicas y, lamentablemente para algunos, también las músicas, pero las tablas de la ley y la manera de tocar la batería en el rock se acuñaron entonces y fijadas quedaron para siempre. Edison nos cuenta aquí la apasionante historia de esa hazaña.

Pasará mucho tiempo antes de que otra biografía coseche tan encendidos elogios como los obtenidos por esta obra definitiva (el adjetivo no es, por una vez, hiperbólico) sobre la fulgurante ascensión y la apoteósica decadencia de un cantante ya instalado en la mitología popular contemporánea. Basten dos muestras extraídas del New York Times:«Un triunfo del arte biográfico [...] un libro profundo y conmovedor» (Stephen Wright); «Hagamos un poco de ruido […] Aparte de ser la mejor biografía jamás escrita sobre una estrella de rock, esta obra figura entre las más ambiciosas y cruciales aventuras biográficas consagradas a un icono de la cultura norteamericana de la segunda mitad del siglo XX» (Gerard Marzorati). Incluso el huraño Bob Dylan ha abandonado su guarida para unirse al coro de apologetas: «[Elvis] parece salir de estas páginas, notas cómo respira: este libro anula todos los demás.» Tras una meticulosa investigación, Peter Guralnick afronta las luces y las sombras de Elvis para devolvernos a la persona silenciada por su máscaray rescatar la realidad sepultada bajo el templo de la idolatría. Guralnick no juzga ni declama: se limita a mostrar los hechos con apasionado rigor o con piadosa objetividad sin caer jamás ni en la crueldad exhibicionista ni en el sentimentalismo devoto. El resultado es un retrato magistral delindividuo y de la sociedad que lo elevó a los abismos del trono.

Durante toda su vida, Greil Marcus, uno de los mejores pensadores vivos de la cultura popular, ha escuchado a The Doors, la banda liderada por el carismático y oscuro Jim Morrison, que, en tan solo cinco años (1967-1971), grabó algunas de las mejores canciones de la historia del rock. Con su estilo radical e inconfundible, Marcus trasciende la atenta escucha de las canciones de la banda ùno solo las versiones de sus temas más conocidos, sino también las que interpretaron en directo, donde la banda solía reinventar su propio repertorioù y proyecta una de las miradas más inteligentes y brillantes sobre el legado cultural de la década de los 60. Además de los momentos decisivos de la historia de la banda, Greil Marcus convoca algunas manifestaciones artísticas clave y personalidades del imaginario colectivo norteamericano en un relato torrencial que, ante todo, rehúye el tópico de los 60 como la década de la paz, el amor fraternal y la liberación, detectando sus agujeros negros e instantes decisivos que la música de The Doors reveló mejor que nadie. ESCUCHANDO A THE DOORS es también una lección magistral de crítica de cultura popular y de cómo la literatura y el pensamiento pueden abordar la divulgación musical. Para ello, Marcus da rienda suelta a una prosa exuberante cuya finalidad no es reverenciar una música del pasado como objeto congelado en su tiempo, sino todo lo contrario: mostrar cómo algunas canciones y las ideas que estas vehiculan siguen vigentes y que, por ello, es preciso que las sigamos reivindicando y escuchando.«Nadie lee una canción como Greil Marcus, cuya prosa es tan apasionada y omnívora como la música que ama. En este libro viaja de la mano de Thomas Pynchon, el Pop Art y Charles Manson para traer de vuelta a la maldita e inquietante vida a unos caóticos y majestuosos The Doors obsesionados con la muerte.» SALMAN RUSHDIE «Nadie piensa ni escribe como Greil Marcus. Tiene un talento excepcional para poner en palabras el lenguaje onírico auditivo de la música, para hacerte æescucharÆ las canciones que pensabas que conocías como si fuera la primera vez. No solo escuchar, sino, como él dice, æsentirla en la pielÆ mucho después de que la canción haya terminado. Porque æla historia que está contando sigue adelanteÆ.» MARY GAITSKILLLa obra de Greil Marcus (San Francisco, 1945) es quizá la mayor reivindicación de la cultura popular jamás escrita. Sus escritos sobre el rock ùtema que le sirve a Marcus de trampolín para pensarlo y ponerlo en relación con la política, la estética, la filosofía o la historiaù se encuentran entre los más influyentes y brillantes de la literatura ensayística. Su primera obra, «Mystery Train: Images of America in Rock 'n' Roll Music» (1975) es un ensayo sobre las raíces del rock, de sus más ilustres autores, y sobre cómo estos se han erigido en los grandes cronistas de su tiempo. El monumental «Rastros de carmín. Una historia secreta del siglo XX» (Anagrama, 1993) traza un recorrido por la cultura Occidental más heterodoxa y radical, estableciendo puentes entre los heréticos medievales, el Dadaísmo, el Situacionismo francés o el punk británico. Ha dedicado ensayos a Elvis Presley («Dead Elvis. A Chronicle of a Cultural Obsession», 1991), Bob Dylan («The Old, Weird America. The World of Bob DylanÆs Basement Tapes», 1997; «Like a Rolling Stone: Bob Dylan en la encrucijada», Global Rhythm, 2010), Van Morrison («When That Rough God Goes Riding: Listening to Van Morrison», 2010) o, en su último libro, a The Doors. Es, además el autor del tema rock «I CanÆt Get No Nookie», que fue grabado por The Masked Marauders en 1969 y que durante una semana ocupó la posición nº 123 del Billboard, momento en el que fue atacado por la Comisión Federal de Comunicaciones, que lo tildó de «obscenidad en el aire». También formó parte de la banda formada íntegramente por críticos y escritores, Rock Bottom Remainders, junto a Stephen King o Matt Groening, y escribe habitualmente para diversas publicaciones, actividad que combina con el comisariado de exposiciones y la docencia. Vive actualmente en Berkeley, California, con su mujer, Jenny.

Greil Marcus ha escrito la biografía de una canción. Grabada el 16 de junio de 1965, «Like a Rolling Stone» se incorporó inmediatamente a la iconografía de su época, y con tanta fuerza que varias décadas después sigue evadiendo los zarpazos del tiempo. Los músicos reunidos en el estudio deambularon por una veintena de pruebas baldías persiguiendo algo inasible que solo atraparon durante la cuarta toma del segundo día. Habían dado inopinadamente en el clavo, y ahí quedó una versión que nadie ha mejorado, ni siquiera el proteico Dylan con sus veleidosas interpretaciones.

Las biografías de compositores e intérpretes suelen conceder excesiva atención a la música, cuando no a las propias memorias de los artistas, en perjuicio de una comprensión cabal y pondera­da de la vida y obra del artista y su circunstancia. Ensayos estos que, a la usanza academicista, rara vez van más allá de los límites de la investigación bibliográfica; obviando otras posibilidades que brinda el trabajo de campo -ya sea por medio del periodismo de investigación o vía la reveladora exhumación de los testimonios de otras fuentes, tanto o más relevantes que la memoria selectiva del autohagiografiado-. Así pues, en lugar de relatar, como dicta el canon, el ascenso y declive del objeto de esta reconstrucción arqueológica --contintes de investigación detectivesca-, Blackbum nos propone otra aproximación: permite que sean las voces de los personajes que trataron y conocieron a Billie Holiday quienes tomen la palabra. Invocación espiritista que ha sido posible gracias a un inesperado hallazgo: las más de 150 entrevistas realizadas por Linda Kuehl en los años setenta a acólitos, vagos y maleantes. No obstante, cuando llegó el momento de transcribir dichas grabaciones, escudriñar entre recortes de periódicos, zambullirse en su correspondencia y examinar otros artefactos, Kuehl se vio abrumada por la responsa­bilidad ...

Los Clash fueron un grupo insólito, una perfecta anomalía que pronto trascendería su militancia en el punk más atroz, en compañía de bandas como los Sex Pistols, a fin de ir incorporando, sin renunciar a su combativo ideario ni a sus principios estéticos, otras tradiciones musicales a su paleta sonora. Pioneros, pues, del efervescente punk rock que haría las delicias de las hordas de encrestados imberbes que abominaban del jipismo burguesito, los mods, los teddy boys y la edulcorada grandilocuencia del rock progresivo no sin antes abjurar del folk electrizado y bien atemperado que gastaban la acomodada clase media y la aristocracia más cool, los Clash sacudieron los cimientos de la aún omnipotente industria discográfica con sus incendiarios conciertos y sus lúcidas composiciones. La brillante singularidad de su estilo y la pasión de su compromiso político lograron, además, plasmar el espíritu de una época y los convirtieron en un auténtico fenómeno mundial cuyo legado sigue influyendo en los mejores músicos emergentes y despertando el entusiasmo, cuando no la veneración, de nuevas audiencias. No deja de ser significativo que su documental autobiográfico Westway to the World obtuviera un premio Grammy o que la revista Rolling Stone escogiese London Calling como uno de los mejores álbumes jamás grabados.
Exhumar esta autopsia coral en pleno cuadragésimo aniversario de la obra cumbre del cuarteto, London Calling, devino un antojo irreprimible a la par que también un sentido homenaje a quienes ayudaron a toda una generación a desprenderse del azote de un pop cuya meliflua agonía amenazaba con perpetuarse en los oídos de los adictos al vinilo y las ondas radiofónicas.
Solo ellos estaban llamados a emprender aquel largo y azaroso camino hacia una reconciliación con las rudas esencias del rock más disruptivo, mestizo y atemporal. Por desgracia, aquel periplo tan desbordante acabaría pasando factura a la banda y certificaría, mediados los ochenta, la defunción de tan eufónico disturbio. Iconos, iconoclastas, arietes de todas las insurgencias, su historia está ya impregnada de leyenda. Mucha gente ha opinado sobre el cómo y el porqué de aquel estruendo, pero no está de más que los verdaderos protagonistas nos ofrecieran su versión.

Advierte, con la mayor de las solemnidades, la Reina del Soul—a propósito de la monumental biografía escrita por David Ritz—: «No malgaste su dinero en la lectura de esta biografía desautorizada». Sin ponderar en exceso el exabrupto que siguió a aquella admonición, Aretha Franklin se permitió tildarla, a continuación, de [sic] «basurilla inmunda». Bien es cierto que arrastraban ambos un turbulento historial de felices colaboraciones y no menos tormentosas desventuras: Franklin y Ritz trabajaron juntos en la censurada confección de las edulcoradas memorias de la cantante, Aretha: From These Roots, publicadas en 1999.Lo que no admite discusión es que Aretha Franklin irrumpió en este impío mundo en el seno de la familia de un apuesto predicador baptista, felizmente entregado a las promiscuidades que la libérrima observancia del preceptuado amor al prójimo le imponía y se prestaba a atender religiosamente; toda una superestrella por derecho propio—conviene acotar aquí que no estaba al alcance de cualquier predicador que sus sermones se grabaran y distribuyeran por doquier como grandes éxitos de la canción popular—. Sobreexpuesta al influjo de los grandes músicos y artistas que frecuentaban el hogar de su afamado progenitor, germinaría la voz de la que estaba llamada a convertirse en acaso la más prodigiosa cantante ...

Tras años de injusto olvido, Alfaguara se suma al fenómeno editorial del descubrimiento de Lucia Berlin, el secreto mejor guardado de la literatura estadounidense, una auténtica revolución literaria. XVII Premi Llibreter 2016.
Libro del Año según Babelia. «Recién aparecido en Estados Unidos ya ha arrasado en los suplementos literarios y tiene todos los puntos para convertirse en un libro de culto.»
Sergio Vila-Sanjuán, La Vanguardia «Lucia Berlin pasó su vida en la oscuridad. Ahora se la reverencia como a un genio literario.»
Brigit Katz, The New York Times Con su inigualable toque de humor y melancolía, Berlin se hace eco de su vida, asombrosa y convulsa, para crear verdaderos milagros literarios con episodios del día a día. Las mujeres de sus relatos están desorientadas, pero al mismo tiempo son fuertes, inteligentes y, sobre todo extraordinariamente reales. Ríen, lloran, aman, beben: sobreviven. * Uno de los mejores libros del año según The New York Times, The Guardian, NPR y The Boston Globe. * En la lista de los más vendidos en Estados Unidos desde su publicación. * Traducida a más de 14 idiomas. Reseñas:
«Hacía tiempo que no leía nada tan impactante: su aterradora belleza deja sin aliento.»
Rosa Montero «La última sensación literaria de Estados Unidos es una autora con una vida de película. Crítica y público se rinden a su obra. Al fin llegó la hora de Lucia Berlin.»
Andrea Aguilar, El País «Maldita, brillante, rescatada. Uno de los fenómenos literarios del momento. Una Raymond Carver.»
Laura Fernández, El Mundo «Leer a Lucia Berlin ha sido una de las grandes satisfacciones lectoras de los últimos meses. Emocionante, de saltarse las lágrimas, entre la ironía y la inmensa ternura.»
Laura Revuelta, Abc.es «Milagros de la posteridad, del olfato editorial o de la justicia poética, la autora está más viva que nunca. Ahora resucita y se la compara con Raymond Carver. (¿Estará mal decir que me parece mejor que él?).»
Rodrigo Fresán, Vanity Fair «Creo que nunca he leído a una mujer más inteligente, sensible, tierna y valiente que Lucia Berlin.»
José María Guelbenzu, Babelia «¿Cómo explicas los cuentos de Berlin? ¿Cómo resumes la carnalidad, el desequilibrio, la sensación de peligro, un estilo que te corta las entrañas como un bisturí pero que al mismo tiempo te hace sonreír y sentir una envidia inconfesable de unas vidas vividas siempre al límite de la catástrofe y la locura? Me arriesgaré a ponerme pesado: leed Manual para mujeres de la limpieza. »
Sergi Pàmies, La Vanguardia («Then we take Berlin») «Unos relatos precisos y vivos en los que nada sobra. Un derroche de maestría literaria.»
Elena Méndez, La Voz de Galicia «No es un sueño. Lucia Berlin existió. Pero he tardado décadas en encontrarla. Un tesoro literario de primera magnitud. Berlin es verdad de principio a fin, auténtica y divertida.»
Marta Reyero, Cuatro.com «Una verdadera maravilla.»
Rosa Regás, El Diario Vasco «Apabullante. Fenomenal. Divertidamente desesperado.»
Enric González, Jotdown «Publicado póstumamente, este volumen reúne 77 relatos llenos de dolor, ternura y humor, que descubren la importancia de lo insignificante en lo cotidiano, y el horror de existir siendo mujer, pobre y alcohólica.»
El Cultural

Escocia, años cincuenta. El cadáver desnudo de una mujer aparece flotando en un canal. El joven que la encuentra, Joe, trabaja como ayudante en una barcaza que transporta carbónn de Glasgow a Edimburgo.

El título de estas memorias procede de unos versos de Miguel Hernández: «... un día / se pondrá el tiempo amarillo / sobre mi fotografía». A través de más de 600 páginas, pese a que el autor dijo una vez que no le gustan nada los libros gordos y que «es mucho mejor no fiarse de las memorias», El tiempo amarillo brinda al lector una mirada muy personal sobre varias décadas de nuestro país, y también sobre sí mismo. En ella analiza su vida como colegial, cómo adquirió conciencia de clase, sus intereses políticos o hasta las memorias que tomó como referencia para escribir las suyas.

John Belushi murió a los treinta y tres años ejecutado por su volcánica exuberancia (y por una exuberante dosis de speedball) en un lujoso hotel de Sunset Boulevard. Esa muerte es el arranque de una indagación que conducirá a Bob Woodward, cobestia negra de Richard Nixon, hasta las aromáticas vísceras del show business norteamericano donde convergen la televisión, el rock 'n' roll y el séptimo arte. Para relatar la portentosa vida del humorista y plasmar la estridente fanfarria que rodeó su ascensión y su tragedia, el infatigable reportero tuvo que manejar un heterogéneo aluvión de materiales (diarios, cartas, inventarios, facturas, diagnósticos, etc.) y, sobre todo, entrevistar extensamente a una caterva formada por 217 celebridades, fantasmas y medianías: la viuda del difunto, compañeros de armas y fatigas como Dan Aykroyd, actores y directores como Chevy Chase, Robin Williams, Carrie Fisher Steven Spielberg o Jack Nicholson, prohombres de la industria cinematográfica, policías, matones, traficantes, músicos, vividores y otros interesantes especímenes del submundo adherido a las candilejas. Todos sabían que el bólido se dirigía al abismo, pero sus amigos fueron incapaces de detenerlo y sus satélites siguieron proporcionándole el combustible que lo mantenía en marcha (una marcha, por cierto, tan ruidosa como rentable): la «gran vida» de Nueva York o Hollywood tenía esos feroces inconvenientes. Bob Woodward dibuja en este libro un meticuloso, conmovedor y en ocasiones despiadado retrato de una época y de un individuo que vivió demasiado y lo perdió todo a manos de su insaciable antojo.

El 22 de noviembre de 1978, un desconocido jugador negro del West Bromwich Albion causó la admiración de toda Europa firmando una magnífica actuación ante el Valencia de Mario Kempes. Su nombre era Laurie Cunningham, pero desde ese día sería conocido como The Black Pearl.
Hijo de inmigrantes jamaicanos, Cunningham fue el primer jugador negro en representar a Inglaterra en partido oficial. Poco después, y tras un fichaje de cifras astronómicas, se convirtió en el primer inglés en vestir la camiseta del Real Madrid. A lo largo de su carrera también pasaría por las filas del Leyton Orient, Manchester United, Olympique de Marsella, Leicester City, Wimbledon FC, Rayo Vallecano y Real Sporting de Gijón. 
Este libro no sólo narra la historia de un futbolista especial, un artista en una época de fajadores; sino también la de un dandi vestido de corto, un hombre sensible apasionado por la música, el baile y la moda, que tuvo que hacer frente a todo tipo de prejuicios en un momento en que el racismo campaba a sus anchas por las gradas. Un jugador que ha trascendido lo meramente futbolístico para acabar convirtiéndose en un auténtico icono pop.
Prólogo de Carles Viñas

Seleccionada como una de las mejores biografías del año 2018 en los Sports Book Awards

“Yo Fui Un Mutante Adolescente”, tercer libro de Marco “Sr. Mutante” Sánchez es una recopilación de artículos, reflexiones y anécdotas vinculadas en su mayoría a la escena del Rock & Roll tal y como la vivió en su juventud el sector poblacional conocido como "generación X". Casi 300 páginas en los que se habla de fanzines, radios libres, sellos discográficos, tatuajes, motocicletas, conciertos memorables y bandas icónicas entre otros asuntos, todo ello relatado desde la subjetiva mirada del autor, con una perspectiva intergeneracional con la que a buen seguro se sentirán identificad@s buena parte de los rockandrollers hoy cuarentones y cincuentones.

A principios de la década de los noventa, un popular locutor de radio reaccionario acuñó el término «feminazi» y un estudio detectó que las jóvenes tendían a comenzar a odiarse a sí mismas durante la adolescencia. Fue un momento difícil para ser una chica y crecer con promesas de igualdad de derechos que nada tenían que ver con la realidad. Las tasas de agresión sexual alcanzaron niveles récord; el acoso sexual era muy común en las universidades, los chicos seguirían siendo chicos y las chicas todavía tenían que vigilar cómo se vestían y por dónde caminaban. Fue suficiente para que una quisiera gritar. El Riot Grrrl se convirtió en el centro de atención en 1991: un movimiento intransigente de tías cabreadas que no tenían paciencia para el sexismo ni estómago para la doble moral ni intención de quedarse calladas. Bandas incendiarias de punk como Bikini Kill liderada por la profética Kathleen Hanna, Bratmobile o Heavens to Betsy hicieron correr la voz. Decenas de riot grrrls publicaron fanzines, fundaron colectivos locales y organizaron convenciones, y el movimiento se extendió desde sus orígenes en Washington D.C. y Olympia hasta el Medio Oeste, Canadá, Europa y más allá. "Las chicas al frente" es la historia del movimiento Riot Grrrl: una crónica lírica en clave punk de un grupo de mujeres jóvenes extraordinarias que alcanzaron la mayoría de edad cabreadas, colectiva y públicamente. En una época en que Estados Unidos pensaba que el feminismo estaba muerto, una generación de chicas escandalosas se alzó para demostrar que todos estaban equivocados.

La esperada reedición, tras más de dos décadas descatalogado, de una de las obras monumentales del pop enérgico y el rock and roll en su momento más dulce y salvaje escrito por el «padre» de la crítica musical.

Edición de Servando Rocha. Hubo un tiempo, no hace mucho, en que el tatuaje estaba reservado a una tropa formada por criminales, apaches, presidiarios, legionarios, prostitutas, anarquistas o marineros. Aunque también se puso de moda entre la realeza europea o exhibía en circos y espectáculos de fenómenos. Su uso, un código secreto en manos de fueras de la ley, despertó la fascinación e interés de numerosos antropólogos, criminólogos y médicos que, siguiendo las ideas del italiano Cesare Lombroso –padre de la antropología criminal–, veían en el tatuaje un signo de atavismo y predisposición a la locura, violencia y asesinato, y los tatuados rarezas y seres misteriosos.
En España, desde que en 1888 Rafael Salillas, nuestro «pequeño Lombroso», mostrase su colección de tatuajes de delincuentes patrios, los tatuados, que fueron fotografiados y estudiados, sembraron el terror y desconcierto: oleadas de apaches con el cuerpo cubierto de dibujos obscenos y llamadas a la venganza, llegaban a ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao, entre otras, al tiempo que defendían la bohemia más hampona. Más tarde, milicianos y falangistas ocultaban –o directamente se arrancaban– aquellas marcas delatoras (hoces y martillos, yugos y flechas en brazos y pechos) que podían costarles la vida y los legionarios "una auténtica subcultura tatuada" llenaban sus cuerpos con cruces, vírgenes y nombres de sus amadas. También quinquis, pandilleros, motoristas y rockers fueron pioneros en mostrar aquellas «cicatrices parlantes», como llamaron al tatuaje los mandos policiales y militares.
Durante un siglo el tatuaje fue «criminal» y marginal, hasta que en 1989, el fotógrafo y tatuado Alberto García-Alix abrió las puertas de la tienda y estudio de tatuajes El Martillo de Lucifer, donde comenzaría su imparable popularización con Mao, legendario tatuador que en los ochenta tatuaba a la marina estadounidense en Rota, como una de sus grandes estrellas. Lo que vino a continuación ya lo sabemos: el tatuaje y aquel sorprendente estilo de la «vieja escuela» se convirtieron en masivos, elevándose a la categoría de arte y perdiendo el aura de peligro del pasado.
Servando Rocha, editor de esta obra única en nuestro país, investigó y rescató antiguos tratados médico-legales, fichas policiales y numerosas fotografías «perdidas» en el tiempo prácticamente nunca vistas, para construir un relato visual de un siglo de «ángeles bellos» y «bárbaros tatuados», junto a espectaculares colecciones criminológicas francesas, mexicanas o alemanas, haciendo de CRIMINAL el gran libro ilustrado del tatuaje de aquella España brutalista, esa que mostró con orgullo y desafío puñales, calaveras y corazones sangrantes. 

El primer libro de Bob Dylan desde 2004: un logro artístico crucial, y una destilación de lo que ha aprendido sobre su ocio desde su debut en los años sesenta. Este libro incluye más de sesenta ensayos centrados en canciones de otros artistas, que van desde Stephen Foster hasta Elvis Costello, pasando por Hank Williams o Nina Simone. Dylan analiza lo que llama la trampa de las rimas fáciles, desglosa la forma en que una sola sílaba puede malograr una canción e incluso explica la relación entre el bluegrass y el heavy metal.Estos ensayos, escritos en la prosa única de Dylan, son misteriosos y volubles, agudos y profundos, y muchas veces nos hacen reír a carcajadas; y, aunque claramente van sobre música, en realidad son meditaciones y reexiones sobre la condición humana.Repartidas por todo el libro hay cerca de ciento cincuenta fotos cuidadosamente seleccionadas, además de una serie de textos como salidos de un sueño que, juntos, parecen un poema épico y contribuyen a la trascendencia del conjunto.

Una banda que es más que una banda, un fenómeno que lleva décadas seduciendo a un público que los redescubre con cada nueva generación. Uno de los frutos más genuinosFormada en el Nueva York de finales de esa década por los nacidos en Ohio Lux Interior (Erick Purkhiser) y Poison Ivy Rorscharch (Kirsty Wallace), los Cramps no solo dieron origen al psychobilly, sino que también dejaron detrás un insuperable legado de arrasadoramente bueno y primario rockÆnÆroll. Lux Interior era como el monstruo de Frankenstein reconstruido con partes de Gene Vincent y Eddie Cochran, mientras que Poison Ivy, con su mirada láser capaz de cortar titanio, era una de las mujeres más formidables del rock. Con entrevistas inéditas hasta ahora con Ivy, Lux y el resto de los miembros de la banda, ilustraciones y una completa discografía, este libro recorre toda la historia de los Cramps, desde sus orígenes hasta su final, con la inesperada muerte de Lux en el 2009, en lo que supone también a un viaje a una época irrepetible, el Nueva York donde cristalizó la creatividad más desbordante, y que se convirtió en el centro de la música.

Contenidos: L7, Faith No More, Suicidal Tendencies, Redd Kross, Biohazard...

Contenidos: Motley Crue, Jon Spencer Blues Explosion, Marilyn Manson, Fear Factory, Sick Of It All, Manowar, Son Volt...

A lo largo de quince números publicados entre 1985 y 1989, nos introdujo en el universo de personajes excesivos como Girly Girl & Chuckie-Boy, el reaccionario Studs Kirby, el inadaptado Junior, los habitantes de los suburbios Chet y Bunny Leeway, the Goon on the Moon o los personajes estrella marca Bagge, los Bradley...

A lo largo de quince números publicados entre 1985 y 1989, nos introdujo en el universo de personajes excesivos como Girly Girl & Chuckie-Boy, el reaccionario Studs Kirby, el inadaptado Junior, los habitantes de los suburbios Chet y Bunny Leeway, the Goon on the Moon o los personajes estrella marca Bagge, los Bradley...

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Río Veneno narra la vida de Luba desde su nacimiento hasta su etapa adolescente como amante de un músico y vividor con un extraño fetiche. Una intrincada historia llena de secretos por descubrir donde las habilidades de Beto para retratar la complejidad de su personaje central brillan con luz propia. A través de la maraña de neurosis de la protagonista, asistiremos a la progresiva irrupción de la mujer resoluta e impulsiva en la personalidad de una chiquilla esencialmente inocente.

Javi Royo, Sergio Jiménez, Bernardo Vergara, Pedro Vera, El Rey de España, Pro, Abel Ippólito, Manolo Hidalgo, Pepe Farruqo, Akuña, Ricardo, Jali, valentin ponsa, Enrique Carlos, Monsalvet, Paco Alcázar, Gozzer, Álex de la Iglesia, Natxo Allende, L'Aranya, Busquet, Buil, Del Peral Pineda...

- Has hecho un buen trabajo, después de todo. De profesional. ¿No te pone cachondo golpear a alguien así?
- Cállate.

Si se me cayera un billete en el interior del cráneo de Miguel Angel Martín me lo pensaría dos veces antes de entrar a recogerlo.
(Jordi Costa, El Tebeo Del Saló)

Sin duda la revista de comics más transgresora e imprescindible!!!

Peter Bagge ha revolucionado Estados Unidos con Odio, el retrato más divertido y fiel de la juventud de esta década.
(Xabier Menéndez, Playboy)

Sin duda la revista de comics más transgresora e imprescindible!!!

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Contenidos: MC5, Willy De Ville, Finger, Buzzcocks, R.E.M., Tv Personalities, Zappa, Long Ryders, John Coltrane, Vancouvers...