KIOSKO

Greenwich Village, Nueva York. Principios de los años 60. Un joven romántico de aspecto desaliñado y una post adolescente idealista de ascendencia italiana se conocen y se enamoran. Él es Bob Dylan; ella Suze Rotolo. Un par de años después de comenzar una breve pero intensa relación, se fotografiarán juntos caminando por las calles nevadas de la ciudad, dando lugar a una de las imágenes más icónicas de la historia de la música popular. Es la portada de «The Freewheelin'», segundo disco del aclamado cantante, que acabaría por encumbrarlo a la fama, con himnos generacionales tan emblemáticos como «Blowin' in the Wind» o «Don't Think Twice, It's All Right».

Este libro son las memorias en primera persona de Suze Rotolo. De la época que pasó en compañía de una de las figuras clave de la revolución cultural de unos años, los 60, tan embebidos de idealismo y utopía. Un lugar y un tiempo en los que el arte y la política parecieron conspirar y aliarse para cambiar la vida definitivamente a mejor. Aunque no solo.
«A Freewheelin' Time» recupera la figura de Suze Rotolo quien, como en el caso de tantas otras mujeres, parece haber quedado relegada a pasar a la posteridad simplemente como «la chica de la portada». ¿Quién fue Rotolo, más allá de su relación con Dylan? ¿Cuál fue el magma cultural y político sobre el que se asentó el espíritu de una revuelta juvenil que tuvo la fuerza de cambiar tantas cosas en tan poco tiempo? ¿Cómo vivió aquellos años decisivos desde dentro?

Con un elenco de secundarios que incluye a personalidades tan dispares como Fidel Castro, el Che Guevara, Phil Ochs, Joan Baez o Andy Warhol, este libro radiografía toda una época, a través de la figura de Bob Dylan, desde una perspectiva alternativa, insólita y sorprendente.


«Los sesenta fueron una época alucinante, marcada por la protesta y la rebelión [?] Fue también un recorrido para salir de los tiempos en los que se vivía ?para escapar de la moral rígida y constrictiva de los años cincuenta?. Los beats ya habían agrietado la pared y nosotros, la nueva generación, derribamos el muro. Avanzando con el pasado bajo el brazo, estábamos listos para conquistar el futuro. Aquella época se ha convertido ahora en un tiempo histórico formado por testimonios, canciones y titulares. Hay muchísimos relicarios de aquellos años en la vida americana. Este es el mío.» SUZE ROTOLO

Kim Gordon dio a luz a principios de los 80, junto con el que sería su marido, Thurston Moore, y el guitarrista Lee Ranaldo, a uno de los grupos más innovadores, influyentes y prolíficos de la escena musical independiente norteamericana, Sonic Youth. «La chica del grupo» es el relato en primera persona de uno de los grandes iconos femeninos del rock, una mujer que, como Patti Smith, Janis Joplin o Marianne Faithfull, supo encontrar su lugar en un mundo fundamentalmente masculino y, a menudo, sexista.
Dotada de un singular talento e inquietud para lo creativo desde su temprana juventud, Kim Gordon narra en estas apasionantes memorias el devenir de una vida dedicada a la música, al arte -su obra artística, entre la pintura y la instalación, ha sido expuesta en relevantes galerías-, la moda -fue una de las creadoras de la marca X-Girl- y, en menor medida, la interpretación -ha trabajado como actriz a las órdenes de directores como Gus Van Sant, Olivier Assayas o Todd Haynes-, pero también su fecunda historia de amor con Thurston Moore. Sin embargo, la que fuera una de las parejas del rock más longevas y creativas se disolvió tras veintisiete años de matrimonio, poniendo también punto y final a la trayectoria de un grupo que marcó un antes y un después en la música alternativa de los 80 y los 90. Gordon relata con una angustia aún latente cuando descubrió que su marido la engañaba con otra mujer y cómo, después de una retahíla de engaños y mentiras, decidió separarse de él definitivamente.
Kim Gordon también rememora la electrizante escena musical y artística de Nueva York y algunas de las canciones más celebradas y perdurables de Sonic Youth como «Death Valley '69», «Schizophrenia» o «Kool Thing», y recuerda con especial cariño su cálida amistad con Kurt Cobain, el líder de Nirvana.

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal ?en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad? donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

Un retrato luminoso del más genial y revolucionario cantaor. Cuando nació el niño José Monje Cruz, hijo de una canastera y un herrero, pocos podían imaginar que aquel gitanillo rubio se convertiría en el mayor icono musical español del siglo XX. Porque Camarón, que así lo apodaron, renovó y amplificó la música flamenca desde la isla de su San Fernando natal hasta llegar a medio mundo y luego al mundo entero. En esta preciosa biografía ilustrada aparece el joven Camarón en la Venta de Vargas, encandilando ya a figuras de la talla de la Niña de los Peines o don Antonio Mairena. Luego viene el salto a los tablaos de Madrid, donde adquiere fama de bohemio y rebelde, y también sus años con Paco de Lucía y Tomatito, así como la mítica grabación del disco La leyenda del tiempo, piedra de toque del flamenco moderno. Sigue la avalancha de los años ochenta (y sus claroscuros), la consagración en festivales internacionales y el fin precoz de su vida a los 41 años. Desde entonces una estrella brilla con especial intensidad en el cielo de los flamencos... porque Camarón vive.

Esta novela es una odisea existencialista a través del fascinante Londres de posguerra. Una historia de angustia vital de resonancias sartreanas contada a ritmo de modern jazz. Su publicación en 1961 convirtió a su autora, Laura Del-Rivo, en una celebridad durante los primeros sesenta; pero ella nunca abandonó la escena bohemia y la cultura oficialista no tardó en dejarla de lado. West 11, su primer libro, nos permite asomarnos un (sub)mundo que hace mucho tiempo que dejó de existir.

En mayo de 1968, mientras los estudiantes franceses buscan la playa que se esconde bajo los adoquines de París, Inés Palou entra en prisión. Condenada por estafa, sus siguientes años serán un calvario que la arrastrará por diferentes cárceles españolas. Unas cárceles anacrónicas y superpobladas de atracadoras, drogadictas, hippies extranjeras y mujeres acusadas de abandono de familia. Allí, sobre jergones sucios y bajo la mirada de monjas y guardianas, Inés le da vueltas a la razón de ser de las prisiones, reflexiona sobre su desgracia y se enamora de otra presa.
A su salida de prisión escribe esta novela en la que cuenta su experiencia a través de Berta, su alter ego. Con un lenguaje cercano nos muestra el ecosistema carcelario del tardofranquismo. Un mundo oscuro, aplastado por el peso de las contradicciones de una dictadura que se resiste a morir. El resultado es un documento de un valor incalculable, uno de los pocos —puede que el único— libro de memorias carcelarias escrito por una presa común en nuestro país.

El Templo de la Juventud Psíquika es una sociedad oculta fundada en el Reino Unido en 1981 con el objetivo de liberar los poderes que residen en la mente humana. Su cara más visible fue la banda Psychic TV, liderada por Genesis P-Orridge, y en sus rituales participaron miembros de grupos como Soft Cell, Coil, Alternative TV, Skinny Puppy o Current 93.
Aquí se reúnen los documentos principales de la Juventud Psíquika. Escrito por varias plumas de entre las que destaca la de P-Orridge, encontrarán ensayos filosóficos, relatos históricos sobre el Templo, crónicas de rituales musicales y sexuales, cut-ups, tratados sobre simbología sigilística e instrucciones prácticas para llevar a cabo actos de magia. Un manual de rebelión psíquika y autoafirmación para despertar del sueño sin sueños.

Prepárate para descubrir una de las grandes historias de la música americana: la hermosa y trágica saga de los Louvin Brothers, quizás el mejor y más influyente dúo de góspel y country que haya existido jamás? y sin duda el más turbulento. Nacidos en los años veinte en Alabama, en la zona sur de los Apalaches, los hermanos Louvin no podían ser más distintos entre sí. Charlie Louvin era un joven respetuoso, devoto y temeroso de Dios, pero su hermano Ira, que en otro tiempo había ido para predicador, vivía atormentado por todo tipo de diablos; veleidoso, mujeriego y alcohólico, se labró una merecida reputación de «hombre salvaje» debido a su costumbre de destrozar sus mandolinas sobre el escenario, acabar a golpes con miembros del público tan borrachos como él e insultar a Elvis Presley.
La autobiografía de Charlie Louvin, coescrita junto al novelista Benjamin Whitmer, plasma con crudo detalle su infancia en una pequeña granja familiar durante los años de la Gran Depresión, cuando la música y la religión eran la única huida a una existencia ruda y embrutecedora, marcada por la escasez y las cosechas del algodón. Charlie e Ira encontraron una salida en las tremebundas baladas tradicionales que les legó su madre y en las canciones espirituales que aprendieron en la iglesia, pero el explosivo y a la vez restrictivo ambiente de la música country en los años cincuenta y sesenta que les abrió las puertas de la fama también acabó por ser su perdición. Satán es real es la épica historia de dos hermanos unidos por el amor, el odio, la religión, la carretera, la sangre y la música.

Desde las columnas de Melody Maker, The Wire, Spin, Rolling Stone, y en cada uno de sus libros publicados, Simon Reynolds se propuso deconstruir el discurso del pop sometiéndolo a una disección ideológica que sin embargo no le ha impedido abandonarse a sus placeres. Su mayor logro deconstructivo es haber eludido las dos grandes metodologías analíticas de la crítica de rock (el 'lirocentrismo' y la interpretación sociológica) para focalizarse en la materialidad sonora y considerar las políticas del sonido implicadas en las distintas estrategias compositivas del pop. La suspensión del lenguaje en el noise, las regresiones oceánico-místicas del acid-rock, la preponderancia de la tríada timbre/textura/cromatismo por sobre la melodía y el mensaje en el post-rock y la música electrónica conforman un continuum psicodélico que recorre la historia del pop y que manifiesta la fascinación de Reynolds por las cualidades extáticas de la música, su potencia alucinatoria de disolución del ego y de las estructuras de poder que se alojan en la mente. Junto con estos aspectos sonoros y de manera complementaria, cuestiones como el fascismo de la imagen en Madonna, el dog fight y la esquizofrenia paranoica del hip hop, la atracción del postpunk por la cultura negra, los modos de sociabilidad implicados en la cultura rave y la función de la interfase tecnología-droga en el desarrollo de la música permiten a Reynolds indagar en la economía política del pop y las políticas de clase, raza y género que esconde. En su primera traducción al español, los textos seleccionados en este volumen recorren las principales líneas de reflexión del crítico de rock de habla inglesa más importante de los últimos veinte años y sus inquietudes actuales respecto del futuro de la música, en un contexto en el que las posibilidades de las nuevas tecnologías ha transformado sus potrones de producción, circulación y recepción para siempre.

Bob Gruen is one of the most well-known and respected photographers in rock and roll. From John Lennon to Johnny Rotten; Muddy Waters to the Rolling Stones; Elvis to Madonna; Bob Dylan to Bob Marley; Tina Turner to Debbie Harry, he has documented the music scene for more than fifty years in photographs that have captured the world’s attention.
In Right Place, Right Time, Gruen recounts his personal journey from discovering a love of photography in his mother’s darkroom when he was five, through his time in Greenwich Village for 1960s rock and 1970s punk, to being named the world’s premiere rock photographer by the New York Times. With fast-paced stories and iconic images, Gruen gives the reader both a front row seat and a backstage pass to the evolution of American music culture over the last five decades. In the words of Alice Cooper, “Bob had the ultimate backstage pass. Can you imagine the stories he’s got?”

La historia íntima de un joven chicano queer que creció en un suburbio de Los Ángeles a mediados de los setenta y se convirtió en guitarrista de bandas tan influyenteCuando una devastadora tragedia personal aplastó sus sueños de adolescente, Kid Congo Powers encontró consuelo a través del fandom, como fundador del club de fans de los Ramones de la costa oeste. Un encuentro casual con otro inadaptado punk chicano que dirigía el de Blondie, ⸺Jeffrey Lee Pierce, en la fila del Whiskey-A-Go-Go para entrar a un concierto de Pere Ubu, cambió el curso de su vida. Pierce le propuso formar una banda. Nació así The Gun Club, y comenzó la que parecía una improbable transición de admirador hasta artista. En Pierce encontró hermandad, una voz creativa y una causa común por la autodestrucción que se alargaría durante años. Extravagante, graciosa y conmovedora, con una evocación perfecta del tiempo y el lugar, el libro es una memoria de transformación personal, adicción y recuperación, amistad y pertenencia, en contraste con la implacable creatividad y el exceso de las escenas musicales underground de los las décadas de 1970 y 1980.

Little Richard abrió el camino para generaciones de músicos: los Beatles, James Brown, los Everly Brothers, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Elton John, PrinceLa lista es interminable. Él era «el Origen», «el Innovador» y el autoproclamado «Rey y Reina del rock and roll». Cuando falleció el 9 de mayo de 2020, La gran vida de Little Richard, que estaba casi terminado, se actualizó inmediatamente para cubrir la respuesta internacional a su muerte. Esta es pues la gran biografía de Richard Wayne Penniman de Macon (Georgia, Estados Unidos), quien fue, hasta su fallecimiento, el último dios vivo del rock, el gran Little Richard. Mark Ribowsky, aclamado biógrafo de íconos musicales, explora la maestría musical de Little Richard, su vida familiar, su lucha contra el racismo, sus relaciones con otros personajes famosos de la época y con los medios de comunicación, y su eterno conflicto interior entre su religión y su sexualidad.

Estar o no estar en el Rollo; esa era la cuestión. Porque bajo la férula de una cultura oficial apergaminada y el ringorrango de otras costumbres apostólicas subyacía en la España de 1975- un flujo contestatario al margen del panfleto volandero y las directrices del partido. ¡Coño, el Rollo Macabeo! Rock en vivo o enlatado en FM. Tebeos cachondos, Star Books y Ajoblanco. Un canuto, vino tinto y dos tripis. Vibraciones, Popular 1 y Disco Expres. El festival de Burgos y el de Canet. Zeleste y M&M. Clapton Is God y la Mahavishnu Orchestra Ingredientes de un caldo gordo que se cocía a fuego lento en los fogones de aquel underground castizo y deficitario. Un guiso de pesada digestión para los guardianes del orden y de los principios fundamentales del Movimiento que nada entendían de flash o Mellotron. Y como remate un obituario sintético. Cuatro palabras cargadas de futuro: Españoles, Franco ha muerto Para acto seguido salir la tropa por peteneras: ¡Viva el Rollo!

NOTHIN' BUT A GOOD TIME recoge más de doscientas entrevistas a músicos, productores, ingenieros, ejecutivos de sellos discográficos, estilistas, diseñadores de vestuario, fotógrafos, groupies y parásitos en general. Este relato sin filtros de una época volátil e incomprendida abarca desde las primeras grabaciones y conciertos autofinanciados tan llamativos como temerarios, pasando por los años de gloria y platino de himnos y baladas que sacudieron estadios gracias a MTV, hasta el colapso final, en el que bandas grunge como Nirvana cambiaron para siempre la industria musical.

El sábado 9 de agosto de 1969, tras una alerta de posible homicidio, tres agentes de policía acuden a la vivienda de la actriz Sharon Tate —la mujer del director de cine Roman Polanski, embarazada de ocho meses— situada en el 10050 de Cielo Drive, en el opulento barrio angelino de Bel Air. En la mansión, descubren los cuerpos salvajemente asesinados de la actriz y otras cuatro personas en lo que parece un crimen ritual.
Al día siguiente, no muy lejos, en el barrio de Los Feliz, encuentran los cadáveres acuchillados del matrimonio Leno y Rosemary LaBianca. En el cuerpo de la mujer se identifican posteriormente cuarenta y una heridas de arma blanca. En tres puntos del domicilio, alguien ha dejado escrito, con la sangre de una de las víctimas, unas extrañas proclamas.
La errática investigación que siguió a estos bestiales asesinatos —que al principio no se relacionaron entre sí, a pesar de las coincidencias— basculó entre la estupefacción y la impotencia. ¿Quién había cometido aquellas atrocidades? Y ¿por qué? Mientras los titulares de la prensa de toda Norteamérica alimentaban la conmoción y el estupor, y las especulaciones sobre los sospechosos y los móviles se sucedían, la investigación iría apuntando a un grupo de jóvenes que se había establecido en el árido entorno del rancho Spahn —un antiguo escenario natural de westerns al norte de Los Ángeles reconvertido en comuna hippy— liderados por Charles Manson —alias Jesucristo—, cuyo poder e influencia sobre el grupo —la Familia— llegarían al punto de lograr que
mataran siguiendo sus oscuros designios.
El autor de este clásico de la literatura criminal, el fiscal Vincent Bugliosi, tomó las riendas de uno de los casos más extensos e intrincados de la historia judicial norteamericana, y, además de relatar con una precisión y rigor deslumbrantes los pormenores de los crímenes y del proceso judicial que generaron, compuso un retrato portentoso y aterrador de la «Familia Manson» y de su líder, uno de los iconos más terribles y perdurables de la cultura popular. Tras cincuenta años de los infames asesinatos, presentamos la edición más completa del libro, que incluye un posfacio del propio Bugliosi de 1994 y una profusa selección de imágenes.

«TENGO PASIÓN POR LA PAZ Y CREO QUE EMPIEZA CON EL RESPETO POR LOS ANIMALES.» Linda McCartney

Linda McCartney fue una precursora de la cocina sin carne y compartió con su familia el placer de comer de manera respetuosa con los animales. Ahora, Paul, Mary y Stella han revisado y actualizado las mejores recetas de Linda en una extraordinaria recopilación que se adapta perfectamente a los gustos actuales.
Los platos favoritos de la familia McCartney como la ensalada de espinacas, aguacate y setas, el tabulé de quinoa, los fideos de arroz con edamame, brócoli, jengibre y ajo, el risotto de setas con hierbas, las lenjejas al curry o la tarta de queso con fresas, son solo algunas de las recetas de origen vegetal sencillas, nutritivas y sostenibles que contiene este atractivo libro.
Acompañado de historias personales y de fotos familiares íntimas realizadas a lo largo de tres décadas, La cocina familiar de Linda McCartney no solo es un libro bueno para ti sino que lo es para todo el planeta.

«Linda fue una de las pioneras del vegetarianismo, y el movimiento actual le debe mucho. Estoy muy orgulloso de ella y de todo lo que hizo. Si estuviera entre nosotros estaría encantada con esta revolución vegetal.» Paul McCartney

Divine es mucho más que aquello que sabemos de él. Su historia es la de un chaval de Baltimore acosado por otros niños que tuvo la suerte de toparse un día con otros marginados (el cineasta John Waters y su troupe cinematográfica) que le aceptaron y le quisieron sin condiciones. También es el relato de alguien que consiguió tirar de disciplina y sentido del humor para exagerar todo aquello que los demás odiaban de él y proyectar su ira contenida en los revolucionarios e inolvidables personajes a los que dio vida durante su carrera. Pero, sobre todo, es la historia de un artista serio y perseverante que deseaba con todas sus fuerzas ser famoso y lo logró, revolucionando por completo la cultura pop del siglo XX. 
"La figura de Divine, en todo su concepto, sigue siendo hoy un revulsivo, más aún si tenemos en cuenta que una parte del colectivo LGTBQ camina hacia lo puramente normativo. Su imagen, con la lengua fuera o guiñando un ojo, nos sigue diciendo que se puede ser bella con más de cien kilos. Que el exceso de maquillaje nunca es exceso y que la libertad no debería de tener límites. Le bastó tan solo una decena de largometrajes y unas cuantas canciones para dejar huella. Una huella imborrable que ahora Álex Ander logra reivindicar, con cariño y meticulosidad. No lo duden, Divine es inmortal." Del prólogo de Valeria Vegas

Segunda entrega de la antología de nuestro "long seller" -y secuela de- REACCIONES PSICÓTICAS Y MIERDA DE CARBURADOR (con artículos inéditos)Desde su inefable irrupción a finales de los sesenta hasta su temprana muerte en 1982, Lester Bangs fue uno de los críticos más prolíficos ùde rock, jazz, pop y demás hibridaciones y sucedáneosù en los Estados Unidos (lisérgicos). En ese breve lapso, al tiempo que revoluciona el oficio al más puro estilo gonzo, y da forma y un nuevo sentido al cometido del crítico musical, se batiría el cobre prestando sus servicios a Creem, The Village Voice, Rolling Stone y otras cabeceras del submundo conocido; sin dejar de escribir, por su propia cuenta y riesgo, y para su propio deleite, espoleado por ínfulas literarias para las que no hallaría consuelo ni editor. De entre los miles de páginas alumbradas por tan ilustre grafómanoùy que siguen enmoheciendo entre legajos, borradores,manuscritos e indescifrables apuntes celosamente custodiadospor familiares y demás afectos a la causaù en esta segundaincursión John Morthland traza una nueva de hoja de ruta que,a diferencia de la cartografiada por Greil Marcus, acierta aincluir también algunas de esas perlas inacabadas llamadas aformar parte de esa otra faceta literaria ùque no pudo cultivarcomo hubiera sido su deseoù y que, de parecido modo a comohiciera Marco Cassini en Italia, agrupamos, a modo de apéndice,en el capítulo ...y otros delirios impublicables. Segundo volumen de prosas reunidas, en suma, que complementala labor emprendida con Reacciones psicóticas y mierdade carburador, la primera y ya clásica antología de la obra deBangs. Se incluyen en este, además, extractos de una obraautobiográfica que escribiera en su más turbia adolescencia,así como crónicas de sus viajes y, por supuesto, semblanzas,reseñas, críticas y toda suerte de ensayos breves que abarcandesde los desvaríos de consagrados tunantes como Miles Davis,Lou Reed y los Rolling Stones hasta individuos algo más esotéricoscomo Brian Eno, David Byrne y Captain Beefheart. Sea comofuere, de imprescindible lectura para cualquier persona moderaday/o irremediablemente interesada en la historia del rock.

Memorias de R. Crumb, remembranzas y otras chanzas es una nueva aproximación a la vida, tribulaciones e ¡deas de uno de los dibujantes de cómics más influyentes de los últimos cuarenta años. Una autobiografía visual irónica, autocrítica y cándida, que nos conmueve al tiempo que nos desvela los secretos mejor guardados de uno de los iconos culturales de la contracultura norteamericana. Crumb nos ofrece aquí una visión reflexiva y clarividente de la cultura popular del siglo XX repleta de humor,
sátira y provocación, y nos muestra sin ambages los puntos débiles de la vida moderna, una pesadilla urbana de flaquezas, lujurias, angustias y crueldades que bajo su lupa burlesca se agrandan y adquieren proporciones monstruosas. Entretejido a esta crítica, discurre el relato surrealista de su peripecia vital, desde su atormentada infancia en los años cuarenta hasta la actualidad, pasando por su primera madurez artística durante la revolución psicodélica de los sesenta. Con más de 50 fotografías personales y 300 ilustraciones extraídas de cuadernos de bocetos, libros de cómics y exposiciones, en estas memorias, gracias la paciente oficio de Peter Poplaski como escriba y confidente, cuenta las cosas como son.

A los 20 años de su muerte, ve la luz por fin la primera antología de sus canciones: la vida del «El hombre de negro» revelada a través de sus letras, con fotografías inéditas del archivo familiar e innumerables curiosidades aportadas por conocidos, amigos y familiares, en edición ilustrada y autorizada por la familia del artista.

«Acaso no haya mejor manera de conocer a mi padre que a través de sus escritos», afirma John Carter Cash. «Ya sean las canciones que grabó, su poesía o todo el material que no se publicó en vida del artista; volcó su corazón, su mente y su espíritu en todo lo que escribió. Estoy emocionado por la publicación de este libro y por honrar su genio y su vida centrándome en la oportunidad de dar a conocer la parte de su obra más importante de su vida: sus letras.»

Venerado por sus coetáneos (de Elvis a Bob Dylan) y considerado custodio de las esencias del country y del folk sureños, Johnny Cash es una de las estrellas más respetadas e influyentes de todos los tiempos, habiendo compuesto más de 600 canciones y vendido más de 90 millones de discos. Ha recibido, a lo largo de su carrera, veintinueve discos de oro, platino y multiplatino, y ha dejado su impronta en el Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Rock & Roll, el Salón de la Fama de la Música Country y el Paseo de la Fama de Hollywood.

Es esta la primera antología que abarca cincuenta años de carrera con las letras de 125 canciones y las historias que las inspiraron. Más que ningún otro artista estadounidense, Cash habló al alma de la nación, sin olvidar tampoco la crónica de su propia vida y tribulaciones. Un documento de época de gran valía que nos acerca al hombre y al artista, así como a la propia historia de Estados Unidos que él mismo y el country contribuyeron a forjar.

Entrelazar las venturas y desventuras del bardo con las historias de sus propias canciones es una fórmula sin parangón en el género y acaso más reveladora que cuanto accediera a compartir en sus propias memorias.

Esta primorosa antología en edición bilingüe –con QR habilitado para tal fin junto al título de cada canción–, es una pieza de coleccionista esencial para todo fan que se precie. Arroja nueva luz sobre la vida y obra de Cash, incluyendo material fotográfico inédito, reproducciones facsimilares de los manuscritos de las canciones, en edición anotada y comentada por el hijo del artista: John Carter Cash.

Nuestro grupo podría ser tu vida (Our Band Could Be Your Life), que toma el título de un verso de un tema de The Minutemen y está considerado unánimemente como uno de los mejores libros sobre la música rock jamás escritos, relata la trayectoria musical de trece grupos norteamericanos capitales que dieron lo mejor de sí mismos en la década de los 80. Fueron años convulsos que coincidieron con el mandato del presidente Reagan y su política conservadora y nacionalista, y que, en lo musical, dieron lugar a la particular lectura del punk británico y su consigna del «hazlo tú mismo» por parte de algunos grupos del Nuevo Continente que produjeron un sonido agresivo y a un volumen y velocidad de vértigo.
Profusamente documentado a partir de entrevistas con los músicos y principales actores de la escena musical, Azerrad narra con pulso y pasión los avatares de trece grupos cuyo sonido inauguró no solo una nueva tendencia musical que se consolidaría mundialmente con el encumbramiento de Nirvana y su álbum Nevermind, sino también la eclosión de toda una red de sellos discográficos, distribuidoras independientes, fanzines, radios universitarias y underground, clubs y locales de conciertos, y tiendas de discos, que nacieron para vehicular la urgencia generada por la nueva música. Pronto, abanderado por Black Flag, el germen del hardcore se extendió y permitió la aparición de nuevos grupos y una nueva comunidad de fans que los seguían y apoyaban en sus interminables giras.
Las trece historias incluidas en este monumental libro son el relato inolvidable de cómo unos jóvenes —sin apenas conocimientos musicales pero embebidos de la energía y urgencia del punk— hicieron posible su sueño comunal de tocar en un grupo. Su periplo no estuvo exento de incomodidades y obstáculos —vivían y viajaban en condiciones muy precarias y extremas—, y algunos se arrojaron al abismo del consumo desaforado de alcohol y drogas (otros, como Minor Threat, optaron por una conducta diametralmente opuesta, el llamado straight edge, que reivindicaba un estilo de vida «limpio» que les permitía acometer los intensos conciertos que daban).
Algunos de los discos que grabaron se encuentran entre los mejores de la historia del rock, y su influencia llega hasta nuestros días. Muchos grupos desaparecieron, otros se vendieron a multinacionales, algunos de sus miembros murieron, pero su música ha pervivido. Los trece grupos, en orden de aparición, son: BLACK FLAG, THE MINUTEMEN, MISSION OF BURMA, MINOR THREAT, HÜSKER DÜ, THE REPLACEMENTS, SONIC YOUTH, BUTTHOLE SURFERS, BIG BLACK, DINOSAUR JR, FUGAZI, MUDHONEY y BEAT HAPPENING.

Publicado por primera vez en 1978, Dios salve a los Sex Pistols fue el primer libro que alumbró, de manera documentada y precisa, la ascensión y disolución del grupo por antonomasia del punk británico que puso patas arriba la música popular y, de paso, la conservadora sociedad e industria musical de mediados de los setenta. Compuesto a modo de collage a partir de entrevistas con todos los miembros y exmiembros del grupo, familiares, amigos y colaboradores, el fascinante diario íntimo de la secretaria del polémico mánager Malcolm McLaren, extractos de la incendiaria prensa que vertió todo el odio y los prejuicios del establishment sobre la banda, y cartas de fans, entre otros materiales, el presente volumen es un originalísimo, poliédrico y vívido artefacto punk, aderezado con el material gráfico que creó para el grupo el inclasificable Jamie Reid y un buen número de fotografías. Como dicen los autores, este libro es «lo más cerca que estuvieron los Sex Pistols de contar su propia historia».

Neil Young es uno de los músicos más relevantes de la historia del rock. Su prolífico talento ha producido más de cincuenta álbumes y cuatrocientas canciones, entre las que se encuentran algunas de las más imperecederas de todos los tiempos: «Like a Hurricane», «Tonight’s the Night», «Down by the River», «The Needle and the Damage Done», «Old Man», «Rockin’ in the Free World», «Southern Man», «Cinnamon Girl», «Cortez the Killer», «Hey Hey, My My», «After the Gold Rush», «Heart of Gold» y un larguísimo etcétera…
Jimmy McDonough, admirador a ultranza de Young, consiguió establecer una relación privilegiada con el músico, venciendo infinidad de resistencias y barreras, y se embarcó en un proceso de documentación exhaustivo y meticuloso que le llevaría casi diez años y no pocos quebraderos de cabeza, entre los cuales destaca la reacción adversa de Young al leer la biografía, cuya publicación trató de impedir a toda costa. Alejado de la hagiografía y de la previsible retórica de la mayoría de biografías de músicos, McDonough logró no solo ofrecer un retrato feroz del canadiense —mostrando en toda su crudeza tanto su carácter errático, brutal y desconcertante como la esencia de su singular talento para componer canciones y una generosidad nada autocomplaciente—, sino que consiguió plasmar de manera apasionada e intensa cuatro décadas de rock por las que brillan con luz propia, además de Young, prácticamente la totalidad de sus allegados, colaboradores y tanto los músicos de su generación como los que recogieron el testigo de su talento.
Neil Young, nacido en Canadá en 1945 en el seno de una familia desestructurada, padeció de muy joven la polio, que lo dejaría marcado física y psicológicamente. Muy pronto empezó a aflorar una pasión por la música que lo llevaría a los veinte años a liderar la primera de sus míticas formaciones, Buffalo Springfield. No tardaría en empezar a grabar en solitario y con la superbanda de estrellas Crosby, Stills & Nash, colaboración que lo llevó a la fama mundial, aunque también suscitó innumerables tensiones fruto de la confrontación de egos, muchos de ellos enardecidos por las drogas y la pulsión creativa. Un Young cada vez más ermitaño, esquivo y atormentado por los frecuentes ataques de epilepsia, que lo dejaban destrozado, fue encontrando progresivamente su voz, sobre todo cuando se unió a los erráticos Crazy Horse, banda con la que ha compartido algunos de sus mejores momentos. Sin embargo, más allá de los datos oficiales, de los éxitos sobradamente conocidos, McDonough también desvela la parte más oscura de Young, sus fracasos amorosos, su lucha por ayudar a sus dos hijos con parálisis cerebral o su inveterada tendencia a desaparecer sin dar explicaciones y dejar a todo el mundo colgado…
La heteróclita e imprevisible obra de Young es una de las más originales y arriesgadas de todos los tiempos. Su estilo ha basculado de una obsesiva atención por el detalle y la producción minuciosa a la búsqueda del momento mágico de la interpretación en directo sin apenas filtros de producción o ensayos previos. En 1995 entró en el Salón de la Fama del Rock y sigue al pie del cañón, reinventándose con cada disco, fiel a su máxima «es mejor quemarse que apagarse lentamente».

Ácido, alcohol, mucho ruido, trifulcas y revueltas. Pero también melodías dulces, té con pastas, timidez e ingenuidad. “Psycho” y “candy” a partes iguales. Así son The Jesus and Mary Chain, cuyo álbum de debut Psychocandy cambió el curso de la música popular, presagió el shoegaze y aún hoy sigue encantando y desconcertando a partes iguales. La biografía de Zoë Howe es la franca y divertida historia de The Jesus and Mary Chain, contada por primera vez por los miembros de la banda y sus socios. La historia comienza en la desconocida localidad de East Kilbride, cerca de Glasgow, en los albores de la década de 1980, con dos hermanos intensamente introvertidos, Jim y William Reid, escuchando música en el dormitorio que comparten. Lo que sigue es un viaje inolvidable que incluye incendiarias actuaciones en directo, su fundamental relación con el sello Creation Records de Alan McGee y las famosas tensiones fraternales, con muchos comentarios, peleas y la creación de una música pop perfecta por el camino. Ya es hora de que este grupo tan influyente —y en ocasiones tan crucificado— dé su opinión.

En el otoño de 1975, Bob Dylan y su Rolling Thunder Revue ?un espectáculo que Dylan había proyectado como una mezcla dehappeningy circo ambulante? recorrieron veintidós ciudades del noreste de los Estados Unidos. La detención del boxeador Huracán Carter, al parecer por motivos racistas, fue el detonante de esta gira, que se inició con improvisados conciertos en pequeños escenarios de Nueva Inglaterra. Ante la perplejidad de un público de provincias, una banda formada por músicos de fama mundial reinventaba la tradición musical americana, los poetas declamaban sus versos y todos los participantes subían al escenario disfrazados, mientras las cámaras de mano no perdían detalle. Estaban Joni Mitchell, T-Bone Burnett, Allen Ginsberg, Mick Ronson, Joan Baez, Arlo Guthrie, Ramblin? Jack Elliot, Roger McGuinn y Muhammad Alí. Y también se encontraba allí Sam Shepard para ir escribiendo sobre la marcha el guión de una película fellinesca y surrealista que saldría de la propia gira. Ese guión no llegó a materializarse, pero Shepard fue escribiendo la crónica de aquel viaje, un diario de bitácora de la Rolling Thunder Revue y la vida en la carretera. En ese escenario itinerante y en este libro se entremezclan reminiscencias judías y mexicanas con la poesía inglesa,cowboy-slangcon mitos indios (de ahí el nombre del Tour), la imaginería católica con el blues... Este libro, que apareció publicado por primera vez en 1977 y se ha convertido en todo un clásico de la literatura-rock, es todo lo contrario de un álbum de fans: es un diario hecho de observaciones desde el ojo del huracán.

En su último libro, Greil Marcus, quizá el crítico cultural más influyente de todos los tiempos, compone el que probablemente sea su ensayo más apasionado e intenso. Rehuyendo la historia oficial —la enciclopédica, la del Salón de la Fama del Rock, la de los grandes éxitos—, Marcus revive diez canciones fundamentales que, por su influencia y por cómo han resonado a lo largo de las décadas, han supuesto un hito de la música popular. Ensayando breves biografías de los autores de las canciones o las de aquellos que les pusieron voz, dejando que los sonidos evoquen y convoquen el eco que las canciones originales propulsaron, Marcus, a modo de caja de resonancia, trata de apresar la esencia misma de la canción pop: su cualidad perdurable y a la vez fugaz.
«Shake Some Action» de The Flamin’ Groovies, «Transmission» de Joy Division, «In the Still of the Nite» de Fred Parris y The Five Satins, luego retomada por The Slades; «All I Could Do Was Cry» de Etta James y, décadas después, cantada por Beyoncé; «Crying, Waiting, Hoping» de Buddy Holly, «Money (That’s What I Want)» de Barrett Strong, reinventada por los Beatles; «Money Changes Everything» de The Brains, años después reformulada por Cyndi Lauper; «This Magic Moment», escrita por Doc Pomus y Mort Shuman e inmortalizada por Ben E. King y The Drifters; la experimental «Guitar Drag» de Christian Marclay, «To Know Him Is to Love Him» de Phil Spector, que Amy Winehouse hizo suya casi cincuenta años después, configuran la particular historia del rock de Greil Marcus que, con su estilo vibrante, próximo a la spontaneous prose beatnik, da una nueva lección de literatura musical y demuestra por qué la música popular tiene una importancia capital en nuestra cultura.

Tras un proceso de documentación de dos años y entrevistas con los principales actores de la escena, Richard King ha compuesto uno de los ensayos de la literatura musical más vibrantes de los últimos tiempos. Freak Scene documenta la fascinante historia de los sellos independientes de la música pop y rock británica, desde 1975 a 2005.
Tras el advenimiento del punk y su consigna del «do it yourself» como reacción a la práctica habitual en la industria musical, donde el acceso a los medios de producción estaba reservado a la élite, una generación de jóvenes británicos se imbuyó de este espíritu iconoclasta y radical, y sin apenas conocimientos de economía o de marketing, y sin ningún sentido empresarial, se embarcó en la creación de algunos de los sellos que marcarían el rumbo creativo de la música pop. Fundados en dormitorios, garajes o buhardillas, surgieron proyectos como Factory, Rough Trade, Mute, Postcard, Beggars Banquet, 4AD, Creation, Blast First, Warp o Domino, que reinventaron el panorama musical. Nacía así la música«indie» o «alternativa», con bandas como Orange Juice, New Order, Depeche Mode, The Smiths, Cocteau Twins, Happy Mondays, Sonic Youth, Primal Scream, My Bloody Valentine, Teenage Fanclub, The White Stripes, Franz Ferdinand o Arctic Monkeys, entre otras muchas.
Freak Scene cuenta la historia de estos sellos independientes y sus exaltados promotores, que, partiendo del amateurismo más apasionado, generaron, sin buscarlo, una de las experiencias más fértiles y exitosas de la industria cultural de la segunda mitad del siglo xx. Es también el relato de su fracaso comercial, pues casi todas estas discográficas acabaron muriendo de éxito, o sucumbiendo a la atracción del abismo del rock and roll y sus excesos.

Paradoxia narra la historia de una adolescente prostituta, drogadicta, ninfómana y sadomasoquista que, escapando de los abusos sexuales paternos, acaba mintiendo y follando por los agujeros que eran Manhattan y Los Angeles a principios de los años 80, con la "filosofía nihilista clásica" como único dogma.A menudo se compara la escritura de Lydia Lunch con la de Hubert Selby Jr. y Jean Genet. Al leer Paradoxia, se observa también cierto parecido con Dostoevsky en la desgarrada protagonista. Las escenas de sexo, repugnantes, recuerdan a Bukowski e incluso a veces al Marqués de Sade. Se la ha comparado con muchos escritores o rockeros iconoclastas, incluso con asesinos. Pero lo más alucinante es que nunca se la ha comparado con otras mujeres.En el libro de Krafft-Ebing Psychopathia Sexualis, una de las cuatro categorías de la desviación sexual es la paradoxia, es decir, el deseo sexual que se produce en una etapa errónea de la vida, como en la infancia o la vejez. El título del libro de Lunch, que hace referencia a la historia de una niña a la que violaron, convirtiéndola así en una depredadora, es por tanto atrevido y descorazonador. Krafft-Ebing creía que las mujeres eran sexualmente pasivas y carecían de la capacidad de ser sádicas o fetichistas. En ese sentido, cada escena de Paradoxia actúa en contra del reto que plantea su autora, pues muestra una y otra vez los nimios papeles a los que son confinadas las mujeres por el simple hecho de ser mujeres. Lydia Lunch, o su protagonista, no puede follar como un hombre a causa de una desigualdad brutal: no debido a la diferencia de partes corporales, sino por el modo en que las cosas están dispuestas.La protagonista de Lunch no puede follar como un hombre, pero sí escribir como tal. Ella pertenece tanto al grupo de Blanchot, Bataille y Foucault como al de Selby o Genet. Debido a que es obra de una mujer, una escritura de este tipo, de una verdad brutal y sin medias tintas, resulta todo un acto de desafío. No se trata sólo de un registro del panorama psicosexual reinante entre los componentes de la No Wave, sino de un documento que plantea preguntas importantes sobre el género, el sexo y el abuso. Es cierto que Lunch no se molesta en cambiar los nombres de los personajes (probablemente también se mantenga fiel a los detalles), pero no es tanto una autobiografía como un tratado filosófico. Paradoxia tiene un lugar en la literatura de la depravación.

El 12 de julio de 1962, los Rollin' Stones ofrecieron su primer concierto en el Club Marquee de Londres. Poco después, se añadió una «g», se encendió una chispa y su destino quedó sellado. Ya no había marcha atrás. Estos cinco chavales blancos británicos se proponían tocar música afroamericana. Perfeccionaron un estilo rebosante de matices de blues mezclados con oscuras insinuaciones a las mujeres, al sexo y a las drogas. Denunciados como «corruptores de la juventud» y «mensajeros del diablo», crearon algunas de las canciones más electrizantes jamás grabadas. Su sonido y actitud parecen ahora más fuertes e influyentes que nunca. Elvis ha muerto y los Beatles ya pasaron, pero Jagger y Richards dominan el mundo. Contradiciendo al proverbio inglés, puede que acumulen musgo, pero son culos de mal asiento y no pueden dejar de rodar. Sin embargo, ¿cómo se convirtieron estos sumos inadaptados antisistema en la marca global que hoy conocemos ¿Quiénes fueron sus víctimas ¿Cuál es el legado olvidado ¿Alguna vez realmente puede el artista separarse del arte El nuevo relato de Lesley-Ann Jones sigue la huella de esta banda contradictoria, perturbadora, granítica e imparable a través de las ilusiones, la gloria y el exilio, durante sus años de fuerza arrolladora y en su posterior ajuste de cuentas con el rock, donde los Stones parecen estar más en desacuerdo que nunca con los valores y la herencia contra los que siempre se han rebelado. Buenos, malos y a menudo feos: señoras y señores, los Rolling Stones como nunca se habían visto.