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NOTHIN' BUT A GOOD TIME recoge más de doscientas entrevistas a músicos, productores, ingenieros, ejecutivos de sellos discográficos, estilistas, diseñadores de vestuario, fotógrafos, groupies y parásitos en general. Este relato sin filtros de una época volátil e incomprendida abarca desde las primeras grabaciones y conciertos autofinanciados tan llamativos como temerarios, pasando por los años de gloria y platino de himnos y baladas que sacudieron estadios gracias a MTV, hasta el colapso final, en el que bandas grunge como Nirvana cambiaron para siempre la industria musical.

Estar o no estar en el Rollo; esa era la cuestión. Porque bajo la férula de una cultura oficial apergaminada y el ringorrango de otras costumbres apostólicas subyacía en la España de 1975- un flujo contestatario al margen del panfleto volandero y las directrices del partido. ¡Coño, el Rollo Macabeo! Rock en vivo o enlatado en FM. Tebeos cachondos, Star Books y Ajoblanco. Un canuto, vino tinto y dos tripis. Vibraciones, Popular 1 y Disco Expres. El festival de Burgos y el de Canet. Zeleste y M&M. Clapton Is God y la Mahavishnu Orchestra Ingredientes de un caldo gordo que se cocía a fuego lento en los fogones de aquel underground castizo y deficitario. Un guiso de pesada digestión para los guardianes del orden y de los principios fundamentales del Movimiento que nada entendían de flash o Mellotron. Y como remate un obituario sintético. Cuatro palabras cargadas de futuro: Españoles, Franco ha muerto Para acto seguido salir la tropa por peteneras: ¡Viva el Rollo!

Un libro colectivo que rinde tributo a la figura y la obra de John Waters, el cineasta de culto por excelencia.Con el paso de los años, John Waters se ha convertido en una de las figuras de referencia no solo del cine underground estadounidense, sino de la cultura pop en general. En su larga trayectoria, que abarca desde clásicos de la inmundicia como Multiple Maniacs, Pink Flamingos o Cosa de hembras hasta títulos más mainstream como Hairspray o Los asesinatos de mamá, el cineasta de Baltimore ha ido repitiendo una serie de obsesiones temáticas y formales que merecían ser estudiadas en un solo libro. ¡Larga vida al trash! El cine de John Waters como nunca te lo habían contado es un homenaje a un director que, acompañado por una troupe de actrices y actores incondicionales ùlos denominados dreamlandersù como Mink Stole, Patricia Hearst, Susan Lowe y, sobre todo, la mítica Divine, forzó los límites de lo que estaba permitido ver en la gran pantalla con grandes dosis de humor, irreverencia y transgresión. Entre las autoras y autores que han querido sumarse a este tributo a John Waters se encuentran Valeria Vegas, Esty Quesada (también conocida como Soy una pringada), el director de cine Adrián Silvestre, los críticos de cine Javier Parra (autor de Scream Queer), Álex Mendíbil y Xavi Sánchez Pons, el investigador Carlos Barea o Álex Ander, autor de la primera monografía sobre Divine.

Greenwich Village, Nueva York. Principios de los años 60. Un joven romántico de aspecto desaliñado y una post adolescente idealista de ascendencia italiana se conocen y se enamoran. Él es Bob Dylan; ella Suze Rotolo. Un par de años después de comenzar una breve pero intensa relación, se fotografiarán juntos caminando por las calles nevadas de la ciudad, dando lugar a una de las imágenes más icónicas de la historia de la música popular. Es la portada de «The Freewheelin'», segundo disco del aclamado cantante, que acabaría por encumbrarlo a la fama, con himnos generacionales tan emblemáticos como «Blowin' in the Wind» o «Don't Think Twice, It's All Right».

Este libro son las memorias en primera persona de Suze Rotolo. De la época que pasó en compañía de una de las figuras clave de la revolución cultural de unos años, los 60, tan embebidos de idealismo y utopía. Un lugar y un tiempo en los que el arte y la política parecieron conspirar y aliarse para cambiar la vida definitivamente a mejor. Aunque no solo.
«A Freewheelin' Time» recupera la figura de Suze Rotolo quien, como en el caso de tantas otras mujeres, parece haber quedado relegada a pasar a la posteridad simplemente como «la chica de la portada». ¿Quién fue Rotolo, más allá de su relación con Dylan? ¿Cuál fue el magma cultural y político sobre el que se asentó el espíritu de una revuelta juvenil que tuvo la fuerza de cambiar tantas cosas en tan poco tiempo? ¿Cómo vivió aquellos años decisivos desde dentro?

Con un elenco de secundarios que incluye a personalidades tan dispares como Fidel Castro, el Che Guevara, Phil Ochs, Joan Baez o Andy Warhol, este libro radiografía toda una época, a través de la figura de Bob Dylan, desde una perspectiva alternativa, insólita y sorprendente.


«Los sesenta fueron una época alucinante, marcada por la protesta y la rebelión [?] Fue también un recorrido para salir de los tiempos en los que se vivía ?para escapar de la moral rígida y constrictiva de los años cincuenta?. Los beats ya habían agrietado la pared y nosotros, la nueva generación, derribamos el muro. Avanzando con el pasado bajo el brazo, estábamos listos para conquistar el futuro. Aquella época se ha convertido ahora en un tiempo histórico formado por testimonios, canciones y titulares. Hay muchísimos relicarios de aquellos años en la vida americana. Este es el mío.» SUZE ROTOLO

Cuando apareció en los setenta, se dijo de Kathy Acker que era la sucesora de Henry Miller, la primera pornógrafa feminista y la Patti Smith de la literatura pospunk. Sus libros fueron considerados «obscenos», «perturbadores» e «iconoclastas». Robert Mapplethorpe la fotografiaba; en Nueva York se movía en el área de Andy Warhol, Laurie Anderson y los Talking Heads; realizaba performances en Londres; los oráculos de la modernidad la entrevistaban con frecuencia; algunos críticos abominaban de ella, mientras que otros le dedicaban arduos y sesudos estudios en los que la calificaban de «feminista poslacaniana».

Advierte, con la mayor de las solemnidades, la Reina del Soul—a propósito de la monumental biografía escrita por David Ritz—: «No malgaste su dinero en la lectura de esta biografía desautorizada». Sin ponderar en exceso el exabrupto que siguió a aquella admonición, Aretha Franklin se permitió tildarla, a continuación, de [sic] «basurilla inmunda». Bien es cierto que arrastraban ambos un turbulento historial de felices colaboraciones y no menos tormentosas desventuras: Franklin y Ritz trabajaron juntos en la censurada confección de las edulcoradas memorias de la cantante, Aretha: From These Roots, publicadas en 1999.Lo que no admite discusión es que Aretha Franklin irrumpió en este impío mundo en el seno de la familia de un apuesto predicador baptista, felizmente entregado a las promiscuidades que la libérrima observancia del preceptuado amor al prójimo le imponía y se prestaba a atender religiosamente; toda una superestrella por derecho propio—conviene acotar aquí que no estaba al alcance de cualquier predicador que sus sermones se grabaran y distribuyeran por doquier como grandes éxitos de la canción popular—. Sobreexpuesta al influjo de los grandes músicos y artistas que frecuentaban el hogar de su afamado progenitor, germinaría la voz de la que estaba llamada a convertirse en acaso la más prodigiosa cantante ...

Arthur Lee (1945-2006) y el grupo que lideró, Love, están ampliamente reconocidos como una de las bandas más influyentes de los sesenta, y "Forever Changes" (1967), una obra maestra que aúna psicodelia, folk y rock, aparece regularmente en las listas de los mejores discos de todos los tiempos. Lee abanderó este brillante y errático grupo a través de su convulsa historia de disoluciones y resurrecciones, y posteriormente publicó tres discos en solitario. En esta extraordinaria biografía, Barney Hoskyns (de quien ya publicamos "Hotel California: Cantautores y vaqueros cocainómanos en Laurel Canyon") compone un retrato coral de un músico que creó algunas canciones memorables pero que sin duda pudo haber alumbrado muchas más.
A partir de entrevistas en profundidad con Arthur Lee, el cantante, compositor y guitarrista Bryan MacLean, y otros personajes clave de la escena musical del Los Ángeles de la época, este fascinante relato revela el reverso oscuro del Verano del Amor: drogas, crímenes y luchas de egos, así como un recorrido por la trayectoria musical de Lee tras la disolución de Love hasta su encarcelamiento después de ser acusado de disparar un arma. Este volumen incluye un posfacio del autor escrito especialmente para esta edición.

La esperada reedición, tras más de dos décadas descatalogado, de una de las obras monumentales del pop enérgico y el rock and roll en su momento más dulce y salvaje escrito por el «padre» de la crítica musical.

Esta es la historia de un adolescente que decide dejar un trabajo alienante de vendedor de sombreros para instalarse en el Soho como traficante de marihuana. Al tratar de huir de la vida gris y suburbial de sus padres, se introduce de lleno en la escena de los modernistas, amantes del jazz que se juntan en las catacumbas de un Londres que intenta olvidar los rigores de la  posguerra.
Es el Londres que empieza más allá de Baron’s Court, con sus promesas de sexo, drogas y clubs abiertos toda la noche. Allí nuestro narrador sin nombre se introducirá en los secretos de la «Grifa», descubrirá la ropa de Cecil Gee y alternará con beatniks, yonkis y bohemios, mientras decide en qué tipo de adulto quiere convertirse.
Publicada por primera vez en 1961, Baron’s Court es una novela de culto y un documento histórico sobre una escena fascinante que su autor conocía de primera mano. Pero en ella hay mucho más: las miserias del trabajo asalariado, las supuestas posibilidades liberadoras del consumo de drogas y los dilemas —siempre los mismos, siempre distintos— de hacerse mayor.

Ácido, alcohol, mucho ruido, trifulcas y revueltas. Pero también melodías dulces, té con pastas, timidez e ingenuidad. “Psycho” y “candy” a partes iguales. Así son The Jesus and Mary Chain, cuyo álbum de debut Psychocandy cambió el curso de la música popular, presagió el shoegaze y aún hoy sigue encantando y desconcertando a partes iguales. La biografía de Zoë Howe es la franca y divertida historia de The Jesus and Mary Chain, contada por primera vez por los miembros de la banda y sus socios. La historia comienza en la desconocida localidad de East Kilbride, cerca de Glasgow, en los albores de la década de 1980, con dos hermanos intensamente introvertidos, Jim y William Reid, escuchando música en el dormitorio que comparten. Lo que sigue es un viaje inolvidable que incluye incendiarias actuaciones en directo, su fundamental relación con el sello Creation Records de Alan McGee y las famosas tensiones fraternales, con muchos comentarios, peleas y la creación de una música pop perfecta por el camino. Ya es hora de que este grupo tan influyente —y en ocasiones tan crucificado— dé su opinión.

Si se me cayera un billete en el interior del cráneo de Miguel Angel Martín me lo pensaría dos veces antes de entrar a recogerlo.
(Jordi Costa, El Tebeo Del Saló)

Un retrato luminoso del más genial y revolucionario cantaor. Cuando nació el niño José Monje Cruz, hijo de una canastera y un herrero, pocos podían imaginar que aquel gitanillo rubio se convertiría en el mayor icono musical español del siglo XX. Porque Camarón, que así lo apodaron, renovó y amplificó la música flamenca desde la isla de su San Fernando natal hasta llegar a medio mundo y luego al mundo entero. En esta preciosa biografía ilustrada aparece el joven Camarón en la Venta de Vargas, encandilando ya a figuras de la talla de la Niña de los Peines o don Antonio Mairena. Luego viene el salto a los tablaos de Madrid, donde adquiere fama de bohemio y rebelde, y también sus años con Paco de Lucía y Tomatito, así como la mítica grabación del disco La leyenda del tiempo, piedra de toque del flamenco moderno. Sigue la avalancha de los años ochenta (y sus claroscuros), la consagración en festivales internacionales y el fin precoz de su vida a los 41 años. Desde entonces una estrella brilla con especial intensidad en el cielo de los flamencos... porque Camarón vive.

En mayo de 1968, mientras los estudiantes franceses buscan la playa que se esconde bajo los adoquines de París, Inés Palou entra en prisión. Condenada por estafa, sus siguientes años serán un calvario que la arrastrará por diferentes cárceles españolas. Unas cárceles anacrónicas y superpobladas de atracadoras, drogadictas, hippies extranjeras y mujeres acusadas de abandono de familia. Allí, sobre jergones sucios y bajo la mirada de monjas y guardianas, Inés le da vueltas a la razón de ser de las prisiones, reflexiona sobre su desgracia y se enamora de otra presa.
A su salida de prisión escribe esta novela en la que cuenta su experiencia a través de Berta, su alter ego. Con un lenguaje cercano nos muestra el ecosistema carcelario del tardofranquismo. Un mundo oscuro, aplastado por el peso de las contradicciones de una dictadura que se resiste a morir. El resultado es un documento de un valor incalculable, uno de los pocos —puede que el único— libro de memorias carcelarias escrito por una presa común en nuestro país.

Líneas invisibles separan los espléndidos centros urbanos de las grandes extensiones de ladrillo visto y toldo verde. En una de esas fronteras, la que separa Barcelona de L’Hospitalet, se encuentra el Collado, una casa de comidas que sirve platos de escudella y fricandó a los trabajadores del barrio de Collblanc. Son los años noventa de la Barcelona exultante y olímpica, pero el Collado sigue siendo un negocio familiar que necesita del trabajo de todos sus miembros. Para el narrador niño (y luego adolescente) la barra del bar es una atalaya desde la que observar las miserias y virtudes de una parroquia entre la que hay prostitutas, mafiosos de medio pelo y perdedores de todo tipo. También es la carga que impide a su familia disfrutar de una normalidad con la que sueña, su maldición.
Carles Armengol utiliza su experiencia como niño de bar, camarero involuntario y observador perspicaz para dar forma a un texto híbrido que es a la vez novela, estudio sociológico y diario personal. Un texto que disecciona, a través de la tragicomedia y el costumbrismo, las relaciones de amor-odio que generan todas las maldiciones familiares.

Cuando John Waters dio sus consejos a los licenciados de la Escuela de Diseño de Rhode Island, su discurso se hizo viral, en parte por la brillantez y tino con que trataba el tema de ganarse la vida siendo una persona creativa. Con su maliciosa sabiduría, nos insta a abrazar el caos, ser impertinentes y enfurecer a los que nos critican. Para ser creativo, nos dice, el pragmatismo y la disciplina son tan importantes como el talento, y no hay que tenerle miedo al rechazo. Waters aconseja a los jóvenes que escuchen a hurtadillas, que presten atención a sus enemigos y que nos horroricen con nuevas ideas. En otras palabras, íque la líen!
Una llamada a la acción (o a la insurrección) de la mano del John Waters más revoltoso y alborotador.

John Belushi murió a los treinta y tres años ejecutado por su volcánica exuberancia (y por una exuberante dosis de speedball) en un lujoso hotel de Sunset Boulevard. Esa muerte es el arranque de una indagación que conducirá a Bob Woodward, cobestia negra de Richard Nixon, hasta las aromáticas vísceras del show business norteamericano donde convergen la televisión, el rock 'n' roll y el séptimo arte. Para relatar la portentosa vida del humorista y plasmar la estridente fanfarria que rodeó su ascensión y su tragedia, el infatigable reportero tuvo que manejar un heterogéneo aluvión de materiales (diarios, cartas, inventarios, facturas, diagnósticos, etc.) y, sobre todo, entrevistar extensamente a una caterva formada por 217 celebridades, fantasmas y medianías: la viuda del difunto, compañeros de armas y fatigas como Dan Aykroyd, actores y directores como Chevy Chase, Robin Williams, Carrie Fisher Steven Spielberg o Jack Nicholson, prohombres de la industria cinematográfica, policías, matones, traficantes, músicos, vividores y otros interesantes especímenes del submundo adherido a las candilejas. Todos sabían que el bólido se dirigía al abismo, pero sus amigos fueron incapaces de detenerlo y sus satélites siguieron proporcionándole el combustible que lo mantenía en marcha (una marcha, por cierto, tan ruidosa como rentable): la «gran vida» de Nueva York o Hollywood tenía esos feroces inconvenientes. Bob Woodward dibuja en este libro un meticuloso, conmovedor y en ocasiones despiadado retrato de una época y de un individuo que vivió demasiado y lo perdió todo a manos de su insaciable antojo.

Las biografías de compositores e intérpretes suelen conceder excesiva atención a la música, cuando no a las propias memorias de los artistas, en perjuicio de una comprensión cabal y pondera­da de la vida y obra del artista y su circunstancia. Ensayos estos que, a la usanza academicista, rara vez van más allá de los límites de la investigación bibliográfica; obviando otras posibilidades que brinda el trabajo de campo -ya sea por medio del periodismo de investigación o vía la reveladora exhumación de los testimonios de otras fuentes, tanto o más relevantes que la memoria selectiva del autohagiografiado-. Así pues, en lugar de relatar, como dicta el canon, el ascenso y declive del objeto de esta reconstrucción arqueológica --contintes de investigación detectivesca-, Blackbum nos propone otra aproximación: permite que sean las voces de los personajes que trataron y conocieron a Billie Holiday quienes tomen la palabra. Invocación espiritista que ha sido posible gracias a un inesperado hallazgo: las más de 150 entrevistas realizadas por Linda Kuehl en los años setenta a acólitos, vagos y maleantes. No obstante, cuando llegó el momento de transcribir dichas grabaciones, escudriñar entre recortes de periódicos, zambullirse en su correspondencia y examinar otros artefactos, Kuehl se vio abrumada por la responsa­bilidad ...

'Pertenecemos a una suerte de club, una periferia lunática orgullosa de agruparse. Existe un camino a la desgracia muy gozoso allá afuera y, si me permiten ser su gurú, les enseñaré cómo triunfar en la insanidad hasta tomar control de su baja autoestima', escribe Waters, y nos invita a seguir sus instrucciones en esta suerte de manual queer para el buen vivir. Como ya lo había demostrado en Mis modelos de conducta y Carsick, el Pontífice del Trash tiene una gran habilidad para hacer que lo desagradable coexista con lo sofisticado, y que lo desviado halle su propia forma de realización. Aquí hay capítulos enteros dedicados a cómo desarrollar el gusto musical, cómo construir una casa brutalmente fea y moderna, cómo confesar amor sin involucrar responsabilidades afectivas, y cómo comportarse en los aviones o en las ciudades balnearias, acompañados de un puñado de escritos sobre aspectos cruciales de su trayectoria: el pasaje de Baltimore a Hollywood, el trato con los protagonistas de sus películas y los grandes estudios de cine y la trastienda de los rodajes y estrenos. Pero las enseñanzas de este libro no abrevan solo en experiencias del pasado. Para instruirnos sobre los efectos del LSD en la tercera edad, Waters se somete a su primer viaje psicodélico luego de décadas sin consumo. También se lanza hacia el futuro, asistido por su exuberante imaginación y su manía perfeccionista, para diseñar cada aspecto de su propio funeral: desde la compra de un lote en un cementerio donde compartir la eternidad con sus amigos hasta los detalles de su atuendo fúnebre. Con la sabiduría de quien vivió para contarlo, Consejos de un sabelotodo puede ser leído como un testamento en vida, el legado definitivo de un cineasta empecinado en incorporar a los orgullosamente fracasados en una visión del mundo a la vez anárquica y embriagadora.

Ana Curra, en este libro de conversaciones con Sara Morales, no solo recuerda su trayectoria musical, sino también su azarosa vida personal, con una absoluta sinceridad con la que rompe su hermetismo de años. Por estas páginas desfilan Eduardo Benavente, Alaska, Parálisis Permanente, Seres Vacíos, Carlos Berlanga o Alberto García-Alix, y conocemos de cerca a una compositora e intérprete con formación de pianista en el Conservatorio pero que siempre ha amado el punk y el rock.

En "Conversaciones con Billy Wilder" el legendario director, ya nonagenario, accedió por primera vez a hablar extensamente sobre su vida y obra. Entrevistado por Cameron Crowe, en sus páginas habla de su experiencia en el mismo corazón de Hollywood, así como sobre guiones, fotografía y escenografía, sus colegas y sus películas, y el cine de hoy. En este largo coloquio de director a director -similar al sostenido por Truffaut y el maestro del suspense en "El cine según Hitchcock"- conocemos cómo fue la colaboración de Wilder con estrellas de la talla de Audrey Hepburn, Jack Lemmon, Marilyn Monroe, Marlene Dietrich o Charles Laughton, entre muchos otros, y nos asomamos a las curiosas y divertidas historias ocurridas entre bastidores durante el rodaje de "Perdición", "Berlín Occidente", "El crepúsculo de los dioses", "El gran carnaval", "Traidor en el infierno", "Sabrina", "La tentación vive arriba", "Ariane", "Testigo de cargo", "Con faldas y a lo loco" o "El apartamento".

Edición de Servando Rocha. Hubo un tiempo, no hace mucho, en que el tatuaje estaba reservado a una tropa formada por criminales, apaches, presidiarios, legionarios, prostitutas, anarquistas o marineros. Aunque también se puso de moda entre la realeza europea o exhibía en circos y espectáculos de fenómenos. Su uso, un código secreto en manos de fueras de la ley, despertó la fascinación e interés de numerosos antropólogos, criminólogos y médicos que, siguiendo las ideas del italiano Cesare Lombroso –padre de la antropología criminal–, veían en el tatuaje un signo de atavismo y predisposición a la locura, violencia y asesinato, y los tatuados rarezas y seres misteriosos.
En España, desde que en 1888 Rafael Salillas, nuestro «pequeño Lombroso», mostrase su colección de tatuajes de delincuentes patrios, los tatuados, que fueron fotografiados y estudiados, sembraron el terror y desconcierto: oleadas de apaches con el cuerpo cubierto de dibujos obscenos y llamadas a la venganza, llegaban a ciudades como Madrid, Barcelona o Bilbao, entre otras, al tiempo que defendían la bohemia más hampona. Más tarde, milicianos y falangistas ocultaban –o directamente se arrancaban– aquellas marcas delatoras (hoces y martillos, yugos y flechas en brazos y pechos) que podían costarles la vida y los legionarios "una auténtica subcultura tatuada" llenaban sus cuerpos con cruces, vírgenes y nombres de sus amadas. También quinquis, pandilleros, motoristas y rockers fueron pioneros en mostrar aquellas «cicatrices parlantes», como llamaron al tatuaje los mandos policiales y militares.
Durante un siglo el tatuaje fue «criminal» y marginal, hasta que en 1989, el fotógrafo y tatuado Alberto García-Alix abrió las puertas de la tienda y estudio de tatuajes El Martillo de Lucifer, donde comenzaría su imparable popularización con Mao, legendario tatuador que en los ochenta tatuaba a la marina estadounidense en Rota, como una de sus grandes estrellas. Lo que vino a continuación ya lo sabemos: el tatuaje y aquel sorprendente estilo de la «vieja escuela» se convirtieron en masivos, elevándose a la categoría de arte y perdiendo el aura de peligro del pasado.
Servando Rocha, editor de esta obra única en nuestro país, investigó y rescató antiguos tratados médico-legales, fichas policiales y numerosas fotografías «perdidas» en el tiempo prácticamente nunca vistas, para construir un relato visual de un siglo de «ángeles bellos» y «bárbaros tatuados», junto a espectaculares colecciones criminológicas francesas, mexicanas o alemanas, haciendo de CRIMINAL el gran libro ilustrado del tatuaje de aquella España brutalista, esa que mostró con orgullo y desafío puñales, calaveras y corazones sangrantes. 

En estas páginas, Harry revela de manera íntima, espontánea e irreverente el antes, el durante y el después de su paso por Blondie, haciendo hincapié en la escena punk y new wave en Nueva York, su proceso creativo, su experiencia con las drogas, historias íntimas y sus colaboraciones con otros artistas, y relata sin censura los retos de ser una mujer en una industria dominada por hombres y su eventual éxito.

Desde las columnas de Melody Maker, The Wire, Spin, Rolling Stone, y en cada uno de sus libros publicados, Simon Reynolds se propuso deconstruir el discurso del pop sometiéndolo a una disección ideológica que sin embargo no le ha impedido abandonarse a sus placeres. Su mayor logro deconstructivo es haber eludido las dos grandes metodologías analíticas de la crítica de rock (el 'lirocentrismo' y la interpretación sociológica) para focalizarse en la materialidad sonora y considerar las políticas del sonido implicadas en las distintas estrategias compositivas del pop. La suspensión del lenguaje en el noise, las regresiones oceánico-místicas del acid-rock, la preponderancia de la tríada timbre/textura/cromatismo por sobre la melodía y el mensaje en el post-rock y la música electrónica conforman un continuum psicodélico que recorre la historia del pop y que manifiesta la fascinación de Reynolds por las cualidades extáticas de la música, su potencia alucinatoria de disolución del ego y de las estructuras de poder que se alojan en la mente. Junto con estos aspectos sonoros y de manera complementaria, cuestiones como el fascismo de la imagen en Madonna, el dog fight y la esquizofrenia paranoica del hip hop, la atracción del postpunk por la cultura negra, los modos de sociabilidad implicados en la cultura rave y la función de la interfase tecnología-droga en el desarrollo de la música permiten a Reynolds indagar en la economía política del pop y las políticas de clase, raza y género que esconde. En su primera traducción al español, los textos seleccionados en este volumen recorren las principales líneas de reflexión del crítico de rock de habla inglesa más importante de los últimos veinte años y sus inquietudes actuales respecto del futuro de la música, en un contexto en el que las posibilidades de las nuevas tecnologías ha transformado sus potrones de producción, circulación y recepción para siempre.

El 22 de noviembre de 1978, un desconocido jugador negro del West Bromwich Albion causó la admiración de toda Europa firmando una magnífica actuación ante el Valencia de Mario Kempes. Su nombre era Laurie Cunningham, pero desde ese día sería conocido como The Black Pearl.
Hijo de inmigrantes jamaicanos, Cunningham fue el primer jugador negro en representar a Inglaterra en partido oficial. Poco después, y tras un fichaje de cifras astronómicas, se convirtió en el primer inglés en vestir la camiseta del Real Madrid. A lo largo de su carrera también pasaría por las filas del Leyton Orient, Manchester United, Olympique de Marsella, Leicester City, Wimbledon FC, Rayo Vallecano y Real Sporting de Gijón. 
Este libro no sólo narra la historia de un futbolista especial, un artista en una época de fajadores; sino también la de un dandi vestido de corto, un hombre sensible apasionado por la música, el baile y la moda, que tuvo que hacer frente a todo tipo de prejuicios en un momento en que el racismo campaba a sus anchas por las gradas. Un jugador que ha trascendido lo meramente futbolístico para acabar convirtiéndose en un auténtico icono pop.
Prólogo de Carles Viñas

Seleccionada como una de las mejores biografías del año 2018 en los Sports Book Awards

Durante más de dos décadas, los miembros de The Black Crowes lideraron las listas de superventas y reinaron en las radios, a pesar de que los grupos de hair metal, grunge y hip-hop venían pisando fuerte y amenazaban con destronarlos.
Con grandes hits como Hard to Handle, She Talks to Angels y Remedy, alcanzaron la fama a principios de los años noventa y eso les aseguró un puesto de honor entre la realeza del rock.
Pero el estrellato suele ser fugaz y, en su caso, el éxito empezó a desvanecerse en cuanto la locura del mundo del rock los alejó de sus ambiciones musicales. A pesar del alcohol, las drogas y las peleas constantes entre Chris y Rich Robinson (los hermanos más pendencieros del rock'n'roll, con permiso de Oasis y The Kinks), el grupo siguió haciendo giras hasta 2013. Sin embargo, aquel mismo año Chris Robinson provocó una fisura tan profunda entre todos ellos que The Black Crowes no volvió a levantar el vuelo.
Steve Gorman, miembro fundador del grupo, estuvo presente de principio a fin de la historia: durante las giras aderezadas con coca y marihuana; en las tumultuosas grabaciones de los discos; en los ratos detrás del escenario con leyendas de la música como Robert Plant, Jimmy Page y The Rolling Stones? La intención de Steve, batería del grupo, siempre había sido mantenerlos a todos unidos, pero la tarea le resultó imposible.
Difíciles de manejar es la crónica del inicio, el desarrollo y la caída de este gran grupo estadounidense. Ya no existen bandas tan cargadas de locura, genialidad, inspiración y, sobre todo, de vocación autodestructiva. Pero para The Black Crowes y su público, fue una pasada mientras duró.

Publicado por primera vez en 1978, Dios salve a los Sex Pistols fue el primer libro que alumbró, de manera documentada y precisa, la ascensión y disolución del grupo por antonomasia del punk británico que puso patas arriba la música popular y, de paso, la conservadora sociedad e industria musical de mediados de los setenta. Compuesto a modo de collage a partir de entrevistas con todos los miembros y exmiembros del grupo, familiares, amigos y colaboradores, el fascinante diario íntimo de la secretaria del polémico mánager Malcolm McLaren, extractos de la incendiaria prensa que vertió todo el odio y los prejuicios del establishment sobre la banda, y cartas de fans, entre otros materiales, el presente volumen es un originalísimo, poliédrico y vívido artefacto punk, aderezado con el material gráfico que creó para el grupo el inclasificable Jamie Reid y un buen número de fotografías. Como dicen los autores, este libro es «lo más cerca que estuvieron los Sex Pistols de contar su propia historia».

Divine es mucho más que aquello que sabemos de él. Su historia es la de un chaval de Baltimore acosado por otros niños que tuvo la suerte de toparse un día con otros marginados (el cineasta John Waters y su troupe cinematográfica) que le aceptaron y le quisieron sin condiciones. También es el relato de alguien que consiguió tirar de disciplina y sentido del humor para exagerar todo aquello que los demás odiaban de él y proyectar su ira contenida en los revolucionarios e inolvidables personajes a los que dio vida durante su carrera. Pero, sobre todo, es la historia de un artista serio y perseverante que deseaba con todas sus fuerzas ser famoso y lo logró, revolucionando por completo la cultura pop del siglo XX. 
"La figura de Divine, en todo su concepto, sigue siendo hoy un revulsivo, más aún si tenemos en cuenta que una parte del colectivo LGTBQ camina hacia lo puramente normativo. Su imagen, con la lengua fuera o guiñando un ojo, nos sigue diciendo que se puede ser bella con más de cien kilos. Que el exceso de maquillaje nunca es exceso y que la libertad no debería de tener límites. Le bastó tan solo una decena de largometrajes y unas cuantas canciones para dejar huella. Una huella imborrable que ahora Álex Ander logra reivindicar, con cariño y meticulosidad. No lo duden, Divine es inmortal." Del prólogo de Valeria Vegas

Como una forma de resistencia a través del estilo. Así se entendieron durante décadas las subculturas de posguerra, importadas en nuestro país de forma simultánea y ahistórica en la década de los ochenta. Mods, punks, rockers y góticos subieron las pulsaciones de una sociedad hastiada de su propia grisura.
Canto de cisne o reformulación, este libro recoge cien fotografías de sus continuadores en la Era Digital. Cien retratos de los últimos integrantes, personas anónimas y alguna que otra celebridad, de unas subculturas que pueden pertenecer a otro tiempo, pero que se resisten con obstinación a desaparecer.

Escocia, años cincuenta. El cadáver desnudo de una mujer aparece flotando en un canal. El joven que la encuentra, Joe, trabaja como ayudante en una barcaza que transporta carbónn de Glasgow a Edimburgo.

El lugar donde reina la locura es la segunda novela de Rodrigo Ratero. Basada en un guión de Jabi Subversión, recorre la infancia y juventud de un grupo de chavales en el Santurce gris y sucio de los años 80. Sin perspectivas ni futuro son arrollados por la maquinaria de la reconversión industrial, el radicalismo vasco y la lacra del caballo, emblemas de una época oscura y díficil en la margen izquierda del Nervión, donde sólo les queda la amistad y la música para sobrevivir a la degradación económica y moral de una zona olvidada de la geografía española.

Un grupo de jóvenes con camisas de rayas a juego, aire indeciso y sonrisa infantil, The Beach Boys, suben al escenario. Un golpe de caja marca el inicio de la canción y el pulso de la batería enmarca las cinco voces, pero otro sonido va ganando protagonismo: una corriente sonora ronca y explosiva que proviene de unos instrumentos pintados de blanco, de cuerpo fino y sinuoso, que cuelgan de sus hombros. Parecen amebas o incluso torsos humanos? pero son guitarras de la Fender Electric Instrument Company. Minutos después, los arrogantes británicos The Rolling Stones aparecen en ese mismo concierto esgrimiendo un arma también novedosa, pero de sonido completamente diferente: una guitarra descubierta en una tienda de segunda mano de la marca Gibson, que lleva el nombre de Les Paul.
El nacimiento del ruido cuenta la apasionante historia de la guitarra eléctrica, que llegó a convertirse en la herramienta musical más importante del siglo XX. A partir de la rivalidad entre Leo Fender y Les Paul, y de los audaces duelos artísticos entre los músicos que adoptaron sus instrumentos, Ian S. Port crea un testimonio único sobre la revolución que estos dos hombres ?tan distintos entre sí? causaron en la música y en la cultura popular.

«Me parecía a Brigitte Bardot y era la ahijada de Stravinsky.» Así se definía Eve Babitz, musa del Los Ángeles de los sesenta y setenta que con apenas treinta años publicó estas memorias dignas de una estrella de Hollywood. Fotógrafa y escritora, Babitz encarnó en su juventud una mezcla única entre la California más liberada y la élite cultural del momento. Jim Morrison le dedicó una canción, se dejó fotografiar jugando al ajedrez desnuda con Marcel Duchamp, presentó a Dalí y Frank Zappa, y contó entre sus amantes a Harrison Ford, Ed Ruscha o Steve Martin. Babitz define sus memorias como «novela confesional», pero lo que aquí nos regala es más parecido a pasear con ella mientras la ciudad se rinde a su pedigrí provocador. Con un humor afilado, nos cuenta su vida como una amiga que ha tomado unas copas de más. Vemos a los jóvenes de L.A. a través de los ojos de una Eve adolescente tumbada en Venice Beach, compartimos viajes de LSD regados con champán en el Chateau Marmont en compañía de futuras estrellas del rock y nos enamoramos de esta bonnevivante capaz de dedicar un capítulo a los mejores tacos de la ciudad. El otro Hollywood es el universo de una chica que adoraba las fiestas tanto como los libros de Henry James, Colette o Virginia Woolf. Es el paraíso de una joven que se entregó a la provocación y el ensueño de una ciudad que fue su razón de ser. Es, por encima de todo, la historia de una mujer que, en esa sociedad hipnótica y volátil, entendió las ventajas que comportaba mantenerse fiel a sí misma.

Martin Amis cronista y ensayista. Este volumen recoge textos sobre temas muy diversos unidos por la sagacidad de su mirada y la vivacidad punzante de su prosa. Destacan un reportaje sobre la industria del porno en el que asoma su lado más oscuro; un viaje al delirio de Las Vegas; un encuentro con John Travolta, resucitado tras cruzarse con Tarantino; perfiles y reseñas sobre escritores como Nabokov, Bellow, Murdoch, Burgess y su naranja mecánica, Ballard, DeLillo y Hitchens; crónicas políticas y sociales sobre Lady Di y la Reina, la carrera presidencial de Trump, Jeremy Corbyn, el terrorismo islámico y la violencia en Colombia; pinceladas deportivas sobre Maradona y el Camp Nou, y también textos autobiográficos sobre el proceso de creación de La flecha del tiempo, sus viajes promocionales y la relación de los escritores con la prensa, su progenitor Kingsley Amis? El resultado es un auténtico festín de textos sagaces y estimulantes que maridan periodismo y literatura, elegido Libro de Año por el Sunday Times/ Times Literary Supplement.

El título de estas memorias procede de unos versos de Miguel Hernández: «... un día / se pondrá el tiempo amarillo / sobre mi fotografía». A través de más de 600 páginas, pese a que el autor dijo una vez que no le gustan nada los libros gordos y que «es mucho mejor no fiarse de las memorias», El tiempo amarillo brinda al lector una mirada muy personal sobre varias décadas de nuestro país, y también sobre sí mismo. En ella analiza su vida como colegial, cómo adquirió conciencia de clase, sus intereses políticos o hasta las memorias que tomó como referencia para escribir las suyas.

Pasará mucho tiempo antes de que otra biografía coseche tan encendidos elogios como los obtenidos por esta obra definitiva (el adjetivo no es, por una vez, hiperbólico) sobre la fulgurante ascensión y la apoteósica decadencia de un cantante ya instalado en la mitología popular contemporánea. Basten dos muestras extraídas del New York Times:«Un triunfo del arte biográfico [...] un libro profundo y conmovedor» (Stephen Wright); «Hagamos un poco de ruido […] Aparte de ser la mejor biografía jamás escrita sobre una estrella de rock, esta obra figura entre las más ambiciosas y cruciales aventuras biográficas consagradas a un icono de la cultura norteamericana de la segunda mitad del siglo XX» (Gerard Marzorati). Incluso el huraño Bob Dylan ha abandonado su guarida para unirse al coro de apologetas: «[Elvis] parece salir de estas páginas, notas cómo respira: este libro anula todos los demás.» Tras una meticulosa investigación, Peter Guralnick afronta las luces y las sombras de Elvis para devolvernos a la persona silenciada por su máscaray rescatar la realidad sepultada bajo el templo de la idolatría. Guralnick no juzga ni declama: se limita a mostrar los hechos con apasionado rigor o con piadosa objetividad sin caer jamás ni en la crueldad exhibicionista ni en el sentimentalismo devoto. El resultado es un retrato magistral delindividuo y de la sociedad que lo elevó a los abismos del trono.

En el camino, un libro que fue la biblia y el manifiesto de la Generación Beat, se ha convertido en una novela de culto y en un clásico de la literatura norteamericana. Con un inconfundible estilo bop, que consiguió para Kerouac el título de heredero de Charlie Parker, en esta novela se narran los viajes enloquecidos, a bordo de Cadillacs prestados y Dodges desvencijados, de Dean Moriarty (el mítico hipster, el héroe de todos los beatniks: «un demente, un ángel, un pordiosero») y el narrador Sal Paradise, que recorren el continente, de Nueva York a Nueva Orleans, Ciudad de México, San Francisco, Chicago, y de ahí a Nueva York de nuevo. Alcohol, orgías, marihuana, éxtasis, angustia y desolación: el retrato de una América subterránea, auténtica y desinhibida, ajena a todo establishment. Una crónica cuyos protagonistas, en la vida real y en el libro, fueron Jack Kerouac (Sal Paradise), Neal Cassady (Dean Moriarty), Allen Ginsberg y William Burroughs.

Un libro en el que Loquillo nos propone un viaje generacional por una ciudad en ebullición y un país en cambio. Sólo hay un secreto que me lleva hasta aquí.
Que ha muerto el silencio en las calles de Madrid. Alma de Ceesepe late muy dentro de ti. Piérdeme. La muerte será dulce aquí en Madrid. Cuando los gamberros tienen acceso a un poder y cuando los dandis muestran su desfachatez, cuando sus mujeres se han negado a crecer, cuando la locura ha vencido a la vejez. Madrid, llévame en tu coche a algún vicio por ahí. Búscame en las ondas alguien que hable para mí. Dile a Pepe Risi que ya puede sonreír, él mató el silencio en las calles de Madrid.

Sabino Méndez

Entre bastidores, muestra la vida del grupo Love en su época de máximo esplendor.
Discos como Da Capo y Forever Changes están considerados como auténticas joyas de la música moderna. Joyas de las que se cumplen 40 años desde su edición y sobre las que se puede leer por primera vez en Castellano de mano de su batería.

Durante toda su vida, Greil Marcus, uno de los mejores pensadores vivos de la cultura popular, ha escuchado a The Doors, la banda liderada por el carismático y oscuro Jim Morrison, que, en tan solo cinco años (1967-1971), grabó algunas de las mejores canciones de la historia del rock. Con su estilo radical e inconfundible, Marcus trasciende la atenta escucha de las canciones de la banda ùno solo las versiones de sus temas más conocidos, sino también las que interpretaron en directo, donde la banda solía reinventar su propio repertorioù y proyecta una de las miradas más inteligentes y brillantes sobre el legado cultural de la década de los 60. Además de los momentos decisivos de la historia de la banda, Greil Marcus convoca algunas manifestaciones artísticas clave y personalidades del imaginario colectivo norteamericano en un relato torrencial que, ante todo, rehúye el tópico de los 60 como la década de la paz, el amor fraternal y la liberación, detectando sus agujeros negros e instantes decisivos que la música de The Doors reveló mejor que nadie. ESCUCHANDO A THE DOORS es también una lección magistral de crítica de cultura popular y de cómo la literatura y el pensamiento pueden abordar la divulgación musical. Para ello, Marcus da rienda suelta a una prosa exuberante cuya finalidad no es reverenciar una música del pasado como objeto congelado en su tiempo, sino todo lo contrario: mostrar cómo algunas canciones y las ideas que estas vehiculan siguen vigentes y que, por ello, es preciso que las sigamos reivindicando y escuchando.«Nadie lee una canción como Greil Marcus, cuya prosa es tan apasionada y omnívora como la música que ama. En este libro viaja de la mano de Thomas Pynchon, el Pop Art y Charles Manson para traer de vuelta a la maldita e inquietante vida a unos caóticos y majestuosos The Doors obsesionados con la muerte.» SALMAN RUSHDIE «Nadie piensa ni escribe como Greil Marcus. Tiene un talento excepcional para poner en palabras el lenguaje onírico auditivo de la música, para hacerte æescucharÆ las canciones que pensabas que conocías como si fuera la primera vez. No solo escuchar, sino, como él dice, æsentirla en la pielÆ mucho después de que la canción haya terminado. Porque æla historia que está contando sigue adelanteÆ.» MARY GAITSKILLLa obra de Greil Marcus (San Francisco, 1945) es quizá la mayor reivindicación de la cultura popular jamás escrita. Sus escritos sobre el rock ùtema que le sirve a Marcus de trampolín para pensarlo y ponerlo en relación con la política, la estética, la filosofía o la historiaù se encuentran entre los más influyentes y brillantes de la literatura ensayística. Su primera obra, «Mystery Train: Images of America in Rock 'n' Roll Music» (1975) es un ensayo sobre las raíces del rock, de sus más ilustres autores, y sobre cómo estos se han erigido en los grandes cronistas de su tiempo. El monumental «Rastros de carmín. Una historia secreta del siglo XX» (Anagrama, 1993) traza un recorrido por la cultura Occidental más heterodoxa y radical, estableciendo puentes entre los heréticos medievales, el Dadaísmo, el Situacionismo francés o el punk británico. Ha dedicado ensayos a Elvis Presley («Dead Elvis. A Chronicle of a Cultural Obsession», 1991), Bob Dylan («The Old, Weird America. The World of Bob DylanÆs Basement Tapes», 1997; «Like a Rolling Stone: Bob Dylan en la encrucijada», Global Rhythm, 2010), Van Morrison («When That Rough God Goes Riding: Listening to Van Morrison», 2010) o, en su último libro, a The Doors. Es, además el autor del tema rock «I CanÆt Get No Nookie», que fue grabado por The Masked Marauders en 1969 y que durante una semana ocupó la posición nº 123 del Billboard, momento en el que fue atacado por la Comisión Federal de Comunicaciones, que lo tildó de «obscenidad en el aire». También formó parte de la banda formada íntegramente por críticos y escritores, Rock Bottom Remainders, junto a Stephen King o Matt Groening, y escribe habitualmente para diversas publicaciones, actividad que combina con el comisariado de exposiciones y la docencia. Vive actualmente en Berkeley, California, con su mujer, Jenny.

La historia íntima de un joven chicano queer que creció en un suburbio de Los Ángeles a mediados de los setenta y se convirtió en guitarrista de bandas tan influyenteCuando una devastadora tragedia personal aplastó sus sueños de adolescente, Kid Congo Powers encontró consuelo a través del fandom, como fundador del club de fans de los Ramones de la costa oeste. Un encuentro casual con otro inadaptado punk chicano que dirigía el de Blondie, ⸺Jeffrey Lee Pierce, en la fila del Whiskey-A-Go-Go para entrar a un concierto de Pere Ubu, cambió el curso de su vida. Pierce le propuso formar una banda. Nació así The Gun Club, y comenzó la que parecía una improbable transición de admirador hasta artista. En Pierce encontró hermandad, una voz creativa y una causa común por la autodestrucción que se alargaría durante años. Extravagante, graciosa y conmovedora, con una evocación perfecta del tiempo y el lugar, el libro es una memoria de transformación personal, adicción y recuperación, amistad y pertenencia, en contraste con la implacable creatividad y el exceso de las escenas musicales underground de los las décadas de 1970 y 1980.

NOMBRE: ... AZKEN VOMITONA?
NUMERO: UNICO
FORMATO: A4

Nos llega la última vomitada con un dossier en donde tras recorrer rastros, saquear baúles de los recuerdos y bucear en hemorotecas se han escaneado y reproducido infinidad de artículos de prensa, reportajes de fanzines, noticias y entrevistas de bandas como M.C.D., Matraka, La Banda Trapera Del Río, Vulpess, Metralla, Médanos De Singapur, BAP!, Estigia, Anti-Régimen, Primitivos, Deskonzierto, Eskorbuto, Escorbuto Crónico, Belladona, Distorsión, Bahía De Cochinos, Interterror y un largo étcetera...

Contenidos: Vidal Sassoon, el estilista antinazi, Entrevista a Boots N Booze Magazine, Phyllis Dillon, música con alma...

Contenidos: Volar en un Jaguar, Fuego y enjambres, En cápsula, Más madera, Brutal y rojo, Pósters en Africa, Clichés barriales, Veranos pasmosos, Queridos malos, Heels & faces...

NOMBRE: CARBON 14
NUMERO: 19
FORMATO: A4

Entrevistas: Joe Leonard * Merle Haggard * Candye Kane * Chas Ray Krider * John Holmstrom * Lazy Cowgirls * Dwarves (pt. 2) * Mayfield Williams * Al Hoff * Sour Jazz * Justice Howard * Stevie & the Secrets * the Boone Brothers. Columnas: Thee Whiskey Rebel * The Rev. Axl Future * Widowmaker * Alan "The Goddam" King * Hungover Gourmet * Our Man In Paris * Six Pack Sinema * Manor On Movies. + EP de regalo con canciones de Limecell, Serial Killers, The Bad Vibes y The Cosmic Commander's Intergalactic Rockestra.

NOMBRE: CASI FAMOSOS
NUMERO: 1
FORMATO: A5

Contenidos: Los Carniceros Del Norte, Kill Rock Star Records, Coprolitos, Teenagers From Outer Space, Aerobitch, The Flamin' Mamies, El Buque De Los Necios, Tarantino, Drug Free, CBGB, Reseñas Discos, Psycho Loosers, The Stranglers

NOMBRE: HUMAN JUKEBOX
NUMERO: 2
FORMATO: A5

Excelente fanzine a la vieja usanza con unos contenidos de luxe!: Dossier Australia, The Hate Bombs/Hidden Volume Records, Flamin' Groovies, Union Carbide Productions, Titan! Records... 70 páginas más que recomendables!!!

NOMBRE: IN FOCUS
NUMERO: 2
FORMATO: A4

Artículos sobre J. Teixi Band, Steve Wynn, Dave Alvin, Atom Rhumba, Mermaid, Bob Dylan, Los Enemigos...

NOMBRE: KAPUT!
NUMERO: 1
FORMATO: A4

The Drones, Federation X, The Hells, Kinky Lovers...

Javi Royo, Sergio Jiménez, Bernardo Vergara, Pedro Vera, El Rey de España, Pro, Abel Ippólito, Manolo Hidalgo, Pepe Farruqo, Akuña, Ricardo, Jali, valentin ponsa, Enrique Carlos, Monsalvet, Paco Alcázar, Gozzer, Álex de la Iglesia, Natxo Allende, L'Aranya, Busquet, Buil, Del Peral Pineda...

The Petals, Trash Ibérico, Omnia Opera, Boris And his Bolshie Balalaika, John Fallon, Open Mind, Mystic Stones...

NOMBRE: MAD PROJECT
NUMERO: 3
FORMATO: A4

Fanzine dedicado al Rock&Roll. En este número: Royal Crown Revue, Nikki Sudden, Sex Museum, Atom Rhumba, Underground Garage Festival, Cult Films... 

Articulos sobre Meliton Manzanas, La Cope, Lopez Rega, entrevista a Gallardo, Musica De Miedo, Luis Lobo Negro, Comics, Noticias, Profesor Reinaldo Rios,  El Móvil...etc.

Articulos sobre Yodel, Anorexia, Mujeres Chifladas, Mari Trini, Kenneth Anger, Comics, La Derecha Española, Gerardo Carton, Black Super Power, Jose Maria Mijangos, Rappel (el psicico de la bata)... etc.

Guia De La Espana Bizarra, Jilted John, Musical Geographic, El Johnny (espeluznante entrevista), Plastimodelismo, Nostalgia Pop, Pavlik Morozov, Robert Anton Wilson, Comics, Cesar Vidal, Tori Amos, Un Pinguino En Mi Ascensor, Yonkis De Los Vinilos, Tierra Santa, Chevy Chase, Antonio De La Rosa, Noticias...etc.

Alberto Pérez, Bomet De San Pedro, Echo & The Bunnymen, Españoles Raros, Grandes Y Enormes Transformistas, Guía De La Espana Bizarra II, Las Kogals, Leo Taxil, Locuciones Gilipollas, Musical Geographic, Ngoma y Candomblé...

Mondo Brutto crece a lo ancho. 184 páginas repletas de cultura de la buena: Cine Negro Espanol, Bruno Lomas, Yazoo Records, Miguel Stamp, Esperanza Aguirre, Discos Publicitarios A 78 Rpm, La Golden Dawn, Facebook, Comics... Número dedicado al patrioterismo esotérico y a Jose Luis López Vázquez.

NOMBRE: NO ACTION!
NUMERO: 2
FORMATO: A4

The Allnighters, Dr. Calypso, Chucho, Groove Crew, Helen Love, Jamaica Sound, The Charlatans, La Secta, Elvis Movies, Ulan Bator Trio, Dracula...

NOMBRE: SCRAM
NUMERO: 14
FORMATO: A4

Portada de Doug Allen, Go-Betweens, Radio Birdman, Nikki Corvette, The Dictators, Liz Damon's Orient Express, Sajid Khan, Rod McKuen...

Fanzine de comics.

Contenidos: Dossier Punch, Killer Barbies, Drogas, Santiago Segura, William Blake, Los Buges, Farmacia De Guardia, Hijomoto, Psychocomix...

Nuevo tocho de la biblia sesentera coordinada por esa bíblioteca andante que responde bajo el nombre de Mike Stax. Artículos, entrevistas, reseñas...etc. Casi 200 páginas con información a tutiplén de Belfast Gypsies, Misunderstood, Mike & The Ravens, Checkmates, Ikon Records...etc.
194 páginas!!!

NOMBRE: UGLY THINGS
NUMERO: 23
FORMATO: A4 

Nuevo tocho de la biblia sesentera coordinada por esa bíblioteca andante que responde bajo el nombre de Mike Stax. Artículos, entrevistas, reseñas...etc. Casi 200 páginas con información a tutiplén de Belfast Gypsies, Misunderstood, Mike & The Ravens, Checkmates, Ikon Records...etc.
194 páginas!!!

The Human Expression released a pair of mind-blowing garage-psych singles in 1966 and 1967 that are today regarded as among the most exciting and original of the era: “Love at Psychedelic Velocity” and “Calm Me Down” / “Optical Sound.” In this issue the band members tell their full story for the first time. Stu Boy King was the drummer for The Dictators’ seminal debut album Go Girl Crazy! He talks here in-depth for the first time since his ejection from the group in 1975. We also have fabulous exclusive interviews with the late Dave Hassinger (studio engineer for the 1964-66 Rolling Stones 1964-66, Jefferson Airplane, and the Electric Prunes, Steve Katz (Blues Project; Blood, Sweat & Tears), and Denny Tedesco, director of The Wrecking Crew. Also, Cyril Jordan of the Flamin’ Groovies revisits the years 1970-71 and the making of the seminal Teenage Head album.
 
We also have eye-opening stories on San Francisco’s demented proto-punks Psycotic Pineapple, a drug-scarred Santa Barbara ‘60s saga starring Turquoise, UK ‘70s punks Red Lights (“Never Wanna Leave”), Michigan garage greatness with Joe Doll, The Beau Biens and the aftermath, plus Hamilton & the Movement, Phoenix, Los Free Minds, Mickey Finn & the Blue Men & more. As always there’s also our instructive review sections covering all the latest reissues and rock‘n’roll-related books.

The Yardbirds, one of the most innovative groups of the ‘60s, are re-examined via a fascinating interview with Paul Samwell-Smith, the band’s bass player, musical arranger, and one of their key songwriters. The Weirdos were at the epicenter of the Los Angeles punk scene in the late 1970s, but their story has never been covered before with any depth or detail. We rectify that this issue with an epic feature story loaded with wild and weird photos.
 
Also in the spotlight are London ‘60s mods The Carnaby and The Game, Syracuse budget rock heroes The Penetrators, Texas garage-punks The Wig, Berkeley power pop icon J.D. Buhl, late ‘60s Manchester long-hairs Greasy Bear, and frilly-shirted pop-psych purveyors Fortes Mentum. Also, the story of Custom Fidelity Records, a riveting journey behind the scenes of the vanity record pressing industry in its mid-century heyday. Not to forget the latest installment in Cyril Jordan’s ongoing Flamin’ Groovies saga, and our extensive review sections, the ultimate consumers’ guide to all the latest vinyl and CD reissues and rock‘n’roll-related books.

In this issue we pay tribute to Phil May of the Pretty Things who passed on May 15, including heartfelt interviews with friends and collaborators Dick Taylor and Wally Waller, and an array of other stories, as well as rare and previously unseen Pretty Things photos. Also this issue, the story behind the Electras’ gnarly sixties punk masterpiece “Dirty Old Man,” the tale of Midwest psychedelic masters the Paisleys (Cosmic Mind at Play), Southern California garage-psych combo the Search, guitarist Craig Tarwater (Hawk & the Randellas, Sons of Adam, Arthur Lee & Love), and an unforgettable night of music and mirth with Hasil Adkins. We also explore the world of jazz guitarist Gabor Szabo and its intersections with pop and psychedelia in the 1960s, and tell the strange story of the San Jose garage pop group People, who recorded a hit version of the Zombies “I Love You,” only to become enmeshed in the sinister world of Scientology. All this and a lot more, including as always our expansive review sections covering all the latest reissues and rock & roll-related books.

NOMBRE: USTED
NUMERO: 4
FORMATO: A5

Hablar del fanzine Usted, es hablar de EstebanHernández, ya que coordina y es el autor de todos los cómics e ilustraciones que aparecen en este fanzine. Esta editado mediante offset desde el estudio Laboratorio de Gráficas Valientes por Martí­n López, uno de los máximos responsables de esa necesaria iniciativa que fue Zink!
Arropado por un cuidado y detallista dibujo, nos encontramos con dos historietas que reflexionan sobre el éxito y la locura. Completa el fanzine el texto El cuerpo es humo de David Ruiz.
Nominado al mejor fanzine en el Salón del cómic de Barcelona, cuenta con 44 páginas en formato A5, monocromo interior y portada en dos tintas.

NOMBRE: USTED
NUMERO: 5
FORMATO: A5

Fanzine de cuidada factura (con calidad de impresión equivalente o superior a la de comic-books de editoriales "profesionales"), con una recopilación de historietas diversas, sin ninguna conexión temática apreciable entre ellas. De las diferentes colaboraciones, destacaremos la historieta de Fermín Solís, sin díalogos y protagonizado por un cura bienintencionado que intenta ayudar a los demás, con resultados contraproducentes, y la de Paco Redondo, que recuerda gráficamente a David Lapham (Balas Perdidas). Como curosidad, comentar que la historieta "Bubbles" ya se había publicado previamente en Psico Soda (Dibbuks, 2007).

NOMBRE: USTED
NUMERO: 6
FORMATO: A5

Usted reúne varios autores, esta vez con estilo más próximos y coherentes al de Hernández, pero con una gama de géneros muy diversos lo que otorga un ritmo de lectura ágil y ameno.

NOMBRE: USTED
NUMERO: 7
FORMATO: A5

Un trabajo más reflexivo, introspectivo, con un Esteban Hernández que toca la faceta autobiográfica más de cerca en algunas de las historias que aparecen en este ejemplar.

NOMBRE: USTED
NUMERO: 8
FORMATO: A5

INFO:

Esteban Hernández se ha autoeditado un nuevo número del fanzine "Usted", el octavo. Esta vez participan Miguel B. Nuñez, Paco Alcázar y un 85% de historietas de Esteban Hernández.

NOMBRE: WACO
NUMERO: 1
FORMATO: A5

Padres Contra La Musica Rock, Medication, Smellie Fingers, Errings, Manta Ray, Penelope Trip, Doctor Explosion...

Contenidos: Dixebra, Los Brazos, The Lucky Devils, La Casa Fantom, Voodoo Grass, U.S. Christmas, Gente Muerta...

Contenidos: Oranssi Pazuzu, Imperial Drag, Amyl & The Sniffers, Rick Rubin, Soax, Koko Sakito, Momo, 13 Bats, Stray Cats, Heredeiros Da Crus, Pinchadores, la edad de Oro Del Horror...

Contenidos: The Body, Demolition 23, Capsula, Vlack, The Replacements, La Taberna De Hank, Gaboni, Jorge Nunes, Motxila 21, Green Desert Water, Totengott, The Ronettes, The Detroit Cobras, La Edad De Oro Del Horror...

El primer libro de Bob Dylan desde 2004: un logro artístico crucial, y una destilación de lo que ha aprendido sobre su ocio desde su debut en los años sesenta. Este libro incluye más de sesenta ensayos centrados en canciones de otros artistas, que van desde Stephen Foster hasta Elvis Costello, pasando por Hank Williams o Nina Simone. Dylan analiza lo que llama la trampa de las rimas fáciles, desglosa la forma en que una sola sílaba puede malograr una canción e incluso explica la relación entre el bluegrass y el heavy metal.Estos ensayos, escritos en la prosa única de Dylan, son misteriosos y volubles, agudos y profundos, y muchas veces nos hacen reír a carcajadas; y, aunque claramente van sobre música, en realidad son meditaciones y reexiones sobre la condición humana.Repartidas por todo el libro hay cerca de ciento cincuenta fotos cuidadosamente seleccionadas, además de una serie de textos como salidos de un sueño que, juntos, parecen un poema épico y contribuyen a la trascendencia del conjunto.

Tras un proceso de documentación de dos años y entrevistas con los principales actores de la escena, Richard King ha compuesto uno de los ensayos de la literatura musical más vibrantes de los últimos tiempos. Freak Scene documenta la fascinante historia de los sellos independientes de la música pop y rock británica, desde 1975 a 2005.
Tras el advenimiento del punk y su consigna del «do it yourself» como reacción a la práctica habitual en la industria musical, donde el acceso a los medios de producción estaba reservado a la élite, una generación de jóvenes británicos se imbuyó de este espíritu iconoclasta y radical, y sin apenas conocimientos de economía o de marketing, y sin ningún sentido empresarial, se embarcó en la creación de algunos de los sellos que marcarían el rumbo creativo de la música pop. Fundados en dormitorios, garajes o buhardillas, surgieron proyectos como Factory, Rough Trade, Mute, Postcard, Beggars Banquet, 4AD, Creation, Blast First, Warp o Domino, que reinventaron el panorama musical. Nacía así la música«indie» o «alternativa», con bandas como Orange Juice, New Order, Depeche Mode, The Smiths, Cocteau Twins, Happy Mondays, Sonic Youth, Primal Scream, My Bloody Valentine, Teenage Fanclub, The White Stripes, Franz Ferdinand o Arctic Monkeys, entre otras muchas.
Freak Scene cuenta la historia de estos sellos independientes y sus exaltados promotores, que, partiendo del amateurismo más apasionado, generaron, sin buscarlo, una de las experiencias más fértiles y exitosas de la industria cultural de la segunda mitad del siglo xx. Es también el relato de su fracaso comercial, pues casi todas estas discográficas acabaron muriendo de éxito, o sucumbiendo a la atracción del abismo del rock and roll y sus excesos.

La dramática y truculenta vida de Jerry Lee Lewis es una de las más legendarias de la historia de la música popular norteamericana. Considerada una de las mejores biografías jamás escritas, "Fuego eterno (Hellfire)" es un fascinante relato que bascula entre la ficción más oscura y desatada y una precisión documental quirúrgica, y que desde su publicación en 1982 no ha dejado de ser aclamado y reivindicado.
Nacido en Luisiana de una dinastía que se remonta a los primeros colonos -una estirpe de jugadores y bebedores empedernidos-, Jerry Lee Lewis se debatió desde su temprana juventud entre el Espíritu Santo y las tentaciones del demonio; entre la Salvación y el sexo, las drogas y el rock and roll, y fraguó junto con otros muchachos indómitos una de las grandes revoluciones culturales y musicales de Occidente.
Empezó a tocar a los catorce años, cuando descubrió que el piano -que tocaba como un poseso- podía ser un instrumento diabólico y espiritual, y a los veintiuno grabó «Whole Lotta Shakin' Goin' On» para la mítica discográfica Sun Records de Memphis y se convirtió en leyenda. Poco después vendrían la provocadora «Great Balls of Fire», las drogas, el arrebato, la fama desmesurada, el matrimonio con su prima de trece años, la infamia y el escándalo... Y cuando parecía que su carrera estaba acabada, renació como artista country a finales de los 60.
"Fuego eterno" ilumina el alma atormentada de uno de los salvajes más perdurables de la cultura popular y da cuenta de la gran revolución que supuso la eclosión del rock and roll, cuyo estruendo y revulsivo han llegado hasta nuestros días.

TITULO: HABLANDO DEL DIABLO
AUTOR: BETO HERNANDEZ
FORMATO: COMIC
EDITORIAL: LA CUPULA

INFO:

Esta es la historia de Val Castillo, una prometedora gimnasta con un extraño hobby: es el mirón secreto del vecindario. Al principio está sola en esto, pero cuando un amigo suyo descubre lo que está haciendo, se une a ella en el oscuro viaje de espiar y hacer descubrimientos sobre los vecinos, que quizá hubiera sido mejor que hubiesen permanecido ignotos.

El sábado 9 de agosto de 1969, tras una alerta de posible homicidio, tres agentes de policía acuden a la vivienda de la actriz Sharon Tate —la mujer del director de cine Roman Polanski, embarazada de ocho meses— situada en el 10050 de Cielo Drive, en el opulento barrio angelino de Bel Air. En la mansión, descubren los cuerpos salvajemente asesinados de la actriz y otras cuatro personas en lo que parece un crimen ritual.
Al día siguiente, no muy lejos, en el barrio de Los Feliz, encuentran los cadáveres acuchillados del matrimonio Leno y Rosemary LaBianca. En el cuerpo de la mujer se identifican posteriormente cuarenta y una heridas de arma blanca. En tres puntos del domicilio, alguien ha dejado escrito, con la sangre de una de las víctimas, unas extrañas proclamas.
La errática investigación que siguió a estos bestiales asesinatos —que al principio no se relacionaron entre sí, a pesar de las coincidencias— basculó entre la estupefacción y la impotencia. ¿Quién había cometido aquellas atrocidades? Y ¿por qué? Mientras los titulares de la prensa de toda Norteamérica alimentaban la conmoción y el estupor, y las especulaciones sobre los sospechosos y los móviles se sucedían, la investigación iría apuntando a un grupo de jóvenes que se había establecido en el árido entorno del rancho Spahn —un antiguo escenario natural de westerns al norte de Los Ángeles reconvertido en comuna hippy— liderados por Charles Manson —alias Jesucristo—, cuyo poder e influencia sobre el grupo —la Familia— llegarían al punto de lograr que
mataran siguiendo sus oscuros designios.
El autor de este clásico de la literatura criminal, el fiscal Vincent Bugliosi, tomó las riendas de uno de los casos más extensos e intrincados de la historia judicial norteamericana, y, además de relatar con una precisión y rigor deslumbrantes los pormenores de los crímenes y del proceso judicial que generaron, compuso un retrato portentoso y aterrador de la «Familia Manson» y de su líder, uno de los iconos más terribles y perdurables de la cultura popular. Tras cincuenta años de los infames asesinatos, presentamos la edición más completa del libro, que incluye un posfacio del propio Bugliosi de 1994 y una profusa selección de imágenes.

A mediados de los sesenta, la música popular norteamericana dio un giro copernicano cuando la fábrica de hits de Nueva York se vio desplazada por los himnos aterciopelados y edénicos que empezaron a brotar de Los Ángeles de la mano del genial productor Phil Spector y grupos como los Beach Boys, los Byrds o The Mamas and the Papas. A partir de ese momento, una serie de artistas, que empezaron a reivindicarse como cantautores de sus propios temas, encontraron en las colinas californianas de Laurel Canyon y en sus alrededores un paraíso virginal ?en plena naturaleza pero a un paso del fragor de la gran ciudad? donde establecerse, echar raíces y dar rienda suelta a sus canciones de corte intimista y reivindicativo. Locales como el Troubadour, en La Cienega Boulevard, empezaron a ser frecuentados por la nueva horda de músicos, que aspiraban a tocar sus canciones en directo frente a la exigente audiencia, formada en buena parte por los propios músicos y aspirantes a estrellas. Se iría así fraguando una de las eras doradas del rock norteamericano, que empresarios de la música como un joven y aguerrido David Geffen y su socio Elliot Roberts convertirían casi de la noche a la mañana en un emporio. De este modo, sellos como Warner/Reprise, dirigidos por los linces Mo Ostin y Joe Smith, o Asylum, del tándem Geffen/Roberts, apostaron por un repertorio de folk rock y nuevo country que vio nacer a cantautores y grupos de la talla de Neil Young, Joni Mitchell, Gram Parsons, Crosby, Stills & Nash, Jackson Browne, Linda Ronstadt, James Taylor, The Flying Burrito Brothers, The Eagles o Fleetwood Mac, entre muchos otros, que se convertirían en el nuevo canon del rock y el folk de la música norteamericana a base de música introspectiva y de raíces. Sin embargo, el idealismo, la solidaridad y el talento no tardarían en dar paso a un pandemónium de celos, consumo exacerbado de drogas y sobredosis, relaciones sentimentales tormentosas, éxitos clamorosos y caídas en picado que convirtieron el paraíso en un infierno de egoísmo y capitalismo desbocado que preconizó las maneras que la industria musical desarrollaría a partir de ese momento. Esta es la historia de los artistas de aquella generación, que alumbraron algunas de las mejores canciones de todos los tiempos y cuyo legado sigue más vigente que nunca.

Este es un libro sobre la música de John Coltrane. Pero no sólo es eso. En el momento en el que el jazz revolucionaba la música del siglo XX, sus músicos vivían otra revolución: la de la lucha por los derechos civiles de los afroamericanos. Coltrane no fue ajeno a esa lucha. Su talento lo puso a la vanguardia de la música de su tiempo, pero su saxofón, más allá del ritmo y belleza de sus sonidos, se convirtió también en una de las voces de la resistencia frente al racismo.

A los 20 años de su muerte, ve la luz por fin la primera antología de sus canciones: la vida del «El hombre de negro» revelada a través de sus letras, con fotografías inéditas del archivo familiar e innumerables curiosidades aportadas por conocidos, amigos y familiares, en edición ilustrada y autorizada por la familia del artista.

«Acaso no haya mejor manera de conocer a mi padre que a través de sus escritos», afirma John Carter Cash. «Ya sean las canciones que grabó, su poesía o todo el material que no se publicó en vida del artista; volcó su corazón, su mente y su espíritu en todo lo que escribió. Estoy emocionado por la publicación de este libro y por honrar su genio y su vida centrándome en la oportunidad de dar a conocer la parte de su obra más importante de su vida: sus letras.»

Venerado por sus coetáneos (de Elvis a Bob Dylan) y considerado custodio de las esencias del country y del folk sureños, Johnny Cash es una de las estrellas más respetadas e influyentes de todos los tiempos, habiendo compuesto más de 600 canciones y vendido más de 90 millones de discos. Ha recibido, a lo largo de su carrera, veintinueve discos de oro, platino y multiplatino, y ha dejado su impronta en el Salón de la Fama de los Grammy, el Salón de la Fama del Rock & Roll, el Salón de la Fama de la Música Country y el Paseo de la Fama de Hollywood.

Es esta la primera antología que abarca cincuenta años de carrera con las letras de 125 canciones y las historias que las inspiraron. Más que ningún otro artista estadounidense, Cash habló al alma de la nación, sin olvidar tampoco la crónica de su propia vida y tribulaciones. Un documento de época de gran valía que nos acerca al hombre y al artista, así como a la propia historia de Estados Unidos que él mismo y el country contribuyeron a forjar.

Entrelazar las venturas y desventuras del bardo con las historias de sus propias canciones es una fórmula sin parangón en el género y acaso más reveladora que cuanto accediera a compartir en sus propias memorias.

Esta primorosa antología en edición bilingüe –con QR habilitado para tal fin junto al título de cada canción–, es una pieza de coleccionista esencial para todo fan que se precie. Arroja nueva luz sobre la vida y obra de Cash, incluyendo material fotográfico inédito, reproducciones facsimilares de los manuscritos de las canciones, en edición anotada y comentada por el hijo del artista: John Carter Cash.

- Has hecho un buen trabajo, después de todo. De profesional. ¿No te pone cachondo golpear a alguien así?
- Cállate.

El Templo de la Juventud Psíquika es una sociedad oculta fundada en el Reino Unido en 1981 con el objetivo de liberar los poderes que residen en la mente humana. Su cara más visible fue la banda Psychic TV, liderada por Genesis P-Orridge, y en sus rituales participaron miembros de grupos como Soft Cell, Coil, Alternative TV, Skinny Puppy o Current 93.
Aquí se reúnen los documentos principales de la Juventud Psíquika. Escrito por varias plumas de entre las que destaca la de P-Orridge, encontrarán ensayos filosóficos, relatos históricos sobre el Templo, crónicas de rituales musicales y sexuales, cut-ups, tratados sobre simbología sigilística e instrucciones prácticas para llevar a cabo actos de magia. Un manual de rebelión psíquika y autoafirmación para despertar del sueño sin sueños.

Kim Gordon dio a luz a principios de los 80, junto con el que sería su marido, Thurston Moore, y el guitarrista Lee Ranaldo, a uno de los grupos más innovadores, influyentes y prolíficos de la escena musical independiente norteamericana, Sonic Youth. «La chica del grupo» es el relato en primera persona de uno de los grandes iconos femeninos del rock, una mujer que, como Patti Smith, Janis Joplin o Marianne Faithfull, supo encontrar su lugar en un mundo fundamentalmente masculino y, a menudo, sexista.
Dotada de un singular talento e inquietud para lo creativo desde su temprana juventud, Kim Gordon narra en estas apasionantes memorias el devenir de una vida dedicada a la música, al arte -su obra artística, entre la pintura y la instalación, ha sido expuesta en relevantes galerías-, la moda -fue una de las creadoras de la marca X-Girl- y, en menor medida, la interpretación -ha trabajado como actriz a las órdenes de directores como Gus Van Sant, Olivier Assayas o Todd Haynes-, pero también su fecunda historia de amor con Thurston Moore. Sin embargo, la que fuera una de las parejas del rock más longevas y creativas se disolvió tras veintisiete años de matrimonio, poniendo también punto y final a la trayectoria de un grupo que marcó un antes y un después en la música alternativa de los 80 y los 90. Gordon relata con una angustia aún latente cuando descubrió que su marido la engañaba con otra mujer y cómo, después de una retahíla de engaños y mentiras, decidió separarse de él definitivamente.
Kim Gordon también rememora la electrizante escena musical y artística de Nueva York y algunas de las canciones más celebradas y perdurables de Sonic Youth como «Death Valley '69», «Schizophrenia» o «Kool Thing», y recuerda con especial cariño su cálida amistad con Kurt Cobain, el líder de Nirvana.

A principios y mediados de los 70 tuvo lugar en Barcelona una insólita eclosión creativa que significó la primera manifestación de rock experimental de vanguardia conocida en territorio español. Partiendo del free jazz, pasando por el punk y la música industrial, y llegando hasta la electrónica, varias generaciones de francotiradores se encargarían de afianzar una tradición que, consolidada en los años 80, todavía sobrevive en la actualidad. Gestada en el underground y tomando el relevo del rock progresivo barcelonés de 1969-73, fue también la primera manifestación de rock independiente conocida en el ámbito estatal, como demuestran el hecho de que Macromassa autoeditaran su primer disco en 1978 y la aparición de otros sellos independientes en Barcelona con anterioridad a la Movida madrileña. Demasiado y demasiado pronto, todas esas rupturas pasaron factura a un movimiento que no fue tal y que obtuvo más repercusión en Francia o Estados Unidos que en España. Lo arriesgado y minoritario de sus propuestas, el carácter hermético y autosuficiente de unas bandas que no perseguían el reconocimiento popular, el desinterés institucional y el desafecto de un público que se dejaba llevar por los escapistas sonidos de la Transición y el monopolio layetano-salsero de Zeleste, condenaron a la marginalidad a ese periodo que sigue siendo ignorado por las crónicas oficiales a pesar de constituir el más creativo y transgresor de los acontecidos en el acervo cultural reciente de la ciudad de Barcelona. La Ciudad Secreta, un retrato coral en el que se entrevista a muchos de sus protagonistas, trazando al unísono un análisis de la degradación política y social de Barcelona en el periodo acaecido entre la pre-Transición y las Olimpiadas, se propone restituir identidad y entidad a una estimulante etapa que musicalmente puede compararse a fenómenos como el krautrock en Alemania, Canterbury en Inglaterra y la escena avant rock francesa, generador de un circuito propio, estrechamente ligado a la cultura de fanzines, radios libres y cassettes. Sumergiéndose en las páginas y sonidos de esta aventura, el lector experimentará la misma emoción.

«TENGO PASIÓN POR LA PAZ Y CREO QUE EMPIEZA CON EL RESPETO POR LOS ANIMALES.» Linda McCartney

Linda McCartney fue una precursora de la cocina sin carne y compartió con su familia el placer de comer de manera respetuosa con los animales. Ahora, Paul, Mary y Stella han revisado y actualizado las mejores recetas de Linda en una extraordinaria recopilación que se adapta perfectamente a los gustos actuales.
Los platos favoritos de la familia McCartney como la ensalada de espinacas, aguacate y setas, el tabulé de quinoa, los fideos de arroz con edamame, brócoli, jengibre y ajo, el risotto de setas con hierbas, las lenjejas al curry o la tarta de queso con fresas, son solo algunas de las recetas de origen vegetal sencillas, nutritivas y sostenibles que contiene este atractivo libro.
Acompañado de historias personales y de fotos familiares íntimas realizadas a lo largo de tres décadas, La cocina familiar de Linda McCartney no solo es un libro bueno para ti sino que lo es para todo el planeta.

«Linda fue una de las pioneras del vegetarianismo, y el movimiento actual le debe mucho. Estoy muy orgulloso de ella y de todo lo que hizo. Si estuviera entre nosotros estaría encantada con esta revolución vegetal.» Paul McCartney

El 12 de julio de 1962, los Rollin' Stones ofrecieron su primer concierto en el Club Marquee de Londres. Poco después, se añadió una «g», se encendió una chispa y su destino quedó sellado. Ya no había marcha atrás. Estos cinco chavales blancos británicos se proponían tocar música afroamericana. Perfeccionaron un estilo rebosante de matices de blues mezclados con oscuras insinuaciones a las mujeres, al sexo y a las drogas. Denunciados como «corruptores de la juventud» y «mensajeros del diablo», crearon algunas de las canciones más electrizantes jamás grabadas. Su sonido y actitud parecen ahora más fuertes e influyentes que nunca. Elvis ha muerto y los Beatles ya pasaron, pero Jagger y Richards dominan el mundo. Contradiciendo al proverbio inglés, puede que acumulen musgo, pero son culos de mal asiento y no pueden dejar de rodar. Sin embargo, ¿cómo se convirtieron estos sumos inadaptados antisistema en la marca global que hoy conocemos ¿Quiénes fueron sus víctimas ¿Cuál es el legado olvidado ¿Alguna vez realmente puede el artista separarse del arte El nuevo relato de Lesley-Ann Jones sigue la huella de esta banda contradictoria, perturbadora, granítica e imparable a través de las ilusiones, la gloria y el exilio, durante sus años de fuerza arrolladora y en su posterior ajuste de cuentas con el rock, donde los Stones parecen estar más en desacuerdo que nunca con los valores y la herencia contra los que siempre se han rebelado. Buenos, malos y a menudo feos: señoras y señores, los Rolling Stones como nunca se habían visto.

Little Richard abrió el camino para generaciones de músicos: los Beatles, James Brown, los Everly Brothers, Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Elton John, PrinceLa lista es interminable. Él era «el Origen», «el Innovador» y el autoproclamado «Rey y Reina del rock and roll». Cuando falleció el 9 de mayo de 2020, La gran vida de Little Richard, que estaba casi terminado, se actualizó inmediatamente para cubrir la respuesta internacional a su muerte. Esta es pues la gran biografía de Richard Wayne Penniman de Macon (Georgia, Estados Unidos), quien fue, hasta su fallecimiento, el último dios vivo del rock, el gran Little Richard. Mark Ribowsky, aclamado biógrafo de íconos musicales, explora la maestría musical de Little Richard, su vida familiar, su lucha contra el racismo, sus relaciones con otros personajes famosos de la época y con los medios de comunicación, y su eterno conflicto interior entre su religión y su sexualidad.