VINILOS

El grupo vasco Billy Bao viajó a la antigua capital de Nigeria para grabar una oda en cuatro partes a la ciudad ... Son collages de sonido que toman fragmentos del trabajo de la artista sonora local Emeka Ogboh, el ex compañero de Fela Duro Ikujenyo y el saxofonista de afro jazz Orlando Julius, y fusionándolos toscamente con el respaldo ambiental ... Billy Bao y sus compañeros logran capturar el amor, el afecto y la frustración inevitable (inconfundible) que evoca Lagos ". Lanre Bakare, The Wire "Lagos Sessions" con: Billy Bao, Ambido, Diana Bada, Duro Ikujenyo, Mark Ido, Oduyomi Isaiah Oluseye, Joel Isioma Okoh, Orlando Julius, Mendo, Emeka Ogboh. Presentado en portada desplegable con notas de Kunle Tejuoso y Ed Emeka Keazor.

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Reedición del álbum debut homónimo de Moura, lanzado originalmente en 2020 y agotado durante casi dos años. Impreso en vinilo verde de alta calidad, limitado a 150 copias numeradas a mano.

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Edición limitada en vinilo de color.
Grabación en directo en el Capital Centre, Landover, el 11 y 12 de octubre de 1982.

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Reedición con carpeta gatefold de su álbum de 1971.

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Versión extendida de esta fabulosa grabación a cargo de Jeffrey Lee Pierce & Cypress Grove. Puro Blues acústico, grabado en Eslovenia en 1994 para un programa de radio. Jeffrey Lee se había tomado un descanso de Gun Club para enfocarse en su pasión por el Blues tradicional. Contiene canciones inéditas hasta la fecha. Para completar una edición de lujo, se añaden notas del propio Cypress Grove. Por lo que sabemos, éstas fueron las últimas canciones grabadas por Jeffrey Lee... y suenan brutales!!!

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Reedición de este álbum publicado en 1958 por estos dis monstruos del blues.

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Haciendo un repaso de sus apenas veintiséis minutos de duración por diferentes corrientes musicales (en el disco hay ecos Motown, sixties, rock’n’roll, glam, garage o indie rock) y producido por Butch Walker (Taylor Swift, Weezer), el comienzo del álbum con Billie Joe Armstrong cantando en falsete en “Father Of All…” no es más que una declaración de intenciones sobre lo que viene después: una banda que, tras más de dos décadas largas de carrera, quiere centrar sus esfuerzos en componer canciones sin pretensiones y, como ellos mismos dicen, “not giving a fuck”.

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Grabado en directo en el Nassau Coliseum, Uniondale, New York, el 23 de marzo de 1976. Portada gatefold.

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Edición especial para el RSD de 2022.

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Reedición, por primera vez en vinilo, de su álbum de 1997.

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Hace ya un tiempo que en conversaciones privadas con amigos comentó que algo se cuece en el sur de la península ibérica, como una especia de nueva ola del rock andaluz. Ya desde los seminales Viaje A 800, Bourbon, Atavismo y por supuesto la banda que ahora nos ocupa. Combo compuesto por algunos sospechosos habituales de los grupos antes mencionados y cuyo nombre les viene como anillo al dedo. Un híbrido de muchas cosas: King Crimson, Pink Floyd, psicodelia, posrock, algo de metal, también un poco de pop, rock andaluz y hasta ciertas reminiscencias de los Rush más primigenios. Ise presenta como un EP, pero por su extensión personalmente me lo tomo como un álbum en toda regla. Las referencias citadas un poco más arriba bien agitadas y mezcladas desde el primer corte, la heterodoxa «Pensando en un Eco de Instinto Interior» con un trabajo instrumental de órdago. Quizás donde se note la influencia más andalusí sea en la excepcional «Les Pirules Vertes», una canción que ya vale por todo el trabajo entero, y cierra este debut la sorprendentemente metálica «Ente», en la que incluso asoma alguna influencia extrema. Híbrido es otro toque de atención desde el sur de España, que parece ser la nueva meca del rock más vanguardista y desinhibido.

XAVI MARTÍNEZ

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El segundo álbum de la banda de Kim y Kelley Deal la aupó a convertirse en uno de los grandes nombres del rock alternativo de los noventa gracias a un puñado de grandes canciones.

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Encargada por el aclamado director de cine Roman Polanski, la banda de culto Third Ear Band se enfrenta al reto de introducir un delirio de imaginación y creatividad en su personalísima versión cinematográfica de autor de Macbeth, una obra original de William Shakespeare. Los resultantes 44 minutos de sonidos imaginativos, divididos en 16 piezas extraordinarias, son un asombroso ejemplo de psicodelia abstracta y retorcida, enraizada en texturas de aromas medievales y clásicos. ¡Una monstruosa joya de Munster!

A modo de aperitivo de lujo ante la próxima reedición del álbum Elements (incluyendo jugosos extras…), Munster Records nos trae Macbeth, la asombrosa banda sonora a cargo del grupo inglés Third Ear Band para la película de Roman Polanski, grabada y producida en 1971. Una mágica invitación para que el oyente se sumerja en territorios insospechados de audacia, imprevisibilidad e íntima experimentación abstracta-folky. Según el propio miembro fundador de la banda, Glenn Sweeney, la música se calificó como alquimia al ser producida mediante repetición. No obstante, tal repetición no sigue las mismas estructuras musicales de, digamos, Terry Rilley, Steve Reich o Philip Glass al contar con una naturaleza indefinida de pasajes atormentados y retorcidos de un peculiar encanto poético. La banda, formada en Canterbury, comenzó en 1967 tocando una especie de folk hipnótico y abstracto. Tras firmar con el próspero sello de culto Harvest, debutaron en 1969 con Alchemy, un álbum de improvisación instrumental de corte psicodélico y jazzy. En 1970 llegó una absoluta obra maestra, un álbum de título homónimo también conocido como Elements. Para Macbeth, su tercer trabajo, tan solo quedaban el líder Glenn Sweeney (percusión) y Paul Minns (oboe) de la formación original del cuarteto. Se grabó cuando la mitad de la banda -Richard Coff (viola y violín) y Ursula Smith (cello)- ya se habían ido, y estaban a punto de grabar un tercer disco llamado The Dragon Wakes, que se había planteado como un álbum eléctrico con influencias rock. Al margen de una pocas sesiones, el disco nunca llegó a terminarse. Los temas presentados en la película fueron compuestos de forma improvisada mientras veían extractos en blanco y negro de la obra. La música, grabada en seis semanas en los Air Studios de George Martin, en julio de 1971, tiene la misma dimensión poco convencional y bastante única que caracteriza a la película. Es música de autor para una película de autor. Encaja perfectamente en la narrativa libre, delirantemente idiosincrática, de la historia adaptada por Polanski. Glenn Sweeney resumía su creación mejor que cualquier intento por parte de los críticos: la música de Third Ear Band es un reflejo del universo, como la ilusión de un juego de magia, simplemente porque no podría ser otra cosa. Las palabras no pueden describir esta danza de sonido estática, o explicar la repetición alquímica buscando y, a veces, encontrando formas arquetípicas, elementos y ritmos…. Hay un ambiente general arty-medieval, y resulta folky lúdico en cortes como 'Overture', 'Iverness', 'Court Dance' y 'Fleance', donde las interjecciones experimentales funcionan como mecanismos coloridos. 'Fleance', con Keith Chegwin como cantante invitado, es un punto álgido deslumbrante. Asaltos poéticos de música concreta están presentes en temas como 'The Beach', 'Ambush', 'Prophesies', como si cada fragmento de percusión, canto de gaviotas o silbido agudo nos estuviera llevando hacia olas de miedo en lo desconocido. Hay otras preciosidades perdidas dentro de los 44 minutos del disco, como la melodía de oboe minimalista de 'Lady Macbeth', flotante como un ciempiés en sueños o los líricos acordes de guitarra en 'The Banquet' enfatizando un clímax de misterio absoluto. Y, por cierto, esta es la canción que tocan durante el banquete en el castillo cuando la banda sale durante unos pocos segundos en la película. Teniendo en cuenta la singularidad de la película, tenemos aquí una banda sonora sublime para la misma. Música que nos hace sentir lo insondable y lo impredecible, a veces discurriendo con suavidad, como una pieza sólida y misteriosa. Cierra los ojos y disfruta de una aventura a bordo de esta alfombra caleidoscópica de la imaginación de posibilidades inesperadas.

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Reedición en vinilo de 180 gr remasterizada a partir de las cintas originales de este álbum publicado por los Allman Brothers en 1979.

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Publicado originalmente por RCA Victor en 1962, 'Our Man in Jazz' marca el primer paso de Rollins hacia una forma de jazz más abierta y exploratoria. Interpretado por una formación sin piano que incluía a dos hipercreativos alumnos de 'Ornette': Don Cherry a la trompeta y Billy Higgins a la batería, además del súper sólido contrabajo de Bob Cranshaw, este lanzamiento se erige como un brillante documento de la nueva ola del jazz de principios de los sesenta.

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Este disco recopila por primera vez la totalidad del material contenido en los 3 singles que publicó el grupo valenciano de culto Modificación a comienzos de los 70, junto a grabaciones inéditas procedentes de aquellas mismas sesiones, muy influenciados por bandas internacionales como Grand Funk Railroad, Iron Butterfly, Vanilla Fudge, Rare Earth, Led Zeppelin… Incluye Across the Time, un atronador número de freakbeat que en los últimos años se ha convertido en uno de los singles españoles más buscados y cotizados de esa época. Un completo retrato de una de las bandas underground más legendarias de aquel periodo en España cuya obra permanecía aún fuera del alcance de los coleccionistas y reclamaba su recuperación urgente. La edición se completa con numeroso material gráfico procedente del archivo personal de los miembros del grupo y notas interiores exhaustivas firmadas por el reconocido especialista Vicente Fabuel. El arte de la portada recupera igualmente icónicos elementos gráficos procedentes del material promocional usado por Modificación en aquellos años.
El grupo Modificación ilustra con precisión lo que significó el rock de los 70, progresivo y underground, en la escena valenciana. Hacer las músicas que el planeta rock internacional demandaba en esos días, mucho más libres y expansivas, penalizaba. Sufrieron las dificultades de querer grabar discos modernos e innovadores, imposiciones de las discográficas y deserciones de sus miembros con intereses más profesionales que artísticos. Su nacimiento se remonta a comienzos de 1969, en el valenciano barrio de Ruzafa, teniendo sus fundadores en torno a los 16 años de edad media. Mientras que otras bandas de la ciudad se decantaban por repertorios más comerciales, bautizaron el grupo como Modificación para dejar clara su apuesta por propuestas más underground, muy influenciados por bandas internacionales como Grand Funk Railroad, Iron Butterfly, Vanilla Fudge, Rare Earth, Led Zeppelin…Haciendo desde el principio temas propios, sus directos se caracterizaban por su gran compenetración y potencia. Una actuación junto a los catalanes Lone Star cambió su suerte, al recibir una oferta para grabar un single en EMI, Llegará el día que me quieras (1971), un debut importante que supuso también la incorporación -temporal- de Juan Bau como cantante. Su segunda aventura discográfica llegaría en 1972 con el pequeño label madrileño La Corrida, propiedad de los Pekenikes Félix Arribas y Juan Jiménez, donde publicarían un par de singles grabados en los madrileños estudios Audiofilm con influencias glam, onda californiana y soft rock, tal y como era tendencia internacional en ese momento. De estas sesiones procede una de sus grabaciones más buscadas, la ya mítica Across the Time, un atronador número de freakbeat que en los últimos años se ha convertido en uno de los singles españoles más cotizados de esa época. Este disco recopila por primera vez la totalidad del material contenido en los 3 singles que publicó la banda junto a grabaciones inéditas procedentes de las sesiones realizadas a comienzos de los 70 en Madrid. Un completo retrato de una de las bandas underground más legendarias de aquel periodo en España cuya obra permanecía aún fuera del alcance de los coleccionistas y reclamaba su recuperación urgente. La edición se completa con numeroso material gráfico procedente del archivo personal de los miembros del grupo y notas interiores exhaustivas firmadas por el reconocido especialista Vicente Fabuel. El arte de la portada recupera igualmente icónicos elementos gráficos procedentes del material promocional usado por Modificación en aquellos años.

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El quinto álbum en solitario de Martin Rev fue creado en la cúspide del milenio. Música furiosa y eléctrica, condensado en los recuerdos del doo wop que oía en el transistor en su infancia. Cerca de Panasonic , concretamente de Mika, la edición original se llevó a cabo en el sello finés Puu, con trazas de música contemporánea y de electrónica de pista con loops rítmicos y la voz de Rev en modo salvaje e hipnótico.

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Reedición remasterizada en vinilo de 180 gr. de su álbum de 1975.

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Reedición del álbum debut homónimo de Moura, lanzado originalmente en 2020 y agotado durante casi dos años. Impreso en vinilo negro estándar de alta calidad, limitado a 150 copias numeradas a mano.

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Pese a que este quinteto argentofinlandés no se ha tomado prácticamente un descanso en todo este tiempo, desde 2007 no teníamos material nuevo en estudio. Una vez escuchado Silver Flames, todo lo que podemos decir es que la espera ha merecido la pena. Doce canciones, doce pelotazos en 43 minutos, en los que el argentino Speedo Martínez reina por todo lo alto aportando esa chulería macarra que mantiene intacta. El disco lo abre la canción que le da título, puro high energy a la yugular, tema idóneo para abrir los próximos conciertos.
En cortes como ‘Perfect Storm’ o ‘Lighthouse Keeper’, bajamos algo la velocidad sin que baje la energía ni la intensidad, dos temas por los que mataría Nick Royale en 2021.
En esa línea sigue la melódica y pegadiza ‘A Song for Robert’, temazo con ecos a The Who, convertida desde ya en una de mis canciones favoritas del año.
‘Cast Out My Demons’ es puro groove, imposible que no se te vayan los pies escuchando los fraseos tan vacilones que lanza Martínez. El momento psicodélico del álbum lo pone la hipnótica ‘Reverberation (Doubt)’ otra de las destacadas (ya van unas cuantas) de este Silver Flame.
La fiesta regresa en ‘Soulshaking’, palmas, coros, línea de bajo a tope y guitarras sexies, otro tema de bailoteo que sirve de perfecto aperitivo para la desesperada ‘Searching Like a Hyena’, una de las canciones que menos hubieran desentonado en aquel Hallelujah.
‘Freak Out’ es la joya garajera con Speedo convertido en predicador desquiciado, sudoroso y gritón, con especial mención al trabajo al bajo de The Punisher, soberbio todo el álbum. La calma final la ponen ‘Nibiru’ y ‘Trance Noché’, ambas cantadas íntegramente en castellano (lengua materna del vocalista) siendo más acertado el enfoque psychobilly del tema que cierra el disco.
Golpe en la mesa de The Flaming Sideburns, contando los días ya para corear estos temas en directo. ¡¡¡Sos Macanudos!!!

(Rockzonemag.com)

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Fantástica recopilación en edición limitada.

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Directo grabado en el Palladium de New York en 1976.

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Este es uno de los discos más oscuros jamás lanzados en Venezuela en los años 60 y la única grabación de The Pets. Este álbum de 1967 muestra perfectamente cuáles eran las influencias de la escena de la nueva ola venezolana en ese momento, incluidas versiones de The Doors, Beatles, Rolling Stones, Paul Revere & The Riders, así como el destacado original "El Entierro De Un Hombre Rico Que Murio De Hambre", uno de los mejores temas de garage surgidos de Latinoamérica. Reedición por primera vez, audios remasterizados de las cintas originales y prensados en vinilo de 180g.

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Reedición del segundo disco de Traffic Sound, lanzado en 1970 tras su obra maestra del rock latino "Virgin", merece ser considerado uno de los grandes discos de su época, incluso a nivel internacional, tan imprescindible como los trabajos más aclamados de Cream, Caravan o Led Zeppelin que sirvieron como un puente para la música rock entre los años 60 y 70. La banda incorpora arreglos complejos y estructuras de canciones largas con las que se acercan a la música psicodélica y progresiva. Sin embargo, la inmediatez de temas como Esterday's Game', con un riff de guitarra feroz y contagioso, o Hicama Way', un himno buenísimo, despeja cualquier duda posible sobre los principios sonoros de la banda: ¡ROCK hipnótico, groovy, con mayúsculas! La música de la banda se presentó en la temporada 3 de NARCOS. Presentada en facsímil de portada triple y prensada en vinilo de 180 g. Saber más

La mejor forma de capturar la esencia del rock’n roll en su forma más potente es en el directo. Máximas emociones, mínimos lujos.

En 1977, los londinenses Warsaw Pakt llevaron este lema un paso más allá, grabando su álbum en vivo, directamente sobre la máquina de corte, sin cinta, ni mezclas o arreglos posteriores. El disco se prensó, empaquetó y envió de un día para otro, y a la mañana siguiente estaba ya en las tiendas de discos.

“La idea era evitar usar cinta y lograr una grabación fidedigna que fuera más limpia y a un volumen superior que cualquier otro método disponible” recuerda el guitarrista Andy Colquhoun.

Si el sistema de grabación elegido respondía a una cuestión de aplicar un truco, la incendiaria actuación de la banda combinada con un acertadísimo repertorio hacen de “Needle Time” uno de los lanzamientos más excitantes del punk 70s (y también uno de los más olvidados).

Los Pakt practicaron una fórmula revolucionaria a base de letras callejeras inteligentes y duras interpretadas con velocidad y actitud, enfrentadas a guitarrazos a lo Chuck Berry sobrecargados, un modus operandi muy similar al de los MC5 de la época “Back in the USA”, pero con un tono más acorde con los pubs y squats de su barrio londinense, Ladbroke Grove. Su sonido desprende aromas de R&B británico de alto octanaje aunque con una pátina de punk rock, herencia de sus pasado como The Rockets.

Junto a alguna versión, como el ‘It’s Not True’ de The Who, su repertorio se alimentaba de canciones antiguas de su etapa como The Rockets y material escrito por Andy junto con Frank Day, antiguo manager de estos últimos, incluyendo temas tan brillantes como ‘Fruit Machine’, ‘Dogfight’, ’Speeding’ and ‘Sick n’ Tired’. Aunque con una base R&B, todos estos cortes muestraban mucha actitud y agresividad que funcionaba bien en el nuevo contexto punk.

‘Safe and Warm’ se grabó como single en octubre de 1977, la banda creó en el estudio un sonido rabioso con matices casi psicodélicos. Un mes más tarde Warsaw Pakt se reunían en los Trident Studios para grabar su álbum instantáneo. Menos de 24 horas más tarde, con los dedos de los músicos aún sangrando, se lanzaba “Needle Time”. Vendió la impresionante cifra de 5000 copias de manera casi instantánea pero posteriormente, de forma inexplicable, el sello rehusó hacer más copias.

El proyecto se comenzó a desvanecer tras la cancelación de los conciertos posteriores a la gira de presentación del disco. “Nuestra última actuación fue teloneando a Ian Dury en la sala Dingwalls en un concierto benéfico. Después de esto se esfumó” recuerda Colquhoun. Warsaw Pakt se disolvió en marzo de 1978.

Más de 40 años después “Needle Time” permanece como uno de los documentos más fidedignos del sonido visceral y crudo del punk rock de Londres en su año clave.

Mike Stax
Ugly Things Magazine

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Reedición de su álbum de 1977.

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Grabado en directo en Buffalo el 8n de diciembre de 1979.

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Reedición de uno de los álbumes definitivos del punk español y de influencia enorme en la escena de aquí y Latinoamericana. El disco muestra las señas de identidad de Eskorbuto: actitud radical, un estilo único aprendido por su cuenta y letras crudas. El primer capítulo de su postura anti-todo. La edición limitada en vinilo de color Ría de Bilbao en los 80.
Estamos orgullosos de reeditar Eskizofrenia, el primer álbum de Eskorbuto y uno de los álbumes definitivos del punk español, de influencia enorme en la escena de aquí y Latinoamericana. El disco muestra las señas de identidad del grupo: actitud radical, un estilo único aprendido por su cuenta y letras crudas y directas. Al ser entrevistado en la revista Muskaria para que describiese las canciones de su nuevo álbum en el momento de su publicación, Iosu prefirió contar algunas anécdotas sobre el grupo y compartir su visión sobre ciertos asuntos. Unos extractos de esa entrevista resumen perfectamente qué representaron el LP y esta inimitable banda. Muchos grupos tienen buenas ideas y me gusta lo que dicen pero luego en la práctica son una mentira. No estás vivo, no estás muerto, simplemente condenado. Es preocupante; tú formas parte de lo que más odias: el sistema. Es increíble. La tierra es un gran váter en donde todos subsistimos, y si se tira de la cisterna nos vamos a la mierda. Cuando estábamos en la grabación de 'Rogad a Dios por los muertos' y oíamos la voz sin música, parecía algo así como un rito diabólico. En un cementerio popular puedes encontrar todo tipo de esqueletos; bueno, casi todos, porque la calavera de un rey por supuesto que no. Hasta muertos tiene mejor alojamiento. Si hemos usado la batería electrónica Simmons ha sido porque nos convenía en la grabación. Si es buena, ¡viva la ciencia! Me parecen una gilipollez las latas de cerveza que se tiran a un escenario, no me enrollan nada porque me pueden dar. Los escupitajos no me molestan. La última letra que hemos hecho dice: Gentes ignorantes que antes nos tenían miedo / cogen confianza que nunca les dimos / cobardes que van de valientes / hablando mal de nosotros ante la gente / pero cuidado, os avisamos, somos los mismos que cuando empezamos. Alguien nos vino a buscar para que tocáramos en una fiesta que se iba a realizar en un colegio a 200 metros más arriba de donde ensayábamos. Subimos los amplis y ya estaba lo demás preparado. Comenzó a entrar público, ¡qué público! La media era de diez años. En Madrid, en muchas de las pintadas que escribimos ESKORBUTO debajo de ellas ponía hijos de puta, firmado las JONS. Todo un detalle. En el paraninfo de la Universidad de Deusto tocábamos junto con Medanos de Singapur. Salimos a escena soltando un hierro desde el segundo piso, saltamos y empezamos a tocar. Yo solo tenía tres cuerdas en la guitarra. La gente se divertía, alguien me dejó una navaja para raspar las cuerdas y la tiré contra la pared. Milagrosamente se quedó clavada en el cuadro de la Virgen.
Eskorbuto, una de las bandas de punk más influyentes en la escena española y latinoamericana. Las señas de identidad del grupo: actitud radical, un estilo único aprendido por su cuenta y letras crudas y directas.

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El líder de The Gun Club, Jeffrey Lee Pierce, grabó en 1992 este su último disco en solitario, junto a Cypress Grove y Willie Love. En esta ocasión Jeffrey Lee Pierce decidió volver al sonido original y de raíces del Blues del Delta del Mississippi. Finalmente reeditado en vinilo, Bang! Records presenta este disco en versión extendida con todas las grabaciones incluyendo siete canciones que no se habían editado anteriormente en vinilo. Esta edición está presentada en edición de lujo de carpeta doble abierta con 2 Lps y fotografías inéditas, así como textos por parte de Cypress Grove y Willie Love hablando acerca de la grabación así como sus aventuras junto al difunto Jeffrey Lee Pierce. Editado por Bang! Records bajo licencia de Creeping Ritual Productions.

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Recopilación de grabaciones de los años 50. Edición limitada.

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Recopilación de Nick Drake, leyenda del Folk británico que publicó sólo tres álbumes antes de su muerte por sobredosis en 1974.

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La voz y la guitarra de Ben Vaughn se filtran a través de su peculiar sentido del humor, lo que da como resultado una colección de letras inteligentes y melodías pegadizas perfumadas con aroma vintage.
Cuando “The Many Moods Of Ben Vaughn” se publicó 1986, el Combo tenía literalmente el mundo a sus pies. Muchos de los éxitos que hoy le puedes escuchar a él (y su quinteto) ya se encontraban en este disco.
¡Suena tan fresco hoy como resultaba en su momento y ahora lo reeditamos por primera vez en 35 años!

El Ben Vaughn Combo abrió el camino para la música americana que resultaba retro en comparación con la de sus contemporáneos. Su sonido de influencia Tex-Mex supuso una gran sensación y su reputación como banda de directo no dejó de crecer con cada concierto que daban. Lo suyo era todo un giro en las raíces del rock fuera de los estándares de los 80. Y aquello que tiende a quedar fuera de la historia a pesar de ser atemporal, no encaja fácilmente en ninguna narrativa oficial.
Cuando “The Many Moods Of Ben Vaughn” se publicó 1986, el Combo tenía literalmente el mundo a sus pies. Muchos de los éxitos que hoy le puedes escuchar a él (y su quinteto) ya se encontraban en este disco. Descatalogado desde hace mucho tiempo y con cierta demanda, esta fue la primera vez -aunque no la última- que la maquinaria perfectamente engrasada de Ben se escuchaba en un álbum.
‘I Dig Your Wig’, de inspiración Andy Shernoff, suena a The Cramps con un toque a lo Doug Sahm. El arma secreta aquí es el acordeón. Poco utilizado en el rock 'n roll y, a menudo, objeto de burlas, permite a estas canciones un escenario que su instrumentación convencional simplemente aplanaría. En la info de la carpeta se puede leer “Dedicated to the Geator”, un guiño al legendario DJ de Filadelfia que fue una inspiración decisiva para que Ben Vaughn desarrollara este sonido. Tan fresco ahora como resultaba en su momento.
¿Quizá eras demasiado joven cuando este disco se publicó por primera vez? ¿o puede que ya hayas desgastado 3 copias? Sea cual sea tu historia, este disco es de los que te va a lograr animar en estos tiempos tan convulsos. No lo lamentes (como Brenda Lee).
Los motores de Ben Vaughn y los suyos ya se están preparando para su próxima aparición en el Surforama 2022 de Valencia, así como algunos conciertos más por la península a finales de mayo/comienzos de junio. Seguro que será un buen momento para que muchos se lancen en los brazos de este estupendo álbum.

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Martin Rev y su cuarto album siguió el album de Why be blue de Suicide de 1992. Editado por el sello Roir, dieciseis canciones con esquejes de melodías en lugar de estructuras definidas, donde se aprecia el poderío de R&b destilado a través de un teclado y con el mismo tono sentimental o poético que las grabaciones de Jonathan Richman o Chet Baker . Un retrato nostálgico de NYcon energía romática sobre, por y para la metrópolis.

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Como una calada mañanera de costo, a esa hora en que al llamado aire libre le suena el despertador, la síntesis operada en este álbum resulta aromatizada, hipnótica, luminiscente.
Guitarra española y metonimias flamencas florecen en este, teóricamente transicional, trabajo instrumental, que se convertiría en uno de los más populares en la discografía de Toti Soler. Este álbum de 1973, junto con otros discos de la época, forma parte de las simientes primigenias en la creación de la fusión flamenca.
 Las áridas pero magnéticas notas de ‘Sardana flamenca’, primer corte del disco, se hincan en el subconsciente. Un trabajo que Soler grabaría con el único acompañamiento de su guitarra española excepto en los cortes eléctricos en donde otros miembros de OM le acompañan.
Reeditado en vinilo por primera vez. Incluye encarte con notas del periodista musical Jaime Gonzalo y una foto inédita de Toti Soler.
El homónimo Segundo álbum de Toti Soler junto con Sabicas, los Smash de 1971-72 y las grabaciones de Paco de Lucía con el músico de jazz Pedro Iturralde, resultaron ser las simientes primigenias en la creación de la fusión flamenca que tanto ha dado de sí. Todos ellos cambiaron la percepción que se tenía del género, redefiniendo sus límites y posibilidades.
Esa síncresis de Soler entre Hispalis y el Mediterráneo catalán, otra suerte de “fusión”, la haría paradójicamente posible Edigsa, el sello con el que más a menudo trabajó el guitarrista, cuyo espíritu fundacional regía la lícita salvaguarda del catalán.
En 1972 la ancestral llamada del flamenco depositaba a Soler en Andalucía, donde estudiaba la materia bajo el doctorado de Diego del Gastor. A su regreso a Barcelona, daría inicio a un longevo capítulo paralelo como acompañante acústico del cantautor alcoyano Ovidi Montllor, dejando la electrificación y el rock atrás. Sin embargo, los watios y el rock aún lograrían colarse en este segundo LP (homónimo pero también conocido como “El Gat Blanc”) de 1973, aunque con un papel menor. Guitarra española y metonimias flamencas prosperaban en este teóricamente transicional trabajo instrumental, que se convertiría en uno de los más populares de su discografía.
Las áridas pero magnéticas notas de ‘Sardana flamenca’, primer corte del disco, se hincan en el subconsciente. Un álbum que Soler grabaría con el único acompañamiento de su guitarra española excepto en los cortes eléctricos en donde miembros de OM le acompañan.
Igual que una calada mañanera de costo del que beatifica, a esa hora en que al llamado aire libre le suena el despertador, la síntesis operada en ‘Sardana flamenca’ resulta aromatizada, hipnótica, luminiscente. Y mágica, a pesar de su sui generis concepción. La canción formaba cuadríptico con las siguientes tres piezas: ‘El Gat Blanc’, ‘Tristenge’ y ‘Guisela’; abluciones en aguas flamencas perfumadas con sales folk-blues.
‘Taj Mahal’, a la mitad del álbum, es un tributo a su amigo y compañero músico, donde la batería hace una aparición tímida, dejando claro ya a esas alturas el triunfo de Soler en su empeño, por mucho que este se quedara en prototipo, según él.
La cara B comienza con ‘D´una manera silenciosa’, una adaptación de ‘In a silent way’. Deliciosa flamenquización, tan sutil como el original, y el primero de los dos únicos temas electrificados del LP, aunque tan discretamente que ni se percibe de lo fino que hila el voltaje. También íntima, armada de ese virtuosismo nada propenso al alarde y tan distintivo del autor, ‘Balada en sol’ recobra la guitarra española con una transportadora travesía, zarpando del litoral del Maresme rumbo a la bahía de San Francisco.
‘Sevilla’, el tema más largo, se convirtió en la canción más popular del disco tras ‘Sardana flamenca’. En él detonaba un chispeante encontronazo freak entre Smash y Hot Rats, de hecho la grabación final de OM, con cabida para musculosas improvisaciones y revueltos raudales de wah wah. “Puede que haya influencias de Zappa pero el modelo que seguíamos era Miles Davis”.
El corte final, ‘Estudi’ vuelve al territorio acústico con un blues andalusí de tibios fulgores californianos.
“El Gat Blanc” gozó de una buena repercusión mediática en el momento de su publicación así como también sobre los oyentes; varias generaciones han descubierto ya en este álbum muchas de las cosas que sucederían en años posteriores en el pop catalán y de toda España.

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Pues sí, amigos! Este doble LP es exactamente eso: 20 bandas del sello que se han marcado el lujo de hacer una versión de otras bandas amigas también en el catálogo de Family Spree.
¿Y por qué una locura como esta? Podemos decir que la experiencia del confinamiento, con todas sus sombras, también tuvo alguna que otra luz y entre estas, seguramente la más destacable, fue el espíritu de superación del hastío que se impuso entre los miembros de las bandas del sello a través de wasap, donde se plantearon locuras diversas entre las que cristalizaron los temas del confinamiento (el "We're the worst" o mejor conocido como "No hay rock'n'roll me quedo en casa" y el "Por los garitos de rock'n'roll), con sus respectivos videos cachondos y que finalmente fueron prensados en un single en vinilo.
Una vez presentado el segundo de los temas anteriores, y con la promesa de la desescalada en el horizonte, parece que en algunos integrantes de las bandas aún quedaba el espíritu de seguir dando forma a propuestas descerebradas para entretener las horas de encierro restantes, y entre estas, surgió la chispa con la aportación de Gabi de The Surfin Burritos: "Que a mí se me ha ocurrido un locurón. No para ahora, pero para un sampler del sello molaría que nos versionáramos entre las bandas".
Y Óscar Avendaño avivó el fuego: "A mí me mola. Me parece un modo cojonudo de reivindicar nuestros discos".
Ahí fue retado por Tony DevilDog para versionar una de Heatwaves y asumió el reto de hacerla y, tras él, con mayor o menor convicción, se fueron incorporando el resto de bandas.
La mayor duda en el momento original era cómo dar forma a los temas con las restricciones a la movilidad que aún imperaban, y por tanto, con las limitaciones técnicas que podían obligar a hacer versiones caseras que no recogieran la verdadera capacidad de las bandas.
Las primeras versiones fueron llegando y el nivel era tan alto que varios pidieron prórroga en la entrega de su tema para poder registrarlo en estudio y no quedar un escalón por debajo en el resultado final.
En cualquier caso, todas pusieron el alma en el proyecto y apostaron por entregar un producto de calidad, en las mejores condiciones técnicas posibles (no siempre esto fue realizable) y el resultado creo que dejó muy satisfechos a todos: versionadores y versionados.
Este doble LP recoge el resultado de este proceso, muy divertido y retador, y demuestra el alto nivel de todas las bandas y su capacidad para cubrir con éxito cualquier prueba que se les ponga por delante.
Entre las versiones hay de todo: desde los que han sido más fieles al tema elegido hasta casos en los que es difícil reconocer el original en el resultado final. Eso es lo de menos y, seguramente, uno más de los alicientes de este disco: comprobar cómo se ha enfrentado cada banda, desde su propio estilo y personalidad, a temas que en muchos casos, venían de otras coordenadas sonoras muy diferentes.
En fin, que tenéis entre manos un producto hecho con pasión, con un resultado de altísima calidad y un envoltorio de lujo (de nuevo, nuestro diseñador de cabecera Rubén Suárez Sousa ha hecho otro milagro en tiempo record), del que nos sentimos especialmente orgullosos y que esperamos disfrutéis tanto como nosotros.
En nuestro canal de YouTube están subidos los videos de presentación que cada banda realizó del tema versionado, que es otra forma de echar un buen rato con las ocurrencias de cada uno (en ocasiones, bastante disparatadas).
Muy pocas copias a la venta (la mayor parte de la tirada se ha quedado en manos de los artistas) por lo que harías bien en apresurarte para hacerte con la tuya.

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Munster se complace en presentar la primera entrega de la nueva serie de reediciones de álbumes completos del catálogo de Lee Hazlewood Industries Records (LHI), la primera reedición del disco de Eve “Take It And Smile”.
Las etéreas armonías vocales de Eve están presentes, pero el toque de “grupo de chicas” del álbum de su anterior grupo, Honey Ltd, fue reemplazado por ritmos funky y esa onda de country rock sicodélico tan en boga en Los Angeles a comienzos de los 70.
Primera reedición en vinilo. Remasterizado por el ingeniero John Baldwin a partir de las cintas analógicas originales.
Incluye una nueva entrevista exclusiva con Laura Creamer, Temmer Darigan y Joan Glasser de Eve a cargo del especialista Hunter Lea.
A finales de los 60, cuatro adolescentes de Detroit se fueron haciendo auto-stop hasta Los Ángeles para intentar hacer realidad su sueño. Conocidas como las Mama Cats, la combinación de sus voces creaba un instrumento mágico, un vehículo armónico construido a base de la inspiración e improvisación de cuatro grandes amigas. Sus voces etéreas y armonías celestiales sonaban de un modo único.
Tras conocer a Lee Hazlewood en Los Ángeles, éste quedó abrumado por su talento, ofreciéndoles un contrato para su sello, Lee Hazlewood Industries (LHI), rebautizando la banda como Honey Ltd. Su único LP (1968) nunca llegó a ver la luz. De las cenizas del grupo, con las tres componentes originales que permanecieron juntas, surgió Eve.
En la primavera de 1970, Eve y el productor Tom Thacker entraron en el estudio para grabar “Take It And Smile”. Las etéreas armonías vocales seguían presentes, pero el toque de “grupo de chicas” del álbum de Honey Ltd fue reemplazado por ritmos Funky y esa onda de country rock sicodélico tan en boga en Los Angeles a comienzos de los 70. Con el apoyo de un gran grupo de músicos, las sesiones de grabación contaron con miembros de las bandas Wrecking Crew, Elvis’ TCB band, Ry Cooder, Sneaky Pete y hasta Glenn Frey de the Eagles. Se incluyeron canciones de James Taylor, Fred Neil, The Gibb Brothers, Burt Bacharach, Bob Dylan, Mac Davis así como un puñado de composiciones originales increíbles como la bella ‘Dusty Road’ y el tema ‘Take It And Smile’, coescrito con Glenn Frey. Tras su lanzamiento, el disco no logró alcanzar el éxito del público. Después de grabar una última canción, ‘So Tired’, para la banda sonora de The Vanishing Point, las chicas tomaron rumbos separados, cada una cantando profesionalmente con artistas como Bob Seger, Neil Young, Tina Turner, Loretta Lynn y muchos otros.
Este disco es el primero en una nueva serie de reediciones de álbumes completos del catálogo de LHI (Lee Hazlewood Industries Records) que Munster irá publicando a lo largo de los próximos meses. Las grabaciones han sido cuidadosamente remasterizadas a partir de las cintas analógicas originales y las reediciones se completan con entrevistas exclusivas, notas, fotos inéditas y el arte original de sus portadas.

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