Country · Folk · Roots · Americana

¡Al final! Editado originalmente sólo en CD en 1993, aquí se presenta esta obra maestra de los artistas de culto australianos Louis Tillett y Charlie Owen (de The Beasts of Bourbon). Se trata de un disco acústico basado en piano y guitarra donde Louis Tillett imprime su faceta más íntima, oscura y emocional, en la forma de preciosas melodías apoyadas por Charlie Owen. Es un disco absolutamente obligado para todos los fans de Louis Tillett y de The Beasts of Bourbon. Estate alerta porque se trata de una edición super limitada de 300 copias únicamente! Indudablemente era necesario editarlo en vinilo.

Tras un primer disco compartido con King Automatic, este es su primer trabajo en solitario, una combinación de country y folk.

Manu Gastado, guitarrista, compositor y miembro de la banda santanderina Los Tupper, que han aparecido en numerosas ocasiones en esta bitácora, tiene en la calle desde hace unas semanas su ópera prima en solitario titulada “Kosmik Street”.
Es posible que algunos, entre ellos el que suscribe, esperasen otro tipo de disco de Manu Gastado: más glam, más rock, más maldito, más Nikki Sudden, más Dave Kusworth…
Pues no!!!, “Kosmik Street” es otra cosa, es un elaborado muestrario de sonidos pop, psicodelia, Byrds, Beatles, Londres, San Francisco…
Pero que lo que suena aquí no sea lo que yo esperaba no significa ninguna decepción, o al menos no lo es después de escuchar el resultado final. Melodías cuidadas y perfectamente calibradas para empastar con un sonido en el que las guitarras y las teclas ponen el pop y el clavicordio, el mellotrón o la guitarra de doce cuerdas ponen la psicodelia.
Esencias del verano del amor, de la costa oeste, del Swinging London o de los años del reinado del LSD inundan de melancolía y colores catadióptricos este reposado y absorbente conjunto de canciones, que destilan una creencia sincera en lo que se hace y mucha fe en la grandeza en la cara B de los sesenta.
Con inequívocas alusiones estilísticas a discos como el “Revolver” beatlemano o al “Pet Sounds” de los Beach Boys, pero con los primeros Pink Floyd en el punto de mira, Gastado va desplegando un collage sumamente nutritivo en sonidos y sensaciones que se traduce en canciones como la mística “Rising sun” o la Lennoniana (en solitario) “Blessing in disguise” que rompen el hielo y atrapan nuestra atención.
Equilibrio y variedad que presiden las bondades de temas que van del pop psicodélico de tono seminal de la estupenda “Sweet confusion” a la espacial y volátil, con incursión de acústicas, “Kosmik overdose” o a un juguetón divertimento beatlemano como “Carolyn”.
El reciente single “Moonlight girl” es una de las piezas centrales del tracklist, llena de detalles sónicos sesenteros y un melancólico acento, la presencia de los Kinks en mi favorita del lote, “Madonna’s dream” y un tema que parece llevar la firma de George Harrison como “Miracle Love” dan carta de naturaleza a este álbum, postulándolo como uno de los mejores reclamos de pop lisérgico publicado por estos lares en los últimos lustros.
Se completa este cimbreante recorrido por el lado ácido del pop con otros dos estupendos cortes: “The world keeps turning” y “Ruby Ruby” que no desmerecen en absoluto al resto de instantes notables de “Kosmik Street”.
Celebro este disco, un giro estilístico de un músico que, si bien le tenemos relacionado con el binomio Sudden/Kusworth o incluso Jagger/Richards, aquí se acerca a otro no menos mítico como es el celebérrimo Lennon/McCartney. Tal vez el último disco patrio que exilio este año, pero desde luego una guinda exquisita para coronar el pastel

(exileshmagazine.com)

Manu Gastado, guitarrista, compositor y miembro de la banda santanderina Los Tupper, que han aparecido en numerosas ocasiones en esta bitácora, tiene en la calle desde hace unas semanas su ópera prima en solitario titulada “Kosmik Street”.
Es posible que algunos, entre ellos el que suscribe, esperasen otro tipo de disco de Manu Gastado: más glam, más rock, más maldito, más Nikki Sudden, más Dave Kusworth…
Pues no!!!, “Kosmik Street” es otra cosa, es un elaborado muestrario de sonidos pop, psicodelia, Byrds, Beatles, Londres, San Francisco…
Pero que lo que suena aquí no sea lo que yo esperaba no significa ninguna decepción, o al menos no lo es después de escuchar el resultado final. Melodías cuidadas y perfectamente calibradas para empastar con un sonido en el que las guitarras y las teclas ponen el pop y el clavicordio, el mellotrón o la guitarra de doce cuerdas ponen la psicodelia.
Esencias del verano del amor, de la costa oeste, del Swinging London o de los años del reinado del LSD inundan de melancolía y colores catadióptricos este reposado y absorbente conjunto de canciones, que destilan una creencia sincera en lo que se hace y mucha fe en la grandeza en la cara B de los sesenta.
Con inequívocas alusiones estilísticas a discos como el “Revolver” beatlemano o al “Pet Sounds” de los Beach Boys, pero con los primeros Pink Floyd en el punto de mira, Gastado va desplegando un collage sumamente nutritivo en sonidos y sensaciones que se traduce en canciones como la mística “Rising sun” o la Lennoniana (en solitario) “Blessing in disguise” que rompen el hielo y atrapan nuestra atención.
Equilibrio y variedad que presiden las bondades de temas que van del pop psicodélico de tono seminal de la estupenda “Sweet confusion” a la espacial y volátil, con incursión de acústicas, “Kosmik overdose” o a un juguetón divertimento beatlemano como “Carolyn”.
El reciente single “Moonlight girl” es una de las piezas centrales del tracklist, llena de detalles sónicos sesenteros y un melancólico acento, la presencia de los Kinks en mi favorita del lote, “Madonna’s dream” y un tema que parece llevar la firma de George Harrison como “Miracle Love” dan carta de naturaleza a este álbum, postulándolo como uno de los mejores reclamos de pop lisérgico publicado por estos lares en los últimos lustros.
Se completa este cimbreante recorrido por el lado ácido del pop con otros dos estupendos cortes: “The world keeps turning” y “Ruby Ruby” que no desmerecen en absoluto al resto de instantes notables de “Kosmik Street”.
Celebro este disco, un giro estilístico de un músico que, si bien le tenemos relacionado con el binomio Sudden/Kusworth o incluso Jagger/Richards, aquí se acerca a otro no menos mítico como es el celebérrimo Lennon/McCartney. Tal vez el último disco patrio que exilio este año, pero desde luego una guinda exquisita para coronar el pastel

(exileshmagazine.com)

Moura conjugan el folklore tradicional de su tierra [...] con la psicodelia y el rock progresivo obteniendo como resultado unas composiciones mágicas y ensoñadoras [...] No se pueden comparar a nada ni a nadie, su personalidad es única, los gallegos son agua, tierra, fuego y aire hechos canción. Música orgánica y libre que ofrece en este segundo disco un mundo nuevo más que visitar, un universo de sensaciones en el que quedar atrapado para toda la eternidad.

(Ruta 66 Magazine)

Reedición del álbum debut homónimo de Moura, lanzado originalmente en 2020 y agotado durante casi dos años. Impreso en vinilo verde de alta calidad, limitado a 150 copias numeradas a mano.

Reedición del álbum debut homónimo de Moura, lanzado originalmente en 2020 y agotado durante casi dos años. Impreso en vinilo negro estándar de alta calidad, limitado a 150 copias numeradas a mano.

Grabación del concierto en el Cow Palace de Brisbane, California, el 21 de noviembre de 1986.

Grabación del concierto en el Cow Palace de Brisbane, California, el 21 de noviembre de 1986.

Box set que contiene cuatro discos con dos conciertos: uno en el The Bottom Line de New York City el 16 de mayo de 1974 y otro en Farm Aid, Cardinal Stadium, Louisville, el 1 de octubre de 1995.

Recopilación de Nick Drake, leyenda del Folk británico que publicó sólo tres álbumes antes de su muerte por sobredosis en 1974.

El anterior LP, Sadness Makes Me Less Unkind, podía encuadrarse dentro del alt country y el folk de bandas como The Sadies o Mark Lanegan, a la vez que se nutría de influencias tradicionales de Johnny Cash a Townes Van Zandt. Si bien estas influencias siguen permeando la música de Pale Preacher, Hanged, Drawn, Quartered…, es, en general, un disco más denso y oscuro, con angulosos arreglos de guitarra eléctrica, más cercano en algunos momentos a los primeros Bad Seeds o a Kim Salmon y sus respectivas revisiones de la música de raíces.
El disco se inicia con la aparente sencillez de “Big Nose George Parrott”, en el que las guitarras acústicas y el banjo nos introducen en la grotesca historia de este salteador de caminos que fue linchado, descuartizado y partes de su cuerpo convertidas en objetos. Prosigue con “So Sad, Very Sad, So Sick and Mad”, que contrasta con la anterior por la contundencia de su sonido, en la línea de bandas como 16 Horsepower. Es un tema sobre el dolor y la tristeza producidos por las pérdidas y rupturas, una constante a lo largo del disco. Con “Hang Me Down” se repite uno de los aciertos del trabajo anterior, la colaboración con Victoria Villa, cantante de Evildog. Aquí la dulzura de la música, una balada con arreglos de cuerda, choca con el cinismo de una letra en la que dos ex-amantes se prometen odio eterno. “Hallowed Winds”, también con Victoria Villa acompañando a Francisco, cierra la cara A: estrofas dulces y estribillos de intensidad creciente hasta el tormentoso final, con guitarras que podrían recordarnos a Rowland S. Howard. La cara B comienza con “Goddamn Tree”, de nuevo un tema en el que prima la electricidad de las guitarras, con un estribillo pegadizo, en el que también escuchamos a Álvaro Gastmans (Gastmans, The Hairy Nipples) en los coros. “Murky” es una canción desgarrada y confesional, que comienza casi como un homenaje a las bandas sonoras de Ennio Morricone para terminar con un intenso reprise eléctrico. “I Wonder How Long”, es punk blues espasmódico en el que colaboran Juanillo Basura (The Hairy Nipples, Tupelo Bound…) a la batería e Israel Calvo (The Hairy Nipples, Betamax…) a la guitarra, así como Máximo RB -coproductor del disco- con la armónica. El disco termina con “Hellbuilder”, country gospel festivo para pecadores e incrédulos, con Damián Fernández batería de Trío Mudo y todos los colaboradores del disco a los coros.
…And Forgotten es el EP que acompaña a Hanged, Drawn, Quartered… y en el que Pale Preacher confiesa sus filias musicales, rindiendo tributo a algunos de sus artistas favoritos. Las cuatro versiones ahondan en la temática del LP y también conectan musicalmente Hanged Drawn, Quartered… con su anterior trabajo, Sadness Makes Me Less Unkind.“Saint John The Gambler” es una sentida interpretación, de nuevo con arreglos de cuerda de José Ojeda, de uno de los temas más conmovedores de Townes Van Zandt, sin duda un referente en la carrera musical de Francisco J. Galacho. “The Spectre” si cabe, es más inquietante que la original de Jackson C. Frank, un cantante folk tan talentoso como desafortunado.
“Alone And Forsaken” es una interpretación personalísima y de atmósfera industrial del clásico de Hank Williams. “The End”, original de Sybille Baier, cantante alemana redescubierta hace pocos años, cierra este trabajo. En esta ocasión Francisco opta por ceñirse al original, cantando y tocando la guitarra acústica en una grabación de ambiente casero.

Sadness Makes Me Less Unkind es el primer disco de Pale Preacher, nombre artístico de Francisco Galacho, cantante y  guitarrista de los malagueños The Blackberry Clouds. Con este trabajo en solitario, el autor profundiza como compositor e intérprete en las influencias ya patentes en la segunda etapa de The Blackberry Clouds, iniciada con Dry Wind (2012) -primer LP en el que asumió el rol de cantante y compositor principal-  y continuada con Blood on her Boots… (2016) y  Farewell Songs (2018), estos dos últimos publicados por Clifford.
Por un lado, es música inspirada  en las roots americanas, con predilección por el country y el folk, y con artistas como Townes Van Zandt o el Johnny Cash de las American Recordings como referencias; por otro, en el rock alternativo de bandas como The Sadies o Hugo Race & the True Spirit, que parten de esas “raíces” para abrir nuevas vías musicales. Siendo el compositor y ejerciendo de multi-instrumentista, Francisco ha podido dar rienda suelta a su creatividad, mostrando una mayor querencia por la experimentación e interés por explorar distintos registros y estilos.
Sadness Makes Me Less Unkind es, por tanto, un disco conscientemente ecléctico.

En una cara de este single los asturleoneses Peralta se unen a Sid Griffin (Long Ryders, Coald Porters) para rendir tributo a los Flying Burrito Brothers con una versión de su 'Older Guy', y en la otra cara nos muestran otro de los temazos de rock americano a los que ya nos tienen acostumbrados.

Nuevo single del mejor grupo de rock americano de Europa. Y no exageramos, porque podríamos decir del mundo y no estar muy alejados de la realidad. Como siempre enormes guitarras, y buenas melodías son la característica marca de la casa.
Ya sobra decir que son un super grupo con miembros de The Cynics, Dr Explosion, Paul Collins Beat, McCoyson, etc, etc…, pero ahí queda dicho.
Incluye versión de Kak.

Torre Hornero Sessions es el primer EP del grupo zaragozano PETRELLI originalmente formado por Eduardo Tomás -Zomas– (batería) y Miguel Ángel Gutiérrez -Prise- (guitarra) como base sonora y de proyectos musicales. Su local semanal de ensayo en Movera, Zaragoza, da título a este trabajo, lugar por el que han pasado y participado diferentes músicos en el disfrute de sesiones y exploración de nuevos sonidos. Finalmente, este esperado disco sale a la luz junto a otros dos nombres propios de la escena aragonesa: Guillermo Mata (bajo y producción) y Eric Castiglia (voz).
Torre Hornero Sessions finalizó su grabación a principios de año y fue mezclado en plena pandemia, utilizando la videoconferencia y las nuevas tecnologías. Está compuesto por cuatro canciones herederas del rock americano e incluso del punk rock. Estas referencias añejas se suman a un sonido fresco, con estilo propio, marca y clase.
En los antecedentes musicales de PETRELLI destaca la composición de tres temas instrumentales para acompañar los audiovisuales de la exposición sobre la Batalla de Dunbar, piezas a partir del hallazgo arqueológico más importante que tuvo lugar en 2016 al Norte de Inglaterra. La muestra fue organizada por el Departamento de Arqueología de la Universidad de Durham, y obtuvo el Premio Living North 2019.

El líder de The Gun Club, Jeffrey Lee Pierce, grabó en 1992 este su último disco en solitario, junto a Cypress Grove y Willie Love. En esta ocasión Jeffrey Lee Pierce decidió volver al sonido original y de raíces del Blues del Delta del Mississippi. Finalmente reeditado en vinilo, Bang! Records presenta este disco en versión extendida con todas las grabaciones incluyendo siete canciones que no se habían editado anteriormente en vinilo. Esta edición está presentada en edición de lujo de carpeta doble abierta con 2 Lps y fotografías inéditas, así como textos por parte de Cypress Grove y Willie Love hablando acerca de la grabación así como sus aventuras junto al difunto Jeffrey Lee Pierce. Editado por Bang! Records bajo licencia de Creeping Ritual Productions.

ARTISTA: SLEEPER BILL & Mr TOF
TITULO: SLEEPER BILL & Mr TOF
FORMATO: LP
SELLO: BEAST RECORDS
REFERENCIA: BR230

Dúo acústico que combina Folk, Blues, Rockabilly y Country para crear un sonido original que no debes dejar pasar si lo tuyo son Johnny Cash, Hank III o Bob Wayne...

Procedente de Rennes, Francia, esta "one man band" le da al deep-dark-folk-blues. Este es su segundo álbum, reeditado en vinilo.

Dos canciones inéditas, grabadas en su rancho. Dos versiones de canciones que todos o la mayoría reconoceréis pasadas por su filtro.

A lo largo de los últimos años de encierros y silencio y de tener demasiado tiempo para pensar, Tex Perkins siempre encontró consuelo en la compañía de la canción. Con su amigo Matt Walker como coguionista y conspirador, Perkins se deleitó con la experiencia que impulsó la formación y grabación del primer álbum de Fat Rubber Band en los Stovepipe Studios de Walker & #39 con el bajista Steve Hadley, el baterista Roger Bergodaz y el percusionista Evan Richards. . Después de una experiencia tan positiva y creativa, Perkins estaba ansioso por comenzar a trabajar en lo que se ha convertido en el segundo álbum de la banda, Other World. “El primer álbum de Fat Rubber Band fue deliberadamente un poco irregular. Un poco borroso en los bordes”, dijo Perkins. “Hay una cierta madurez que ahora poseemos donde las ideas se pueden realizar y tomar forma muy rápidamente. Nos hemos convertido en una verdadera banda. Creo que lo que escuchaste en el primer álbum es la formación de la banda”. Si bien ha tocado con muchos músicos, encontrar verdaderos colaboradores es algo que Perkins atesora. Durante los cierres, se preguntó si alguna vez volvería a tener esa experiencia musical cotidiana. Con The Fat Rubber Band no es solo otro grupo de músicos que tocan música juntos, sino una reunión que tiene mucho que ver con la cabeza, el corazón y el alma y algo por lo que está claramente agradecido. “Roger Bergodaz estuvo increíble. ¡Su kit de batería estaba en la sala de control y él diseñó el disco y tocó la batería prácticamente al mismo tiempo! Constantemente creó el entorno donde siempre prevaleció una atmósfera entusiasta y positiva. Nunca salimos con las manos vacías. Me encantó hacer este disco”, dice Perkins, “porque ocurrió la puta magia. Sí, así es, ¿magia o qué tal alquimia? (Una ciencia medieval con un proceso misterioso que busca convertir los metales básicos en oro.) Bueno, no sé sobre el oro, pero fui testigo de ideas, pensamientos, caprichos e imaginaciones transmutadas casi sin esfuerzo en canciones vivas que respiran con alma y un latido del corazón e incluso su propia historia privada cada vez que entramos al estudio para esta grabación. En realidad, no, la magia es mejor.” Perkins explica: “Esta magia surgió con la ayuda de más de 40 años de experiencia de cada uno de los miembros de la banda Fat Rubber. Todos son realmente grandes jugadores y todos son colaboradores muy generosos, así que supongo que lo que estoy diciendo es que no importa lo que pase a partir de aquí. Soy muy consciente en estos días, con cientos de nuevos lanzamientos cada semana, es más difícil que nunca hacer que a la gente le importe una mierda un nuevo álbum de alguien, y mucho menos de un grupo de tipos peludos de Australia en sus 50 liderados por un amigo que ha existido desde principios de los ochenta llamado Tex. En realidad, ¡no puedo creer que todavía estés leyendo esto! Pero sabes que en realidad no importa, he visto la magia”.

Reedición de su álbum de 1977.

Grabado en directo en The Greek Theatre, Los Angeles, el 15 de junio de 1991.

Directo grabado en Los Angeles en el que repasan Warpaint, su disco de regreso, junto a algunos clásicos y versiones.

ARTISTA: THE CARTER FAMILY
TITULO: BRING BACK MY BLUE-EYED BOY TO ME
FORMATO: LP
SELLO: MONK RECORDS
REFERENCIA: mk332

Javier H. Ayensa es un músico madrileño —aunque con corazón navarro y afincado en Londres desde hace un buen puñado de años— que en esta ocasión ha preferido grabar bajo el nombre de The Dankoes, junto al ubicuo Juancho López (Peralta, Kurt Baker Combo, Paul Collin’s Beat, Bummer…), que le ha acompañado al bajo, y Jamie Shaw a la batería.
Some Kind Of Grit es su segundo álbum y ha sido prácticamente grabado en los Guitar Town, lo que siempre es una garantía. Además, Hendrik Rover ha metido alguna que otra acústica y ha coproducido el disco junto al propio Javier. Desgraciadamente, los sucesivos confinamientos provocaron que las dos sesiones de grabación acabaran separadas por más meses de los inicialmente planeados, e incluso que los coros y algunas guitarras finales —además de la masterización— se hicieran en los londinenses One Cat Studios junto a Jon Clayton, con el que ya había grabado su álbum de debut seis años antes.
Y es que Javier H. Ayensa había debutado en 2014 parapetado tras sus iniciales J.H.A., algo que en realidad nunca llegó a convencerle, de ahí que en esta ocasión haya preferido el nombre de los Dankoes, una muestra más de devoción hacia uno de sus músicos favoritos, el añorado Rick Danko. Leer a Javier, o escuchar la pasión con la que habla de sus artistas favoritos te hace llegar a la conclusión de que, pese a su talento, tardó tanto en arrancar su carrera musical en solitario por puro respeto. Porque admirar demasiado a los grandes puede llegar a agarrotarte, y dejarte sin tener muy claro a quién no quieres decepcionar: si a ellos (aunque muy posiblemente nunca vayan a llegar a escucharte) o a ti mismo.
Some Kind Of Grit, es una expresión que ironiza acerca de aquellos a los que se les tuerce la vida una y otra vez, hasta caer por una espiral que parece no terminar nunca, sin tener muy claro hacia dónde te lleva. Por eso lo eligió Javier como título del álbum, por todo lo que sufrió tras su álbum de debut. Al menos sacó en claro un puñado de canciones, las que conforman la cara A del disco y queda perfectamente reflejado en la evocadora —aunque críptica— portada que ha diseñado Galli Martini, que brilla especial y lógicamente en la carpeta gatefold del vinilo. La árida fotografía interior supone esa metafórica travesía del desierto que a veces hay que pasar para llegar a renacer de tus cenizas. Y es que afortunadamente tras la tormenta casi siempre llega la calma y la cara B es pura redención, como la luminosa «Stop Hurting Yourself», casi una declaración de principios adornada por unas guitarras que pueden evocar a Gram Parsons y sus burritos voladores.
Por eso podría decirse que estamos ante una obra conceptual, rematado por el cerebro que luce en la contraportada, atravesado por doce espadas que simbolizan a otras tantas canciones. Al fin y al cabo, vivencias propias que Javier lleva clavadas y que se reflejan en unas letras que condicionan el fraseo, casi dylaniano, y que convierten a Javier en un auténtico contador de historias, como Neil Young o el mismísimo Nick Lowe cuando tira de ironía.
Al final, todo lo negativo que sufrimos nos trae algo positivo y esa serie de avatares transcurridos entre su prometedor debut de 2014 y este Some Kind Of Grit —que se convirtieron en seis largos años— le permitieron crecer como cantante y como guitarrista, hasta convertirse en un arquitecto de riffs memorables y de solos que traspiran la esencia de Rory Gallagher y el mismísimo Jimi Hendrix. De hecho, ya se puede palpar su presencia en los primeros compases de este estupendo trabajo… ¡Ponte el volumen al 11 y disfruta de Some Kind Of Grit!

J.F. León ( Rock & Roll Animal )

Primer disco de estos amantes del Folk tradicional de EE.UU.,el Bluegrass, el Old Time Country y las cervezas IPA.

Norteños que asimilan toda la cultura rock sin pestañear. Viejos sonidos y clasicos se aunan con una producion potente que mama de grandes como Burning o Tom Petty.

Tras rodar por múltiples escenarios con el “single” bajo el brazo The Pretty Shirts graba su primer LP homónimo en abril de 2015 en Baixo Miño estudios. El disco consta de 8 temas en los que por un lado se ve la energía que derrochan en directo y por otro se ve el lado más sosegado de la banda, cosa que en los trabajos anteriores. Nombrado mejor disco del año 2015 por los seguidores del blog Rocksoulthings.

ARTISTA: THE TRASH MAVERICKS
TITULO: YOU LITTER WE FINE
FORMATO: 7"
SELLO: PURE VINYL RECORDS
REFERENCIA: PV 005

Publicado en 1996, éste es su segundo single en el que se encargan de versionear a P.F. Sloan, Bobby Troup y Larry Williams!

Edición limitada en vinilo azul.

Reedición remasterizada y limitada en vinilo gris.

Reedición remasterizada en vinilo de 180 gr. de su álbum de 2002.

Como una calada mañanera de costo, a esa hora en que al llamado aire libre le suena el despertador, la síntesis operada en este álbum resulta aromatizada, hipnótica, luminiscente.
Guitarra española y metonimias flamencas florecen en este, teóricamente transicional, trabajo instrumental, que se convertiría en uno de los más populares en la discografía de Toti Soler. Este álbum de 1973, junto con otros discos de la época, forma parte de las simientes primigenias en la creación de la fusión flamenca.
 Las áridas pero magnéticas notas de ‘Sardana flamenca’, primer corte del disco, se hincan en el subconsciente. Un trabajo que Soler grabaría con el único acompañamiento de su guitarra española excepto en los cortes eléctricos en donde otros miembros de OM le acompañan.
Reeditado en vinilo por primera vez. Incluye encarte con notas del periodista musical Jaime Gonzalo y una foto inédita de Toti Soler.
El homónimo Segundo álbum de Toti Soler junto con Sabicas, los Smash de 1971-72 y las grabaciones de Paco de Lucía con el músico de jazz Pedro Iturralde, resultaron ser las simientes primigenias en la creación de la fusión flamenca que tanto ha dado de sí. Todos ellos cambiaron la percepción que se tenía del género, redefiniendo sus límites y posibilidades.
Esa síncresis de Soler entre Hispalis y el Mediterráneo catalán, otra suerte de “fusión”, la haría paradójicamente posible Edigsa, el sello con el que más a menudo trabajó el guitarrista, cuyo espíritu fundacional regía la lícita salvaguarda del catalán.
En 1972 la ancestral llamada del flamenco depositaba a Soler en Andalucía, donde estudiaba la materia bajo el doctorado de Diego del Gastor. A su regreso a Barcelona, daría inicio a un longevo capítulo paralelo como acompañante acústico del cantautor alcoyano Ovidi Montllor, dejando la electrificación y el rock atrás. Sin embargo, los watios y el rock aún lograrían colarse en este segundo LP (homónimo pero también conocido como “El Gat Blanc”) de 1973, aunque con un papel menor. Guitarra española y metonimias flamencas prosperaban en este teóricamente transicional trabajo instrumental, que se convertiría en uno de los más populares de su discografía.
Las áridas pero magnéticas notas de ‘Sardana flamenca’, primer corte del disco, se hincan en el subconsciente. Un álbum que Soler grabaría con el único acompañamiento de su guitarra española excepto en los cortes eléctricos en donde miembros de OM le acompañan.
Igual que una calada mañanera de costo del que beatifica, a esa hora en que al llamado aire libre le suena el despertador, la síntesis operada en ‘Sardana flamenca’ resulta aromatizada, hipnótica, luminiscente. Y mágica, a pesar de su sui generis concepción. La canción formaba cuadríptico con las siguientes tres piezas: ‘El Gat Blanc’, ‘Tristenge’ y ‘Guisela’; abluciones en aguas flamencas perfumadas con sales folk-blues.
‘Taj Mahal’, a la mitad del álbum, es un tributo a su amigo y compañero músico, donde la batería hace una aparición tímida, dejando claro ya a esas alturas el triunfo de Soler en su empeño, por mucho que este se quedara en prototipo, según él.
La cara B comienza con ‘D´una manera silenciosa’, una adaptación de ‘In a silent way’. Deliciosa flamenquización, tan sutil como el original, y el primero de los dos únicos temas electrificados del LP, aunque tan discretamente que ni se percibe de lo fino que hila el voltaje. También íntima, armada de ese virtuosismo nada propenso al alarde y tan distintivo del autor, ‘Balada en sol’ recobra la guitarra española con una transportadora travesía, zarpando del litoral del Maresme rumbo a la bahía de San Francisco.
‘Sevilla’, el tema más largo, se convirtió en la canción más popular del disco tras ‘Sardana flamenca’. En él detonaba un chispeante encontronazo freak entre Smash y Hot Rats, de hecho la grabación final de OM, con cabida para musculosas improvisaciones y revueltos raudales de wah wah. “Puede que haya influencias de Zappa pero el modelo que seguíamos era Miles Davis”.
El corte final, ‘Estudi’ vuelve al territorio acústico con un blues andalusí de tibios fulgores californianos.
“El Gat Blanc” gozó de una buena repercusión mediática en el momento de su publicación así como también sobre los oyentes; varias generaciones han descubierto ya en este álbum muchas de las cosas que sucederían en años posteriores en el pop catalán y de toda España.

Por primera vez en vinilo, aquí está el primer álbum en solitario de TYLA finalmente lanzado en un doble LP de lujo con portada plegable y arte original completo realizado por el propio Tyla.Este álbum fue lanzado originalmente en 1994, solo en CD y en el Reino Unido, justo después de la separación de THE DOGS D'AMOUR.El álbum contiene temas con los miembros de THE DOGS D'AMOUR, así como una lista de temas acústicos en solitario de Tyla.Sobra decir que hay temas que suenan a THE DOGS D'AMOUR, así como el espíritu de Keith Richards y Johnny Thunders en su faceta acústica e íntima.Ahora este álbum ha sido remasterizado y presentado en edición limitada de 500 copias. Imprescindible para todos los fans de Tyla, The Dogs D'Amour, Nikki Sudden & Jacobites, Johnny Thunders, etc.

Para aquellos de ustedes que quizás no lo sepan, Bo Gumbo fue un legendario chef musical de los pantanos de Louisiana. ¡Un hombre grande con un apetito cada vez mayor! Cocinó un boudin caliente, un gumbo y un jambalaya humeante. También preparó una mezcla picante de blues de pantano, cajún y zydeco. A su memoria y a los grandes de la música cajún y zydeco está dedicado este disco. En este disco de larga duración, escucharás música inspirada en los sonidos del "sur profundo" de Luisiana y Estados Unidos; un verdadero gumbo de swamp blues, cajún, zydeco, country, gospel swamp pop y cosas por el estilo. Todas las pistas cuentan con el ultra-prolífico Sir Bald alias Hipbone Slim (generalmente, pero no exclusivamente en guitarra y voz) junto con su banda Kneetremblers y varios otros amigos musicales: Mama Rosin, Slim Cyder, Achille Lorenz y Juke Boy Barkus. Creemos que le sorprenderá saber dónde se originan los músicos presentados. Aún así, estamos seguros de que disfrutará enormemente de la música picante contenida en los micro-surcos aquí presentes; la música se reproduce con un estilo y la sensación que normalmente no se asociaría con las llanuras del sur de Oxfordshire, las colinas de Lorena o los pantanos de Ginebra.