Alternativo · Noise · Indie · No Wave

Reedición de lujo con motivo del 20 aniversario del primer disco de Fun Lovin' Criminals.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges (Festival de Sitges para abreviar) publica este año como libro oficial una obra de nuestro periodista (y sin embargo amigo) Pacus González Centeno, de título "Tres piezas para el asesino: Jazz, rock y electrónica en el cine criminal y de terror", en el cual analiza de forma cronológica, década a década, la relación entre los estilos de la música popular y los principales estilemas del cine de género de la 2ª mitad del siglo XX.
Pacus tuvo la brillante (y descabellada) idea de complementar la edición del libro con un disco de versiones de algunos de los temas desgranados en el libro ejecutadas por bandas de nuestra escena underground actual, y planteó la propuesta a Family Spree Recordings, con el objetivo de colaborar en la selección de los temas, enrolamiento de las bandas y coordinación de todas las actuaciones necesarias para que el proyecto vea la luz.
La idea fraguó en forma de doble LP y con el título "Kong'n'roll - 26 rock'n'roll bands tribute to the Sitges Horror Film Festival" y cuenta con la participación de 26 bandas ejecutando de forma magistral temas incluidos en alguna de las películas que formaron la banda sonora de alguna de las películas seleccionadas.
Y su edición se llevará a cabo bajo el sello nuevo "Sawyer Family Party", para inaugurar una saga de proyectos futuros en línea diferente a la de su sello matriz.

Edición de lujo con portada gatefold, póster y dvdgrabado en directo en el palast Der Republik de Berlin el 3 de novimbre de 2004.

Edición de lujo en vinilo doble de 180 gr. de su último disco publicado en 2017 que incluye 14 postales en edición limitada.

Totalmente remasterizado, aquí tenemos el segundo disco en soliatrio de Sudden. Acompañado por Dave Kusworth y los que iban a ser en breve Waterboys, Mike Scott & Anthony Thistlethwaite. Reedición en formato gatefold con nuevas fotos y notas sacadas del diario de Nikki sobre las sesiones de grabación del disco. Todo un lujo!

Edición limitada en vinilo de color. Grabaciones en directo en KAOS Community Radio en Olymjpia el 5 de junio de 1987 y en Pat O'Brien Pavilion Del Mar de fairground, California, el 28 nde diciembre de 1991.

Gala Mill es el tercer álbum de estudio de la banda australiana The Drones, que se lanzó en septiembre de 2006. Grabado en un molino abandonado en Tasmania, fue su último álbum con el miembro fundador Rui Pereira y el primero con Mike Noga en la batería. La música, que da "un salto épico más allá del garage rock", añade influencias del folk rock y la música folk contemporánea a su habitual estilo punk blues. Las letras de Gareth Liddiard para el álbum se centran más en la historia reciente y colonial de Australia, evidente en temas como "Jezebel", "Words From The Executioner To Alexander Pearce" y "Sixteen Straws".Al igual que su predecesor, el álbum recibió elogios de la crítica de fuentes tanto dentro como fuera de Australia, y gran parte se centró en el estilo musical crudo del álbum y el lirismo oscuro de Liddiard.

Reedición de su álbum publicado en 1985.

Segundo volumen dedicado a la música synth hecha en España durante los años ochenta. Del tecno pop que flirteó con las listas de éxitos al underground experimental, estos 20 temas son el reflejo de una década y escena musical en constante y rápido movimiento. Muzak, Diagonal, TV Soviética, Orfeón Gagarin, Esplendor Geométrico, Logotipo, Jan, Claustrofobia, De Picnic, Fanzine, Q, Demian, Flash Cero, Flácidos Lunes, Betty Troupe, Manía, Minuit Polonia, Heroica, V Generación, Programa. Ambos formatos incluyen un extenso libreto con texto de Sergio Sánchez (Jazznoize), fotos de los artistas y memorabilia.

A principios de los años ochenta existió una música futurista que anticipaba otra época musical de forma triunfante para algunos proyectos que funcionaron en los circuitos alternativos. Tradición, trayectoria y futuro: esas son las tres palabras que podríamos condensar en este escrito cuyo cometido es el de continuar con la descripción de un movimiento castrado en su nacimiento que intentaba aportar pluralidad y matices a una monolítica escena cultural demasiado previsible, comercial y rancia. El tejido musical del synth pop, la electrónica experimental y el incipiente sonido industrial primitivista de grupos como Esplendor Geométrico u Orfeón Gagarin se topó con una inexistente participación social que garantizara una cultura de base amplia y de carácter popular. El alma viva de aquellos pioneros se extinguió para siempre, y ahora es el momento de recuperar sin tibiezas las composiciones de parte de esos grupos incomprendidos. Interferencias aporta su grano de arena en la odisea difusora del patrimonio musical de lo raro de aquella década de los ochenta, ya sin dictadura. Eran nuevos tiempos de lucha entre los que proponían ruptura y los que deseaban un camuflaje de alto diseño. En esta segunda parte de Interferencias continuamos con el interés y la atracción hacia aquellos nuevos sonidos, una especie de necesidad apremiante para estos gurús embrionarios del tecno pop, que se aferraban a sus instrumentos de nueva generación como si fueran símbolos de la avanzadilla del post franquismo. Aparecieron en plena Transición, como grupúsculo extraño, pero con popularidad entre las minorías al margen del sistema artístico dominante y oficial. Esa novedosa corriente estaba ungida por una idea fundamental, la del abandono de la discriminación en el uso de sintetizadores como elemento reproductivo de emociones. Con ciertos ribetes modernos, alternaron al margen de las discográficas principales pero con una mirada puesta en los medios de comunicación que ya se iban haciendo eco de sus propuestas, como por ejemplo en las esporádicas apariciones en programas de televisión como Musical Express o La Edad de Oro. Era posible presenciar el impulso de estos grupos que estaban dominados por las estéticas musicales foráneas. Interferencias cierra esa búsqueda analítica de nuestro patrimonio musical más sintético y minimalista, siendo un artefacto respetuoso, escrupuloso con la historia, heterodoxo y nada dogmático. Este tipo de sonidos encarnan la perplejidad, la paradoja y la confusión del momento, que al innovar en el lenguaje y en su discurso sonoro causaron tanto desconcierto y falta de comprensión como entusiasmo por una parte del público. Con algunos de los grupos incluidos aquí podemos descubrir un universo repleto de estímulos y significados, una materia viva capaz de liberar la energía necesaria para insuflarnos nueva vida y darnos elementos sustanciales para reinterpretar y comprender el mundo de la música popular acaecida en las últimas décadas. Queda mucho por recuperar, o mejor dicho, mucho por explorar en esa historia paralela de misterio subterráneo que estuvo oculta para la gran mayoría y que por diversos motivos se vio privada de convertirse en un verdadero germen electrónico popular nacido en España con talento y rebeldía, llegando sin embargo hasta territorios verdaderamente ignotos y desconocidos por miles de jóvenes de aquel tiempo. En ocasiones el canto más bello es el de una lengua desconocida, y ocurre igual con los sonidos. Por ello, invito a disfrutar y participar con la escucha de este banquete donde los manjares sónicos más suculentos no siempre están necesariamente a la vista. Interferencias conforma una espléndida banda sonora que nos guía por los callejones de la memoria y el olvido, sabiendo muy bien que, a veces, los recuerdos valen su peso en oro.

Sergio Sánchez

Los veteranos Black Lips presentan su décimo álbum de estudio. A lo largo de los años, su estética se ha mantenido basada fundamentalmente en el rock de garaje, pero ha girado de diversas formas para abarcar el dream pop y el country. Esto se anuncia a sí mismo, según la cantante Zumi Rosow, como un "disco de baile extraño", que atraviesa el goth, el punk y el pop retro-futurista en una explosión entretenida.

Un disco que recuerda a Serge Gainsbourg borracho de blues o un Lee Hazlewood post-punk. «Femina» es su último trabajo tras tres exitosos álbumes: «Naked Blues» (2001), «Fuck Christmas, I Got The Blues» (2003) y «Masquerade» (2006). Todos con distribución internacional. Asia Argento, Peaches, Lisa Kekaula, Becky Lee, Phoebe Killdeer, Cibelle, Rita Redshoes, Claúdia Efe, Mafalda Nascimento, Dorit Chrysler, Maria de Medeiros, Rita Braga y Cais Sodre Cabaret también son dueñas y autoras del LP. Doble Lp con carpeta abierta en edición limitada de 1.500 copias.
Cuarto álbum de este artista portugués que transforma la tradición del blues del Mississippi con el añadido de samples, beats y loops.The Legendary Tigerman (Paolo Furtado: ex-Tédio-boys,Wraygunn) es el hombre a cargo del chaston, kazoo y la guitarra, acompañado en esta ocasión por varias artistas del ámbito musical. duets, but not as you know them. En el siglo XXI Paulo Furtado se convirtió en The Legendary Tigerman. Siguiendo la tradición de los viejos artistas del blues, este «hombre orquesta» se lanzó desde Coimbra, Portugal al mundo.Tigerman tiene raíces profundas que al mismo tiempo combina con nueva tecnología (samples, beats, loops), dotando a su música de un carácter único y tocando él mismo todos los instrumentos en directo. El resultado explosivo de esta mezcla le ha hecho famoso en Europa, Estados Unidos, Brasil y Japón. Al ser un hombre orquesta, es difícil imaginarse un directo potente, pero los shows de Tigerman son arrolladores. Hay cierta actitud punk en sus actuaciones. El blues vive en la música que toca. Pero siempre está latente cierta sensación de que algo está a punto de explotar, producto de la tensión que provoca en el escenario. Ahora es el turno de «Femina», el cuarto álbum de The Legendary Tigerman. Esta vez, sólo las mujeres están invitadas a su particular mundo. Tras tres discos donde, de manera explícita o no, las mujeres habitaban sus canciones, el solitario Tigerman ya no está solo. Como un Serge Gainsbourg borracho de blues o un Lee Hazlewood post-punk,The Legendary Tigerman ha creado un álbum donde dos mundos chocan y el resultado es un disco de duetos diferente de lo habitual.
En el siglo XXI Paulo Furtado se convirtió en The Legendary Tigerman. Siguiendo la tradición de los viejos artistas del blues, este "hombre orquesta" se lanzó desde Coimbra, Portugal al mundo. Tigerman tiene raíces profundas que al mismo tiempo combina con nueva tecnología (samples, beats, loops), dotando a su música de un carácter único y tocando él mismo todos los instrumentos en directo.

Primer volumen dedicado a la música synth hecha en España durante los años ochenta. Del tecno pop que flirteó con las listas de éxitos al underground experimental, estos 20 temas son el reflejo de una década y escena musical en constante y rápido movimiento. TodoTodo, Oviformia SCI, Última Emoción, WAQ, Justine, Séptimo Sello, Líneas Aéreas, MD, Lavabos Iturriaga, Vocoder, Metal y Ca, La Mode, Aviador Dro, Kalashnikov, Tomates Eléctricos, Metropakt, El Humano Mecano, Diseño Corbusier, Los Iniciados, Bola/Banda Electrónica. Ambos formatos incluyen un extenso libreto con texto de Sergio Sánchez (Jazznoize), fotos de los artistas y memorabilia.

Algunos visionarios intentaron mostrarnos lo que teóricamente iba a ser el futuro. Desde su reducto marginal abrieron sus puertas a una música electrónica, tanto en su melodía como en su armazón rítmico y bailable. Las nuevas vías expresivas que otorgaba el establecimiento en España de un modelo de transición a la democracia permitieron el incendio de la música tradicional de aquel momento. El synth pop se instaló en la península en los centros urbanos de las principales ciudades, dando inicio febril a una de las pocas etiquetas que podríamos denominar como autóctonas; el tecno pop: versión ibérica de aquel sonido minimal synth que causó furor a finales de los años 70 y principios de los 80, que a su vez abarcaba toda una serie de subgéneros. El mimetismo inicial era total, y sus referentes eran los discos de Cabaret Voltaire, Heaven 17, Brian Eno, Depeche Mode, Japan, Human League, Soft Cell, DAF, New Order, The Residents, Ultravox o Devo. Pero también el cine, la poesía y la moda eran claras influencias que se reflejaban en las canciones de aquellos incipientes grupos. Muchos tuvieron que sobrevivir en las catacumbas del underground y nadar en los mares maqueteros, sin publicar disco alguno, víctimas de la incapacidad de los sellos discográficos que no comprendían lo que se estaba gestando en el país, aunque poco después el filón sería explotado de tal manera que grupos con dos o tres actuaciones firmaban contrato con un sello. Cuando las grandes discográficas intentaron hacer caja tres años después del estallido cultural, para algunas bandas ya fue demasiado tarde, estaban bailando otra guerra. Este recopilatorio intenta paliar la escasa repercusión que algunos de estos grupos tuvieron en unos medios que no querían interiorizar ese cambio de rumbo de la historia, pues se estaba produciendo en lo cultural un pequeño salto adelante. Solo algunos programas de radio, de televisión y ciertos gestores de salas de conciertos apostaron por unos grupos cuyas grabaciones fueron lucientes testigos de una época, determinantes símbolos para entender la evolución de nuestra propia música contemporánea y popular. Esos grupos publicaron discos a la altura de algunas obras de fuera, a pesar de tener menos medios técnicos y menos conocimientos musicales. Esa nueva generación quiso romper, algunos de forma más consecuente que otros, con los eternos tiempos rancios y el totalitarismo. El entusiasmo y energía desbordante consiguieron finalmente implantar esa nueva ola cargada de rítmica sintética donde las guitarras cedieron protagonismo a sintetizadores de diverso pelaje y a las cajas de ritmo. En aquella España que aún negociaba al más alto nivel para ser aceptada por la Comunidad Económica Europea, la mayoría de proyectos no tuvieron la difusión que merecían. Muchos optaron por malvivir en la marginalidad, fichando por pequeños sellos o creando el suyo propio. Aquel espíritu do it yourself que pregonaba el movimiento punk se había convertido en una seña de identidad para la primera generación sin domar en cuarenta años. No todos los grupos estaban comprometidos políticamente, aunque de aquello surgieron propuestas interesantes porque aún no había llegado el tiempo de la creciente espiral de docilidad y tragaderas que después se implantó tras los primeros años de democracia. Interferencias brinda la oportunidad de descubrir unas propuestas que no siempre tuvieron eco y que fueron abandonadas para perderse en la memoria de unos pocos. El disco no es una suma de reliquias del pasado, sino algo viviente que nos permite comprender, desde ese pasado cercano, nuestro mundo actual. El surtido de grupos aquí reunidos impone, y las canciones seleccionadas son sugerentes y honestas propuestas donde se derrochan kilos de coherencia en temas repletos de melodías infecciosas y ritmos pegajosos y aritméticos. Son canciones reflejo de una década.

Tras doce años sin canciones nuevas presentamos ALLES IN ALLEM, el nuevo disco que marca la quintaesencia del grupo de BERLIN.Cuarenta años de experimentación por un grupo de artistas alrededor de BLIXA BARGELD y sin dormirse en los laureles. Blixa Bargeld, N. U. Unruh, Alexander Hacke, Jochen Arbeit y Rudolph Moser meten en la batidora Sonsoles sonido industrial, sus beats de los 90 o su trabajo más complejo de la última etapa en el cual alrededor de la versatilidad del año de la Rata, en el horóscopo chino, crean un elenco de canciones genuinas que define toda categoría para crear un género en si mismo.

DE LA CUNA A LA TUMBA pone punto y final a su andadura con La tumba, re-edición de lujo en vinilo de su breve pero intensa discografía vía Spinda Records y The Braves Records, y de la que el pre-order está ya abierto. Hace unas semanas la formación andaluza rompió su silencio con la publicación en sus redes sociales de una serie de enigmáticas imágenes y agrupadas bajo #imágenessinnombre, que inmediatamente crearon cierta expectación entre sus seguidores más fieles, así como algunos fragmentos del DVD en directo Cenizas y cintas de vídeo.
Formados a finales de 2014 entre Sevilla y Málaga, De La Cuna A La Tumba aunaba la experiencia y el amor por la carretera de J.A. Soler «Kantz» (antes en Tenpel y Coilbox; ahora en Habitar La Mar) y los miembros de Catorce (Jaime Ladrón de Guevara, José Miguel Ocón y Luis Manuel Terán).
En 2016 lanzan su debut homónimo, que les lleva a recorrerse gran parte de la península, colgando incluso el cartel de «no hay entradas» en la mítica Sala Sirocco madrileña. Un año después, en 2017, lanzan su segundo y último trabajo de estudio, [algo sin nombre], que vendría acompañado por el DVD Desdibujados [Cenizas y cintas de vídeo], directo grabado entre ambos álbumes. DE LA CUNA A LA TUMBA en muy poco tiempo se convirtieron en todo un referente nacional del post-hardcore y el post-rock alternativo; una banda que supo romper moldes a pesar del escaso material editado.
Tras la correspondiente gira de presentación, la formación entró en un hiato de tiempo, desapareciendo sin apenas hacer ruido y habiendo puesto patas arriba la escena nacional en algo menos de tres años. Sin embargo, algunas cosas quedaron por decir y/o por hacer: una despedida oficial y la edición de sus trabajos en vinilo. DE LA CUNA A LA TUMBA se despiden ahora con La tumba, un recopilatorio de sus dos únicos álbumes de estudio, grabados por Koke Díez en Manufacturas Sonoras (Madrid) y masterizados por Brad Boatright en Audiosiege (Portland, EE.UU.), y con artwork de The Braves Church.
La tumba verá la luz en verano de 2020 en tres ediciones limitadas a 100 unidades numeradas a mano y prensadas en doble vinilo de 180g a 45RPM, montadas en carpeta abierta gatefold y con código descarga que incluye también el audio de los 5 temas en directo de ‘Cenizas y Cintas de Video’. Opción 1: LP Black in Clear Red + LP Black in Clear Crystal / White. Opción 2: LP Clear Red + LP Clear Crystal / White. Opción 3: LP Black + LP Black. El pre-order está ya abierto en spindarecords.com y thebravesrecords.com, así como en el Bandcamp de Spinda Records, y en los próximos días se comunicará la fecha oficial de lanzamiento.

(Metalkorner.com)

¡Llamando a todos los fans de BEASTS OF BOURBON! Al igual que con THE CRAMPS y THE FUZZTONES, se lanza en vinilo doble una recopilación de todas las canciones originales que versionaron. ¡Todas las canciones que BEASTS OF BOURBON versionaron a lo largo de los años! Los originales de todos los artistas como Hound Dog Taylor, Max Roach, Hank Williams, Standells, Electric Eels, Pretty Things, Howlin'Wolf, Nobody's Children, Leon Payne, etc, etc, etc ¡¡¡Todos!!!! Edición extremadamente limitada de 250 copias con sobrecubierta e información completamente detallada, todos los fanáticos de LAS BESTIAS DE BOURBON, corran por su copia!!!!!!!!!

99.00 DUB MANIFEST (Esan Ozenki records 2000), es el título del segundo álbum en solitario de Fermin Muguruza. Ahora, cuando se cumplen 20 años de su publicación, os presentamos una cuidada edición en vinilo doble, formato en el que no se editó originalmente.
Este disco se grabó con la banda que le ayudó a presentar su aclamado Brigadistak Sound System en directo y con la llevó a cabo una gira durante 2 años. El álbum tiene 3 remix extra: Javi P3Z y Xabi Pery remezclan Big Beñat y Rude hace lo propio con Dub Manifest. Todos a bailar!

My Lover The Killer es la colaboración más reciente entre Lydia Lunch y Marc Hurtado. Su primer trabajo conjunto fue el tema ‘Sexodrone’ del álbum de Etant Donnés’s Re-Up, en 1999. Con la participación de Terry Edwards (Gallon Drunk), Ian White (Gallon Drunk), Mark Cunningham, We Are Birds of Paradise y David Lackner.

My Lover The Killer es un proyecto colaborativo con Marc Hurtado. Lo que empezó como un concepto musical sin definir en el verano de 2012 se convirtió en una profecía escrita en sangre en noviembre de ese mismo año. My Lover The Killer es un confesionario oscuro y nocturno. Siniestra, sexy y misteriosa, la música se desliza, surge y acaricia la cautivante voz que narra retorcidos relatos llenos de insinuaciones, promesas y amenazas. El texto se basa en el asesinato/suicidio de un ex amante con el que había contactado recientemente por primera vez en más de una década. Camino de Los Ángeles, tras un huracán a principios de otoño que afectó a la costa este de Estados Unidos, le envié una invitación sugiriendo que nos viésemos para tomar unas copas. Dos días después, durante una pelea regada con alcohol entre él y su novia debida a su intención de venir a verme, la mató de un disparo, llamó a la policía y se apuntó a sí mismo. Murió al día siguiente, el día que cumplía 55 años. Cada canción de My Lover The Killer es una reflexión sobre esta tragedia, los aterradores efectos de un amor insano fuera de control y los obsesionantes retazos de un amante que todavía acecha desde más allá de la tumba. Lydia Lunch

Lydia Lunch es una nómada en constante cambio que ha desplazado su vida 20 veces en los últimos 35 años para nutrir su arte. Música, escritora, fotógrafa e intérprete, se dio a conocer en la escena musical de Nueva York en 1977 con su seminal grupo de no wave Teenage Jesus and The Jerks. Tanto en busca de inspiración como para trabajar con una amplia variedad de colaboradores, que incluyen a Karen Finley, Hubert Selby Jr, Nick Cave y Virginie Despentes, ha vivido en Nueva York, Nueva Orleans, San Francisco, Pittsburgh, Los Ángeles y Londres. Ha viajado a más de 600 ciudades interpretando música y espectáculos de spoken word en locales, teatros y museos. Durante los últimos ocho años ha residido en Barcelona, desde donde busca inspiración en el desierto y los cientos de pueblos abandonados, sobre todo las inmensas ruinas de la batalla de Belchite de la Guerra Civil. Marc Hurtado es un músico, intérprete, poeta, pintor y cineasta que creó el dúo francés Etant Donnés junto a su hermano Eric en 1977. Ha publicado más de 30 álbumes y realizado más de 500 conciertos, incluyendo actuaciones en The Kitchen (Nueva York), Fundación Cartier y Centro Pompidou (París), Sonar Festival (Barcelona), Atonal Festival (Berlín) y Transmusicales (Rennes). Además de dicho dúo y su proyecto en solitario Sol Ixent, ha colaborado con muchos artistas de culto como Alan Vega, Genesis P Orridge, Michael Gira (Swans), Gabi Delgabo (DAF), Z'ev, Philippe Grandrieux y Vomir. Su última película, Jajouka, Something Good Comes To You, ha sido adquirida para formar parte de la colección del museo MoMA de Nueva York. Sus instalaciones y cuadros han sido expuestos en Documenta de Kassel, la Bienal de Lyon, la Gallerie du Jour de París, el Museo Stededelijk de Ámsterdam, el Cultural Arts Council de Houston y la Mattress Factory de Pittsburgh.

Música original de la película, compuesta e interpretada por PJ Harvey.

"Wait Long by the River and the Bodies of Your Enemies Will Float By" es el segundo álbúm lanzado por los Drones. El álbum tiene influencias de artistas como Neil Young y The Birthday Party, aunque ha sido descrito por el mismo cantante y guitarrista Gareth Liddiard como un álbum de punk rock. La letra, escrita por Liddiard, trata temas como la muerte, la depresión y el alcoholismo en su descripción de la vida de la clase trabajadora australiana. El álbum recibió elogios de la crítica tras su lanzamiento, considerado más tarde como la "ruptura" de la banda y uno de sus lanzamientos más populares. La canción "Shark Fin Blues", en particular, se convirtió en un elemento básico de los conciertos y fue votada por los compositores australianos contemporáneos como la mejor canción australiana de todos los tiempos en octubre de 2009. El álbum en sí se interpretó en vivo en su totalidad muchas veces, incluso como parte de la aclamada serie de conciertos Don't Look Back. En 2008, The Age lo clasificó como el mejor álbum australiano del siglo XXI. Tres años más tarde, los contemporáneos de la banda y los "expertos de la industria" lo votarían como el 24º mejor álbum australiano de todos los tiempos.

Por primera vez en vinilo, el considerado por muchos como el mejor álbum de Nikki Sudden "Red Brocade". Con miembros de JACOBITES, THE CHAMBER STRINGS, WILCO, etc. El álbum original lanzado en portada doble LP con carátulas internas, remasterizado y con notas de Kevin Junior (The Chamber Strings). En 1997, el músico británico Nikki Sudden viajó a Chicago para trabajar con The Chamber Strings. Mientras estaban allí, las dos partes se dieron cuenta de que eran creativamente simpáticos, y pronto comenzaron a trabajar en un álbum, un puñado de canciones reflexivas, ocasionalmente introspectivas y magníficamente escritas, que aparecería en 1999 como Red Brocade. Es un tema suave de cantautor, algunos podrían llamarlo lt.country' y el hecho de que Jeff Tweedy de Wilco aparezca aquí debería darte una idea de lo que estás obteniendo, ya que sonoramente, todas las canciones aquí podrían haber sido pistas de Wilco. 500 copias, publicadas bajo licencia de Easy Action Records, Reino Unido.

El anterior LP, Sadness Makes Me Less Unkind, podía encuadrarse dentro del alt country y el folk de bandas como The Sadies o Mark Lanegan, a la vez que se nutría de influencias tradicionales de Johnny Cash a Townes Van Zandt. Si bien estas influencias siguen permeando la música de Pale Preacher, Hanged, Drawn, Quartered…, es, en general, un disco más denso y oscuro, con angulosos arreglos de guitarra eléctrica, más cercano en algunos momentos a los primeros Bad Seeds o a Kim Salmon y sus respectivas revisiones de la música de raíces.
El disco se inicia con la aparente sencillez de “Big Nose George Parrott”, en el que las guitarras acústicas y el banjo nos introducen en la grotesca historia de este salteador de caminos que fue linchado, descuartizado y partes de su cuerpo convertidas en objetos. Prosigue con “So Sad, Very Sad, So Sick and Mad”, que contrasta con la anterior por la contundencia de su sonido, en la línea de bandas como 16 Horsepower. Es un tema sobre el dolor y la tristeza producidos por las pérdidas y rupturas, una constante a lo largo del disco. Con “Hang Me Down” se repite uno de los aciertos del trabajo anterior, la colaboración con Victoria Villa, cantante de Evildog. Aquí la dulzura de la música, una balada con arreglos de cuerda, choca con el cinismo de una letra en la que dos ex-amantes se prometen odio eterno. “Hallowed Winds”, también con Victoria Villa acompañando a Francisco, cierra la cara A: estrofas dulces y estribillos de intensidad creciente hasta el tormentoso final, con guitarras que podrían recordarnos a Rowland S. Howard. La cara B comienza con “Goddamn Tree”, de nuevo un tema en el que prima la electricidad de las guitarras, con un estribillo pegadizo, en el que también escuchamos a Álvaro Gastmans (Gastmans, The Hairy Nipples) en los coros. “Murky” es una canción desgarrada y confesional, que comienza casi como un homenaje a las bandas sonoras de Ennio Morricone para terminar con un intenso reprise eléctrico. “I Wonder How Long”, es punk blues espasmódico en el que colaboran Juanillo Basura (The Hairy Nipples, Tupelo Bound…) a la batería e Israel Calvo (The Hairy Nipples, Betamax…) a la guitarra, así como Máximo RB -coproductor del disco- con la armónica. El disco termina con “Hellbuilder”, country gospel festivo para pecadores e incrédulos, con Damián Fernández batería de Trío Mudo y todos los colaboradores del disco a los coros.
…And Forgotten es el EP que acompaña a Hanged, Drawn, Quartered… y en el que Pale Preacher confiesa sus filias musicales, rindiendo tributo a algunos de sus artistas favoritos. Las cuatro versiones ahondan en la temática del LP y también conectan musicalmente Hanged Drawn, Quartered… con su anterior trabajo, Sadness Makes Me Less Unkind.“Saint John The Gambler” es una sentida interpretación, de nuevo con arreglos de cuerda de José Ojeda, de uno de los temas más conmovedores de Townes Van Zandt, sin duda un referente en la carrera musical de Francisco J. Galacho. “The Spectre” si cabe, es más inquietante que la original de Jackson C. Frank, un cantante folk tan talentoso como desafortunado.
“Alone And Forsaken” es una interpretación personalísima y de atmósfera industrial del clásico de Hank Williams. “The End”, original de Sybille Baier, cantante alemana redescubierta hace pocos años, cierra este trabajo. En esta ocasión Francisco opta por ceñirse al original, cantando y tocando la guitarra acústica en una grabación de ambiente casero.

El grupo vasco Billy Bao viajó a la antigua capital de Nigeria para grabar una oda en cuatro partes a la ciudad ... Son collages de sonido que toman fragmentos del trabajo de la artista sonora local Emeka Ogboh, el ex compañero de Fela Duro Ikujenyo y el saxofonista de afro jazz Orlando Julius, y fusionándolos toscamente con el respaldo ambiental ... Billy Bao y sus compañeros logran capturar el amor, el afecto y la frustración inevitable (inconfundible) que evoca Lagos ". Lanre Bakare, The Wire "Lagos Sessions" con: Billy Bao, Ambido, Diana Bada, Duro Ikujenyo, Mark Ido, Oduyomi Isaiah Oluseye, Joel Isioma Okoh, Orlando Julius, Mendo, Emeka Ogboh. Presentado en portada desplegable con notas de Kunle Tejuoso y Ed Emeka Keazor.

Edición limitada en vinilo de su ábum de 2015.

Versión extendida de esta fabulosa grabación a cargo de Jeffrey Lee Pierce & Cypress Grove. Puro Blues acústico, grabado en Eslovenia en 1994 para un programa de radio. Jeffrey Lee se había tomado un descanso de Gun Club para enfocarse en su pasión por el Blues tradicional. Contiene canciones inéditas hasta la fecha. Para completar una edición de lujo, se añaden notas del propio Cypress Grove. Por lo que sabemos, éstas fueron las últimas canciones grabadas por Jeffrey Lee... y suenan brutales!!!

A lo largo de los últimos años de encierros y silencio y de tener demasiado tiempo para pensar, Tex Perkins siempre encontró consuelo en la compañía de la canción. Con su amigo Matt Walker como coguionista y conspirador, Perkins se deleitó con la experiencia que impulsó la formación y grabación del primer álbum de Fat Rubber Band en los Stovepipe Studios de Walker & #39 con el bajista Steve Hadley, el baterista Roger Bergodaz y el percusionista Evan Richards. . Después de una experiencia tan positiva y creativa, Perkins estaba ansioso por comenzar a trabajar en lo que se ha convertido en el segundo álbum de la banda, Other World. “El primer álbum de Fat Rubber Band fue deliberadamente un poco irregular. Un poco borroso en los bordes”, dijo Perkins. “Hay una cierta madurez que ahora poseemos donde las ideas se pueden realizar y tomar forma muy rápidamente. Nos hemos convertido en una verdadera banda. Creo que lo que escuchaste en el primer álbum es la formación de la banda”. Si bien ha tocado con muchos músicos, encontrar verdaderos colaboradores es algo que Perkins atesora. Durante los cierres, se preguntó si alguna vez volvería a tener esa experiencia musical cotidiana. Con The Fat Rubber Band no es solo otro grupo de músicos que tocan música juntos, sino una reunión que tiene mucho que ver con la cabeza, el corazón y el alma y algo por lo que está claramente agradecido. “Roger Bergodaz estuvo increíble. ¡Su kit de batería estaba en la sala de control y él diseñó el disco y tocó la batería prácticamente al mismo tiempo! Constantemente creó el entorno donde siempre prevaleció una atmósfera entusiasta y positiva. Nunca salimos con las manos vacías. Me encantó hacer este disco”, dice Perkins, “porque ocurrió la puta magia. Sí, así es, ¿magia o qué tal alquimia? (Una ciencia medieval con un proceso misterioso que busca convertir los metales básicos en oro.) Bueno, no sé sobre el oro, pero fui testigo de ideas, pensamientos, caprichos e imaginaciones transmutadas casi sin esfuerzo en canciones vivas que respiran con alma y un latido del corazón e incluso su propia historia privada cada vez que entramos al estudio para esta grabación. En realidad, no, la magia es mejor.” Perkins explica: “Esta magia surgió con la ayuda de más de 40 años de experiencia de cada uno de los miembros de la banda Fat Rubber. Todos son realmente grandes jugadores y todos son colaboradores muy generosos, así que supongo que lo que estoy diciendo es que no importa lo que pase a partir de aquí. Soy muy consciente en estos días, con cientos de nuevos lanzamientos cada semana, es más difícil que nunca hacer que a la gente le importe una mierda un nuevo álbum de alguien, y mucho menos de un grupo de tipos peludos de Australia en sus 50 liderados por un amigo que ha existido desde principios de los ochenta llamado Tex. En realidad, ¡no puedo creer que todavía estés leyendo esto! Pero sabes que en realidad no importa, he visto la magia”.

Reedición, por primera vez en vinilo, de su álbum de 1997.

Reedición de este álbum de 1999 del dúo francés Étant Donnés, una de las principales formaciones de la escena industrial/expérimental europea desde finales de los años 70. Presentado con un diseño nuevo y disponible en vinilo por primera vez, esta banda sonora para exploradores sensoriales está repleta de crujidos y zumbidos y cuenta con la participación vocal de Alan Vega, Lydia Lunch y Genesis P-Orridge, más las colaboraciones de Mark Cunningham y Bachir Attar, líder de The Master Musicians of Jajouka. Incluye un remix de Marc Hurtado como tema extra.
Para este disco de 1999, Étant Donnés, dúo francés formado por los hermanos Eric y Marc Hurtado, contaron con Alan Vega, Lydia Lunch y Genesis P-Orridge a la hora de escribir letras y aportar voces. Vega aparece en los cuatro primeros temas, uniendo su personal voz con los latidos y crujidos analógicos de ‘Shadows Lights’, respondiendo al palpitar rítmico y el sintetizador quebrado del tema titular, participando en un tema escrito originalmente por él y Martin Rev en la versión de ‘Ghost Rider’ de Suicide, y en la épica ‘Brutal Piss Rods’. Lydia Lunch aparece a continuación en ‘Sexodrone’, un tema largo donde su respiración y su fría interpretación vocal se baten en duelo con la trompeta tratada de Mark Cunningham. Genesis P-Orridge aporta un ambiente diferente con su spoken word en los últimos tres temas: entre los gongs metálicos y ráfagas de sintetizador de ‘At Last’, la pieza complementaria ‘Angel With Iron Wings’ y ‘Secret Tear’. En este último tema participa también Bachir Attar, líder de The Master Musicians Of Jajouka, tocando la ghaita; P-Orridge y Attar concluyen este viaje con un vigoroso diálogo entre voz e instrumento. Es la banda sonora perfecta para exploradores sensoriales. El bonus track es un remix de ‘Ghost Rider’ a cargo de Marc Hurtado que parece querer transportarnos al centro de una guerra intergaláctica.

La voz y la guitarra de Ben Vaughn se filtran a través de su peculiar sentido del humor, lo que da como resultado una colección de letras inteligentes y melodías pegadizas perfumadas con aroma vintage.
Cuando “The Many Moods Of Ben Vaughn” se publicó 1986, el Combo tenía literalmente el mundo a sus pies. Muchos de los éxitos que hoy le puedes escuchar a él (y su quinteto) ya se encontraban en este disco.
¡Suena tan fresco hoy como resultaba en su momento y ahora lo reeditamos por primera vez en 35 años!

El Ben Vaughn Combo abrió el camino para la música americana que resultaba retro en comparación con la de sus contemporáneos. Su sonido de influencia Tex-Mex supuso una gran sensación y su reputación como banda de directo no dejó de crecer con cada concierto que daban. Lo suyo era todo un giro en las raíces del rock fuera de los estándares de los 80. Y aquello que tiende a quedar fuera de la historia a pesar de ser atemporal, no encaja fácilmente en ninguna narrativa oficial.
Cuando “The Many Moods Of Ben Vaughn” se publicó 1986, el Combo tenía literalmente el mundo a sus pies. Muchos de los éxitos que hoy le puedes escuchar a él (y su quinteto) ya se encontraban en este disco. Descatalogado desde hace mucho tiempo y con cierta demanda, esta fue la primera vez -aunque no la última- que la maquinaria perfectamente engrasada de Ben se escuchaba en un álbum.
‘I Dig Your Wig’, de inspiración Andy Shernoff, suena a The Cramps con un toque a lo Doug Sahm. El arma secreta aquí es el acordeón. Poco utilizado en el rock 'n roll y, a menudo, objeto de burlas, permite a estas canciones un escenario que su instrumentación convencional simplemente aplanaría. En la info de la carpeta se puede leer “Dedicated to the Geator”, un guiño al legendario DJ de Filadelfia que fue una inspiración decisiva para que Ben Vaughn desarrollara este sonido. Tan fresco ahora como resultaba en su momento.
¿Quizá eras demasiado joven cuando este disco se publicó por primera vez? ¿o puede que ya hayas desgastado 3 copias? Sea cual sea tu historia, este disco es de los que te va a lograr animar en estos tiempos tan convulsos. No lo lamentes (como Brenda Lee).
Los motores de Ben Vaughn y los suyos ya se están preparando para su próxima aparición en el Surforama 2022 de Valencia, así como algunos conciertos más por la península a finales de mayo/comienzos de junio. Seguro que será un buen momento para que muchos se lancen en los brazos de este estupendo álbum.

Martin Rev y su cuarto album siguió el album de Why be blue de Suicide de 1992. Editado por el sello Roir, dieciseis canciones con esquejes de melodías en lugar de estructuras definidas, donde se aprecia el poderío de R&b destilado a través de un teclado y con el mismo tono sentimental o poético que las grabaciones de Jonathan Richman o Chet Baker . Un retrato nostálgico de NYcon energía romática sobre, por y para la metrópolis.

El segundo álbum de la banda de Kim y Kelley Deal la aupó a convertirse en uno de los grandes nombres del rock alternativo de los noventa gracias a un puñado de grandes canciones.

El líder de The Gun Club, Jeffrey Lee Pierce, grabó en 1992 este su último disco en solitario, junto a Cypress Grove y Willie Love. En esta ocasión Jeffrey Lee Pierce decidió volver al sonido original y de raíces del Blues del Delta del Mississippi. Finalmente reeditado en vinilo, Bang! Records presenta este disco en versión extendida con todas las grabaciones incluyendo siete canciones que no se habían editado anteriormente en vinilo. Esta edición está presentada en edición de lujo de carpeta doble abierta con 2 Lps y fotografías inéditas, así como textos por parte de Cypress Grove y Willie Love hablando acerca de la grabación así como sus aventuras junto al difunto Jeffrey Lee Pierce. Editado por Bang! Records bajo licencia de Creeping Ritual Productions.

El quinto álbum en solitario de Martin Rev fue creado en la cúspide del milenio. Música furiosa y eléctrica, condensado en los recuerdos del doo wop que oía en el transistor en su infancia. Cerca de Panasonic , concretamente de Mika, la edición original se llevó a cabo en el sello finés Puu, con trazas de música contemporánea y de electrónica de pista con loops rítmicos y la voz de Rev en modo salvaje e hipnótico.

Martin REV, mitad del seminal duo Suicide editó en solitario este disco en 1985 ( New Rose ). SU proceso de creación entre la minimal forma del lenguaje y la electrónica dio como resultado una forma de entender la música que heredaron Air, Daft Punk o Aphex Twin. Clouds fue compuesto del 81 al 84 y tuvo lugar en las horas muertas de estudio que se iban acumulando. Visiones e ideas que evocan la solemnidad de la música religiosa en un tono meditativo. Un lugar mágico en algún lugar de su viaje personal.

Alternative Rock & Post-Hardcore desde Alicante.