70's

Munster se complace en presentar la primera entrega de la nueva serie de reediciones de álbumes completos del catálogo de Lee Hazlewood Industries Records (LHI), la primera reedición del disco de Eve “Take It And Smile”.
Las etéreas armonías vocales de Eve están presentes, pero el toque de “grupo de chicas” del álbum de su anterior grupo, Honey Ltd, fue reemplazado por ritmos funky y esa onda de country rock sicodélico tan en boga en Los Angeles a comienzos de los 70.
Primera reedición en vinilo. Remasterizado por el ingeniero John Baldwin a partir de las cintas analógicas originales.
Incluye una nueva entrevista exclusiva con Laura Creamer, Temmer Darigan y Joan Glasser de Eve a cargo del especialista Hunter Lea.
A finales de los 60, cuatro adolescentes de Detroit se fueron haciendo auto-stop hasta Los Ángeles para intentar hacer realidad su sueño. Conocidas como las Mama Cats, la combinación de sus voces creaba un instrumento mágico, un vehículo armónico construido a base de la inspiración e improvisación de cuatro grandes amigas. Sus voces etéreas y armonías celestiales sonaban de un modo único.
Tras conocer a Lee Hazlewood en Los Ángeles, éste quedó abrumado por su talento, ofreciéndoles un contrato para su sello, Lee Hazlewood Industries (LHI), rebautizando la banda como Honey Ltd. Su único LP (1968) nunca llegó a ver la luz. De las cenizas del grupo, con las tres componentes originales que permanecieron juntas, surgió Eve.
En la primavera de 1970, Eve y el productor Tom Thacker entraron en el estudio para grabar “Take It And Smile”. Las etéreas armonías vocales seguían presentes, pero el toque de “grupo de chicas” del álbum de Honey Ltd fue reemplazado por ritmos Funky y esa onda de country rock sicodélico tan en boga en Los Angeles a comienzos de los 70. Con el apoyo de un gran grupo de músicos, las sesiones de grabación contaron con miembros de las bandas Wrecking Crew, Elvis’ TCB band, Ry Cooder, Sneaky Pete y hasta Glenn Frey de the Eagles. Se incluyeron canciones de James Taylor, Fred Neil, The Gibb Brothers, Burt Bacharach, Bob Dylan, Mac Davis así como un puñado de composiciones originales increíbles como la bella ‘Dusty Road’ y el tema ‘Take It And Smile’, coescrito con Glenn Frey. Tras su lanzamiento, el disco no logró alcanzar el éxito del público. Después de grabar una última canción, ‘So Tired’, para la banda sonora de The Vanishing Point, las chicas tomaron rumbos separados, cada una cantando profesionalmente con artistas como Bob Seger, Neil Young, Tina Turner, Loretta Lynn y muchos otros.
Este disco es el primero en una nueva serie de reediciones de álbumes completos del catálogo de LHI (Lee Hazlewood Industries Records) que Munster irá publicando a lo largo de los próximos meses. Las grabaciones han sido cuidadosamente remasterizadas a partir de las cintas analógicas originales y las reediciones se completan con entrevistas exclusivas, notas, fotos inéditas y el arte original de sus portadas.

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Reeditado en vinilo por primera vez, el debut de Marc Jonson, "Years", es una obra maestra del pop psicodélico / pop barroco lanzada originalmente en Vanguard Records en 1972. Con solo 20 años en ese momento, Jonson escribió y produjo un disco gloriosamente ambicioso influenciado por álbumes emblemáticos como "Astral Weeks" y "Forever Changes", ricos en hermosas melodías y un lirismo poético. Cuatro décadas y media después de su lanzamiento original, "Years" suena hoy tan relevante y cautivador como siempre, una joya impresionante que espera ser redescubierta. Presentado en obra de arte facsímil y prensado en vinilo de 180g. Incluye 7 "con cuatro temas adicionales.

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Este disco recopila por primera vez la totalidad del material contenido en los 3 singles que publicó el grupo valenciano de culto Modificación a comienzos de los 70, junto a grabaciones inéditas procedentes de aquellas mismas sesiones, muy influenciados por bandas internacionales como Grand Funk Railroad, Iron Butterfly, Vanilla Fudge, Rare Earth, Led Zeppelin… Incluye Across the Time, un atronador número de freakbeat que en los últimos años se ha convertido en uno de los singles españoles más buscados y cotizados de esa época. Un completo retrato de una de las bandas underground más legendarias de aquel periodo en España cuya obra permanecía aún fuera del alcance de los coleccionistas y reclamaba su recuperación urgente. La edición se completa con numeroso material gráfico procedente del archivo personal de los miembros del grupo y notas interiores exhaustivas firmadas por el reconocido especialista Vicente Fabuel. El arte de la portada recupera igualmente icónicos elementos gráficos procedentes del material promocional usado por Modificación en aquellos años.
El grupo Modificación ilustra con precisión lo que significó el rock de los 70, progresivo y underground, en la escena valenciana. Hacer las músicas que el planeta rock internacional demandaba en esos días, mucho más libres y expansivas, penalizaba. Sufrieron las dificultades de querer grabar discos modernos e innovadores, imposiciones de las discográficas y deserciones de sus miembros con intereses más profesionales que artísticos. Su nacimiento se remonta a comienzos de 1969, en el valenciano barrio de Ruzafa, teniendo sus fundadores en torno a los 16 años de edad media. Mientras que otras bandas de la ciudad se decantaban por repertorios más comerciales, bautizaron el grupo como Modificación para dejar clara su apuesta por propuestas más underground, muy influenciados por bandas internacionales como Grand Funk Railroad, Iron Butterfly, Vanilla Fudge, Rare Earth, Led Zeppelin…Haciendo desde el principio temas propios, sus directos se caracterizaban por su gran compenetración y potencia. Una actuación junto a los catalanes Lone Star cambió su suerte, al recibir una oferta para grabar un single en EMI, Llegará el día que me quieras (1971), un debut importante que supuso también la incorporación -temporal- de Juan Bau como cantante. Su segunda aventura discográfica llegaría en 1972 con el pequeño label madrileño La Corrida, propiedad de los Pekenikes Félix Arribas y Juan Jiménez, donde publicarían un par de singles grabados en los madrileños estudios Audiofilm con influencias glam, onda californiana y soft rock, tal y como era tendencia internacional en ese momento. De estas sesiones procede una de sus grabaciones más buscadas, la ya mítica Across the Time, un atronador número de freakbeat que en los últimos años se ha convertido en uno de los singles españoles más cotizados de esa época. Este disco recopila por primera vez la totalidad del material contenido en los 3 singles que publicó la banda junto a grabaciones inéditas procedentes de las sesiones realizadas a comienzos de los 70 en Madrid. Un completo retrato de una de las bandas underground más legendarias de aquel periodo en España cuya obra permanecía aún fuera del alcance de los coleccionistas y reclamaba su recuperación urgente. La edición se completa con numeroso material gráfico procedente del archivo personal de los miembros del grupo y notas interiores exhaustivas firmadas por el reconocido especialista Vicente Fabuel. El arte de la portada recupera igualmente icónicos elementos gráficos procedentes del material promocional usado por Modificación en aquellos años.

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Batiscafo de Gregorio Paniagua es uno de esos discos que continúan siendo inalcanzables para la mayoría de coleccionistas. El álbum se publicó en 1980 en Hispavox y, tras una corta tirada, desapareció sin que se haya vuelto a editar en ningún otro formato hasta ahora. Paniagua es un músico, y erudito musical, de formación clásica con un amplio y fructífero historial estudiando, grabando y redescubriendo músicas antiguas que ha girado por numerosos países logrando un enorme reconocimiento tanto dentro como fuera de España. En 1980 se encerró en el estudio durante cada noche a lo largo de un mes para grabar Batiscafo, un disco en el que quiso emular el trabajo en solitario de Mike Oldfield y su Tubular Bells y que desapareció demasiado pronto para convertirse en un Santo Grial de la música experimental en España. Batiscafo anticipó todo un movimiento de música de vanguardia en los 80 que tuvo como artistas más reconocidos a Suso Saiz, Pep Llopis, Ishinoana o Finis Africae, y que ahora están siendo redescubiertos y admirados por el público internacional. Es un disco que continúa sorprendiendo por su inventiva y originalidad y, cuarenta años después, sigue destacando por su atrevida combinación de electrónica primigenia, clasicismo, experimentación y psicodelia. Reeditado aquí por primera vez, incluye reproducción facsímil del arte original y extensas notas interiores. Remasterizado a partir de las cintas originales y prensaje en vinilo de 180gr.
Vivimos inmersos en la era de las reediciones y en la búsqueda de lo extraño, lo oculto y lo maravilloso. Las discográficas no paran de desempolvar joyas publicadas hace muchos años que solo han estado disponibles al alcance de unos pocos coleccionistas. En ese grupo de gemas inalcanzables se encuentra Batiscafo de Gregorio Paniagua. El disco se publicó en 1980 en Hispavox y, tras una corta tirada, desapareció sin que se haya vuelto a editar en ningún otro formato hasta ahora, a pesar del enorme interés de numerosos aficionados por hacerse con un vinilo en buen estado de esta sorprendente anomalía de la música hecha en España. Paniagua es un músico y erudito musical de formación clásica con un amplio y fructífero historial estudiando, grabando y redescubriendo músicas antiguas, desde Las Cantigas de Santa María del Rey Alfonso X El Sabio - por las que obtuvo un disco de oro en Japón – a músicas de nuestro pasado andalusí o composiciones de la Antigua Grecia (por nombrar tan solo algunas) junto al conjunto vocal e instrumental Atrium Musicae, con el que visitó numerosos países y logró una enorme repercusión tanto dentro como fuera de España. En 1980, Gregorio Paniagua sintió la necesidad de componer y grabar un disco en solitario, fuera de las ataduras que le suponía trabajar con un grupo de músicos. Después de convencer al sello Hispavox sobre el proyecto que tenía entre manos, pasó del departamento de Clásica al de Pop, encerrándose durante todas las noches de un mes completo para grabar Batiscafo. De esta forma, con la única ayuda de un técnico de sonido, una mesa de mezclas de última generación, de sus instrumentos y de un ingenio desbordante, consiguió crear esta maravilla: un disco en el que quiso emular el trabajo en solitario de Mike Oldfield y su Tubular Bells y que desapareció demasiado pronto para convertirse en un Santo Grial de la música experimental en España. Batiscafo anticipó todo un movimiento de música de vanguardia en los 80 que tuvo como artistas más reconocidos a Suso Saiz, Pep Llopis, Ishinoana o Finis Africae y es un disco que continúa sorprendiendo por su inventiva y originalidad y, cuarenta años después, sigue destacando por su atrevida combinación de electrónica primigenia, clasicismo, experimentación y psicodelia. Es, sencillamente, una obra maestra atemporal.

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Como una calada mañanera de costo, a esa hora en que al llamado aire libre le suena el despertador, la síntesis operada en este álbum resulta aromatizada, hipnótica, luminiscente.
Guitarra española y metonimias flamencas florecen en este, teóricamente transicional, trabajo instrumental, que se convertiría en uno de los más populares en la discografía de Toti Soler. Este álbum de 1973, junto con otros discos de la época, forma parte de las simientes primigenias en la creación de la fusión flamenca.
 Las áridas pero magnéticas notas de ‘Sardana flamenca’, primer corte del disco, se hincan en el subconsciente. Un trabajo que Soler grabaría con el único acompañamiento de su guitarra española excepto en los cortes eléctricos en donde otros miembros de OM le acompañan.
Reeditado en vinilo por primera vez. Incluye encarte con notas del periodista musical Jaime Gonzalo y una foto inédita de Toti Soler.
El homónimo Segundo álbum de Toti Soler junto con Sabicas, los Smash de 1971-72 y las grabaciones de Paco de Lucía con el músico de jazz Pedro Iturralde, resultaron ser las simientes primigenias en la creación de la fusión flamenca que tanto ha dado de sí. Todos ellos cambiaron la percepción que se tenía del género, redefiniendo sus límites y posibilidades.
Esa síncresis de Soler entre Hispalis y el Mediterráneo catalán, otra suerte de “fusión”, la haría paradójicamente posible Edigsa, el sello con el que más a menudo trabajó el guitarrista, cuyo espíritu fundacional regía la lícita salvaguarda del catalán.
En 1972 la ancestral llamada del flamenco depositaba a Soler en Andalucía, donde estudiaba la materia bajo el doctorado de Diego del Gastor. A su regreso a Barcelona, daría inicio a un longevo capítulo paralelo como acompañante acústico del cantautor alcoyano Ovidi Montllor, dejando la electrificación y el rock atrás. Sin embargo, los watios y el rock aún lograrían colarse en este segundo LP (homónimo pero también conocido como “El Gat Blanc”) de 1973, aunque con un papel menor. Guitarra española y metonimias flamencas prosperaban en este teóricamente transicional trabajo instrumental, que se convertiría en uno de los más populares de su discografía.
Las áridas pero magnéticas notas de ‘Sardana flamenca’, primer corte del disco, se hincan en el subconsciente. Un álbum que Soler grabaría con el único acompañamiento de su guitarra española excepto en los cortes eléctricos en donde miembros de OM le acompañan.
Igual que una calada mañanera de costo del que beatifica, a esa hora en que al llamado aire libre le suena el despertador, la síntesis operada en ‘Sardana flamenca’ resulta aromatizada, hipnótica, luminiscente. Y mágica, a pesar de su sui generis concepción. La canción formaba cuadríptico con las siguientes tres piezas: ‘El Gat Blanc’, ‘Tristenge’ y ‘Guisela’; abluciones en aguas flamencas perfumadas con sales folk-blues.
‘Taj Mahal’, a la mitad del álbum, es un tributo a su amigo y compañero músico, donde la batería hace una aparición tímida, dejando claro ya a esas alturas el triunfo de Soler en su empeño, por mucho que este se quedara en prototipo, según él.
La cara B comienza con ‘D´una manera silenciosa’, una adaptación de ‘In a silent way’. Deliciosa flamenquización, tan sutil como el original, y el primero de los dos únicos temas electrificados del LP, aunque tan discretamente que ni se percibe de lo fino que hila el voltaje. También íntima, armada de ese virtuosismo nada propenso al alarde y tan distintivo del autor, ‘Balada en sol’ recobra la guitarra española con una transportadora travesía, zarpando del litoral del Maresme rumbo a la bahía de San Francisco.
‘Sevilla’, el tema más largo, se convirtió en la canción más popular del disco tras ‘Sardana flamenca’. En él detonaba un chispeante encontronazo freak entre Smash y Hot Rats, de hecho la grabación final de OM, con cabida para musculosas improvisaciones y revueltos raudales de wah wah. “Puede que haya influencias de Zappa pero el modelo que seguíamos era Miles Davis”.
El corte final, ‘Estudi’ vuelve al territorio acústico con un blues andalusí de tibios fulgores californianos.
“El Gat Blanc” gozó de una buena repercusión mediática en el momento de su publicación así como también sobre los oyentes; varias generaciones han descubierto ya en este álbum muchas de las cosas que sucederían en años posteriores en el pop catalán y de toda España.

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Encargada por el aclamado director de cine Roman Polanski, la banda de culto Third Ear Band se enfrenta al reto de introducir un delirio de imaginación y creatividad en su personalísima versión cinematográfica de autor de Macbeth, una obra original de William Shakespeare. Los resultantes 44 minutos de sonidos imaginativos, divididos en 16 piezas extraordinarias, son un asombroso ejemplo de psicodelia abstracta y retorcida, enraizada en texturas de aromas medievales y clásicos. ¡Una monstruosa joya de Munster!

A modo de aperitivo de lujo ante la próxima reedición del álbum Elements (incluyendo jugosos extras…), Munster Records nos trae Macbeth, la asombrosa banda sonora a cargo del grupo inglés Third Ear Band para la película de Roman Polanski, grabada y producida en 1971. Una mágica invitación para que el oyente se sumerja en territorios insospechados de audacia, imprevisibilidad e íntima experimentación abstracta-folky. Según el propio miembro fundador de la banda, Glenn Sweeney, la música se calificó como alquimia al ser producida mediante repetición. No obstante, tal repetición no sigue las mismas estructuras musicales de, digamos, Terry Rilley, Steve Reich o Philip Glass al contar con una naturaleza indefinida de pasajes atormentados y retorcidos de un peculiar encanto poético. La banda, formada en Canterbury, comenzó en 1967 tocando una especie de folk hipnótico y abstracto. Tras firmar con el próspero sello de culto Harvest, debutaron en 1969 con Alchemy, un álbum de improvisación instrumental de corte psicodélico y jazzy. En 1970 llegó una absoluta obra maestra, un álbum de título homónimo también conocido como Elements. Para Macbeth, su tercer trabajo, tan solo quedaban el líder Glenn Sweeney (percusión) y Paul Minns (oboe) de la formación original del cuarteto. Se grabó cuando la mitad de la banda -Richard Coff (viola y violín) y Ursula Smith (cello)- ya se habían ido, y estaban a punto de grabar un tercer disco llamado The Dragon Wakes, que se había planteado como un álbum eléctrico con influencias rock. Al margen de una pocas sesiones, el disco nunca llegó a terminarse. Los temas presentados en la película fueron compuestos de forma improvisada mientras veían extractos en blanco y negro de la obra. La música, grabada en seis semanas en los Air Studios de George Martin, en julio de 1971, tiene la misma dimensión poco convencional y bastante única que caracteriza a la película. Es música de autor para una película de autor. Encaja perfectamente en la narrativa libre, delirantemente idiosincrática, de la historia adaptada por Polanski. Glenn Sweeney resumía su creación mejor que cualquier intento por parte de los críticos: la música de Third Ear Band es un reflejo del universo, como la ilusión de un juego de magia, simplemente porque no podría ser otra cosa. Las palabras no pueden describir esta danza de sonido estática, o explicar la repetición alquímica buscando y, a veces, encontrando formas arquetípicas, elementos y ritmos…. Hay un ambiente general arty-medieval, y resulta folky lúdico en cortes como 'Overture', 'Iverness', 'Court Dance' y 'Fleance', donde las interjecciones experimentales funcionan como mecanismos coloridos. 'Fleance', con Keith Chegwin como cantante invitado, es un punto álgido deslumbrante. Asaltos poéticos de música concreta están presentes en temas como 'The Beach', 'Ambush', 'Prophesies', como si cada fragmento de percusión, canto de gaviotas o silbido agudo nos estuviera llevando hacia olas de miedo en lo desconocido. Hay otras preciosidades perdidas dentro de los 44 minutos del disco, como la melodía de oboe minimalista de 'Lady Macbeth', flotante como un ciempiés en sueños o los líricos acordes de guitarra en 'The Banquet' enfatizando un clímax de misterio absoluto. Y, por cierto, esta es la canción que tocan durante el banquete en el castillo cuando la banda sale durante unos pocos segundos en la película. Teniendo en cuenta la singularidad de la película, tenemos aquí una banda sonora sublime para la misma. Música que nos hace sentir lo insondable y lo impredecible, a veces discurriendo con suavidad, como una pieza sólida y misteriosa. Cierra los ojos y disfruta de una aventura a bordo de esta alfombra caleidoscópica de la imaginación de posibilidades inesperadas.

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''No Parking' es una pepita de metal precioso, high-energy proto-punk de rock duro del grupo Gold de San Francisco, y recientemente ha encontrado el favor de los entusiastas de las cajas que cavan el sonido marrón ácido de finales de los 60. Una agregación multiétnica, el período de vida de Gold fue entre 1969 y 1971, tiempo durante el cual fueron firmados por Golden State Records y emitieron este sencillo, ahora solicitado, a principios de 1970, producido por el propietario del estudio Leo Kulka bajo el seudónimo de George Benz. Para la otra cara de esta reedición especial de No Parking, nos adentramos en los archivos de Golden State para encontrar una versión anterior desconocida de' No Parking ', grabada seis meses antes y con un enfoque más psicodélico, mientras seguimos gestionando para mantener la energía brutal del disco original.

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Ya siendo un artista exitoso, en 1983 David Bowie lanzó su álbum número 15 y el más vendido hasta la fecha, Let's Dance, que llegaría a alcanzar el estado de platino. Contenía tres de sus sencillos más populares, incluida la canción principal, que alcanzó el número 1 en las listas de éxitos de EE. UU. y el Reino Unido, así como 'Modern Love' y 'China Girl', que alcanzaron el segundo lugar en el Reino Unido. Coproducido por el legendario Nile Rodgers, el disco fue nominado a "Álbum del año" en los Premios Grammy en el '84. En apoyo del álbum, Bowie y su banda se embarcaron en la gira de 93 fechas 'Serious Moonlight' que visitó 15 países y atrajo más de dos millones de boletos vendidos, convirtiéndose así en su gira en vivo más grande hasta la fecha. En medio de la gira, el grupo tocó en el gran Foro de Montreal el 13 de julio de 1983, un espectáculo que fue grabado para una transmisión FM en vivo. Este conjunto de 2 entregas contiene la actuación completa, brindando un excelente ejemplo de este ícono cultural en los albores de su era más exitosa.

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Reedición de lujo con motivo del Record Store Day 202. Portada gatefold y vinilos de colores!
Grabado en directo en The Channel, Boston, el 19 de julio de 1988.

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Grabación del concierto en el Cow Palace de Brisbane, California, el 21 de noviembre de 1986.

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Grabación del concierto en el Cow Palace de Brisbane, California, el 21 de noviembre de 1986.

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Box set que contiene cuatro discos con dos conciertos: uno en el The Bottom Line de New York City el 16 de mayo de 1974 y otro en Farm Aid, Cardinal Stadium, Louisville, el 1 de octubre de 1995.

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Reedición!! Sonidos tropicales experimentales de guitarra del Perú 1966-1978. En el Perú de los años 60, nace un estilo de música emocionante e imparable: la cumbia peruana, también conocida como "chicha". Géneros tropicales como el merengue, la guaracha, la rumba y la cumbia se mezclan con el beat de los 60 y el rock psicodélico, mientras guitarras eléctricas reinterpretan melodías y tradiciones folklóricas de los Andes y la selva amazónica, en una representación musical del éxodo de las zonas rurales a Lima y otras grandes ciudades. Primer volumen de una nueva serie dedicada a documentar este género apasionante y popular.

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Reedición del segundo disco de Traffic Sound, lanzado en 1970 tras su obra maestra del rock latino "Virgin", merece ser considerado uno de los grandes discos de su época, incluso a nivel internacional, tan imprescindible como los trabajos más aclamados de Cream, Caravan o Led Zeppelin que sirvieron como un puente para la música rock entre los años 60 y 70. La banda incorpora arreglos complejos y estructuras de canciones largas con las que se acercan a la música psicodélica y progresiva. Sin embargo, la inmediatez de temas como Esterday's Game', con un riff de guitarra feroz y contagioso, o Hicama Way', un himno buenísimo, despeja cualquier duda posible sobre los principios sonoros de la banda: ¡ROCK hipnótico, groovy, con mayúsculas! La música de la banda se presentó en la temporada 3 de NARCOS. Presentada en facsímil de portada triple y prensada en vinilo de 180 g. Saber más